🎓 ELECTRONIC TIMES 1970>1979

✚ The 1970s stand as the decade when electronic music technology truly began its march toward mass adoption and user-friendliness, moving beyond the specialized, complex modular systems of the 1960s. This shift was driven by a demand from professional musicians for instruments that were more stable, portable, and capable of being used in live performance settings without extensive setup and calibration. Crucially, the era saw the emergence of the integrated synthesizer, a pre-patched, self-contained unit that eliminated the need for cumbersome patch cables, thereby making synthesis immediately accessible to a wider audience. The MiniMoog Model D, first released at the end of the previous decade but hitting its stride in the 70s, exemplified this trend, offering a powerful, characteristic sound and a simplified interface that made it the first truly iconic and gig-friendly keyboard synthesizer. This popularity established the fundamental architecture of synthesis—VCOs (Voltage-Controlled Oscillators), VCFs (Voltage-Controlled Filters), and VCAs (Voltage-Controlled Amplifiers)—as the standard model for years to come. However, the most significant technological leap of the decade was the transition from monophony (playing one note at a time) to polyphony (playing multiple notes simultaneously). Early Moogs and ARP synthesizers, while expressive, were limited to single melodies or basslines, forcing composers to overdub to create chords. This limitation was shattered by instruments like the Oberheim Four-Voice (1975) and, more successfully, the Sequential Circuits Prophet-5 (1978), which introduced memory storage for sounds, a revolutionary feature that allowed musicians to save and instantly recall their carefully crafted patches. This programmability was a game-changer, making complex sound design a practical part of studio and stage work, rather than a fleeting, one-time affair. Meanwhile, a parallel revolution was occurring in the realm of rhythm: the emergence of programmable drum machines. While the 60s had offered simple, preset rhythm boxes, the 70s delivered the first user-friendly devices that allowed musicians to create and store their own unique beat patterns. Instruments like the E-mu Drumulator and later, the programmable Roland CR-78 CompuRhythm (1978), started to provide realistic, loop-based rhythmic foundations for electronic, pop, and disco music, serving as the immediate predecessors to the legendary machines of the 1980s. Another notable development was the growing sophistication of the sequencer, moving from simple, fragile analog devices to more reliable digital units. Sequencers allowed for the precise, automatic repetition of musical phrases, essential for the hypnotic, repetitive structures of early Krautrock and electronic dance music progenitors. Furthermore, the decade saw the maturation of tape-based effects like the tape echo and the rise of digital signal processing in effects units, though truly powerful digital synthesis and sampling technology were still on the near horizon. The 1970s was thus a pivotal time of refinement, standardization, and a clear move toward polyphony and digital control, setting the stage perfectly for the MIDI and digital explosions that would define the subsequent decade.

✚ Les années 1970 s'imposent comme la décennie où la technologie de la musique électronique a véritablement entamé sa marche vers l'adoption de masse et la facilité d'utilisation, dépassant les systèmes modulaires spécialisés et complexes des années 1960. Cette évolution a été motivée par la demande des musiciens professionnels pour des instruments plus stables, portables et utilisables en concert sans nécessiter une installation et un calibrage fastidieux. Fait crucial, cette ère a vu l'émergence du synthétiseur intégré, une unité autonome et pré-patchée qui éliminait le besoin de câbles de raccordement encombrants, rendant ainsi la synthèse immédiatement accessible à un public plus large. Le MiniMoog Model D, sorti à la fin de la décennie précédente mais qui a atteint son apogée dans les années 70, illustre parfaitement cette tendance, offrant un son puissant et caractéristique ainsi qu'une interface simplifiée qui en a fait le premier synthétiseur à clavier véritablement emblématique et adapté à la scène. Cette popularité a établi l'architecture fondamentale de la synthèse—VCOs (Oscillateurs Commandés en Tension), VCFs (Filtres Commandés en Tension), et VCAs (Amplificateurs Commandés en Tension)—comme le modèle standard pour les années à venir. Cependant, le bond technologique le plus significatif de la décennie fut le passage de la monophonie (jouer une seule note à la fois) à la polyphonie (jouer plusieurs notes simultanément). Les premiers synthétiseurs Moog et ARP, bien qu'expressifs, étaient limités aux mélodies ou lignes de basse simples, obligeant les compositeurs à faire de l'overdubbing pour créer des accords. Cette limitation a été brisée par des instruments comme l'Oberheim Four-Voice (1975) et, avec plus de succès, le Sequential Circuits Prophet-5 (1978), qui a introduit la mémoire de stockage pour les sons, une fonctionnalité révolutionnaire qui permettait aux musiciens de sauvegarder et de rappeler instantanément leurs patches méticuleusement créés. Cette programmabilité a changé la donne, faisant du sound design complexe une partie pratique du travail en studio et sur scène, plutôt qu'une affaire éphémère et unique. Parallèlement, une révolution similaire se déroulait dans le domaine du rythme : l'émergence des boîtes à rythmes programmables. Alors que les années 60 proposaient de simples boîtiers rythmiques préprogrammés, les années 70 ont livré les premiers appareils conviviaux qui permettaient aux musiciens de créer et de stocker leurs propres motifs rythmiques uniques. Des instruments comme l'E-mu Drumulator et plus tard, le Roland CR-78 CompuRhythm programmable (1978), ont commencé à fournir des bases rythmiques réalistes et basées sur des boucles pour la musique électronique, la pop et le disco, servant de prédécesseurs immédiats aux machines légendaires des années 1980. Un autre développement notable fut la sophistication croissante du séquenceur, passant de dispositifs analogiques simples et fragiles à des unités numériques plus fiables. Les séquenceurs permettaient la répétition précise et automatique de phrases musicales, essentielle pour les structures hypnotiques et répétitives du Krautrock naissant et des ancêtres de la musique de danse électronique. De plus, la décennie a vu la maturation des effets basés sur bande comme l'écho à bande et l'essor du traitement numérique du signal dans les unités d'effets, bien que la synthèse numérique et la technologie d'échantillonnage vraiment puissantes fussent encore à l'horizon proche. Les années 1970 ont donc été une période charnière de raffinement, de standardisation et d'une évolution claire vers la polyphonie et le contrôle numérique, préparant parfaitement le terrain pour les explosions MIDI et numériques qui allaient définir la décennie suivante.

✚ KRAFTWERK (Germany)

"Kraftwerk," (1970)

Original Lineup (1970-1971): Ralf Hütter + Florian Schneider + Klaus Dinger + Andreas Hohmann

Early 1970s Lineup (1971-1973): Ralf Hütter + Florian Schneider + Klaus Dinger + Michael Rother + Wolfgang Flür

Classic Lineup (1974-1987): Ralf Hütter + Florian Schneider + Wolfgang Flür + Karl Bartos

This album marks the beginning of Kraftwerk's journey into electronic music, featuring a blend of experimental rock and electronic sounds. Although it is not as fully electronic as their later works, "Kraftwerk" laid the groundwork for the band's future explorations into electronic music. The album includes a mix of traditional instruments and early synthesizers, showcasing Kraftwerk's initial steps towards their iconic electronic sound. With albums like "Autobahn" (1974) and "The Man-Machine" (1978), Kraftwerk laid the groundwork for synth-pop, blending catchy melodies with electronic instrumentation. Their approach influenced countless artists and bands in the 1980s and beyond.

Cet album marque le début du voyage de Kraftwerk dans la musique électronique, avec un mélange de rock expérimental et de sons électroniques. Bien qu'il ne soit pas aussi entièrement électronique que leurs œuvres ultérieures, "Kraftwerk" a posé les bases des futures explorations du groupe dans la musique électronique. L'album comprend un mélange d'instruments traditionnels et de premiers synthétiseurs, montrant les premiers pas de Kraftwerk vers leur son électronique emblématique. Avec des albums comme "Autobahn" (1974) et "The Man-Machine" (1978), Kraftwerk a jeté les bases du synth-pop, mêlant mélodies accrocheuses et instrumentation électronique. Leur approche a influencé d'innombrables artistes et groupes dans les années 1980 et au-delà.

◬ SYNTH-POP

"Synth-pop" is a genre of music that emerged in the late 1970s and became widely popular in the 1980s. Synth-pop originated from the post-punk and new wave movements in the UK and the US. The genre heavily relied on the advent of affordable synthesizers and drum machines. The musical characteristics are the prominent use of synthesizers as the primary musical instrument, the Use of electronic drum machines for rhythm sections, the catchy melodies and hooks, often with a pop song structure and emphasis on vocal lines, often with a somewhat detached or cool delivery. The pioneers are Kraftwerk (influential precursors), Gary Numan, and Depeche Mode. Laid the groundwork for future electronic music genres, including techno, house, and various forms of electro-pop.

"Synth-pop" est un genre de musique qui a émergé à la fin des années 1970 et est devenu très populaire dans les années 1980. Le synth-pop est né des mouvements post-punk et new wave au Royaume-Uni et aux États-Unis. Le genre s'appuyait fortement sur l'avènement des synthétiseurs et des boîtes à rythmes abordables. Les caractéristiques musicales sont l'utilisation proéminente des synthétiseurs comme instrument musical principal, l'utilisation des boîtes à rythmes électroniques pour les sections rythmiques, les mélodies et refrains accrocheurs, souvent avec une structure de chanson pop, et l'accent mis sur les lignes vocales, souvent avec une interprétation quelque peu détachée ou froide. Les pionniers sont Kraftwerk (précurseurs influents), Gary Numan et Depeche Mode. Ils ont jeté les bases pour les futurs genres de musique électronique, y compris la techno, la house et diverses formes d'électro-pop

✚ TANGERINE DREAM (Germany)

"Electronic Meditation" (1970)

Original lineup: Edgar Froese + Klaus Schulze + Conrad Schnitzler

Tangerine Dream's first electronic album is released in 1970. While this album incorporates a blend of traditional instruments and electronic effects, it marks the beginning of Tangerine Dream's exploration into electronic music. However, the album that truly defines their electronic style and is often considered their breakthrough in the electronic music genre is "Phaedra," released in 1974. "Phaedra" features extensive use of synthesizers and sequencers, creating the ambient and spacey soundscapes that became a hallmark of their work and a significant influence on the development of electronic and ambient music.

Le premier album électronique de Tangerine Dream est sorti en 1970. Bien que cet album intègre un mélange d'instruments traditionnels et d'effets électroniques, il marque le début de l'exploration de Tangerine Dream dans la musique électronique. Cependant, l'album qui définit véritablement leur style électronique et qui est souvent considéré comme leur percée dans le genre de la musique électronique est "Phaedra", sorti en 1974. "Phaedra" utilise largement les synthétiseurs et les séquenceurs, créant des paysages sonores ambiants et spatiaux qui sont devenus la marque de fabrique de leur travail et une influence significative sur le développement de la musique électronique et ambiante.

✚ SUZANNE CIANI (USA)

"Voices of Packaged Souls" (1970)

In 1970, she released her debut record, a collaboration with sculptor Harold Paris, put together using music concrète techniques at radio station KPFA in Berkeley during the night shift. The album had an initial release of 50 copies. uzanne Ciani is renowned for her mastery of the Buchla modular synthesizer, particularly the Buchla 200 series, which she began using in the early 1970s. The Buchla synthesizer was developed by Don Buchla and was known for its innovative design and capabilities, distinct from the more widely recognized Moog synthesizers of the same era. Suzanne Ciani was a commercial sound design project for the advertising industry. In the early 1970s, Ciani established herself as a pioneer in electronic music and sound design, utilizing her skills with the Buchla synthesizer to create innovative and distinctive sounds for various advertisements. Her early work in commercial sound design allowed her to showcase the capabilities of electronic instruments in creating unique and memorable audio experiences for brands. Additionally, Suzanne Ciani's involvement in creating electronic music for commercial purposes helped pave the way for her later artistic endeavors, including her influential albums in the realm of electronic and new age music, such as "Seven Waves" (1982). Her contributions to both commercial and artistic electronic music have had a lasting impact on the field, highlighting her versatility and innovation as a composer and electronic musician.

En 1970, elle a sorti son premier enregistrement, une collaboration avec le sculpteur Harold Paris, réalisée en utilisant les techniques de musique concrète à la station de radio KPFA à Berkeley pendant le quart de nuit. L'album a eu une première édition de 50 exemplaires. Suzanne Ciani est renommée pour sa maîtrise du synthétiseur modulaire Buchla, en particulier la série Buchla 200, qu'elle a commencé à utiliser au début des années 1970. Le synthétiseur Buchla, développé par Don Buchla, était connu pour son design innovant et ses capacités, distinctes des synthétiseurs Moog plus largement reconnus de la même époque. Suzanne Ciani s'est lancée dans des projets de conception sonore commerciale pour l'industrie publicitaire. Au début des années 1970, Ciani s'est imposée comme une pionnière dans la musique électronique et la conception sonore, utilisant ses compétences avec le synthétiseur Buchla pour créer des sons innovants et distinctifs pour diverses publicités. Ses premiers travaux en conception sonore commerciale lui ont permis de mettre en valeur les capacités des instruments électroniques pour créer des expériences audio uniques et mémorables pour les marques. De plus, l'implication de Suzanne Ciani dans la création de musique électronique à des fins commerciales a ouvert la voie à ses projets artistiques ultérieurs, notamment ses albums influents dans le domaine de la musique électronique et new age, comme "Seven Waves" (1982). Ses contributions à la musique électronique, tant commerciale qu'artistique, ont eu un impact durable sur le domaine, mettant en lumière sa polyvalence et son innovation en tant que compositrice et musicienne électronique.

✚ THE WHO (UK)

"Who's Next" (1971)

Original lineup: Roger Daltrey + Pete Townshend + John Entwistle + Keith Moon

The Who's first electronic production is often attributed to the song "Baba O'Riley," which was released in 1971 on their album "Who's Next." The track features a prominent use of a synthesizer, specifically a Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1 organ, programmed by Pete Townshend to create a repetitive, sequenced pattern that became one of the song's most recognizable features. "Baba O'Riley" showcases early use of electronic music elements in rock, blending the synthesizer with traditional rock instrumentation. The use of the synthesizer in this track was innovative for its time and marked a significant point in the incorporation of electronic sounds in mainstream rock music. Pete Townshend was heavily influenced by the works of minimalist composers such as Terry Riley. He envisioned creating a rock opera called "Lifehouse," which would incorporate synthesizers and a complex narrative structure. Although "Lifehouse" was never fully realized, many of its concepts and songs were integrated into "Who's Next." The use of synthesizers in these tracks marked a significant shift in rock music, demonstrating the potential of electronic instruments to create new sounds and textures. This innovation paved the way for future experimentation within the genre and influenced numerous artists and bands in the development of electronic and progressive rock music.

La première production électronique de The Who est souvent attribuée à la chanson "Baba O'Riley", sortie en 1971 sur leur album "Who's Next". Ce morceau se distingue par l'utilisation marquée d'un synthétiseur, plus précisément d'un orgue Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1, programmé par Pete Townshend pour créer un motif séquencé et répétitif qui est devenu l'une des caractéristiques les plus reconnaissables de la chanson. "Baba O'Riley" met en avant l'utilisation précoce d'éléments de musique électronique dans le rock, en mélangeant le synthétiseur avec les instruments de rock traditionnels. L'utilisation du synthétiseur dans ce morceau était innovante pour l'époque et a marqué un point significatif dans l'incorporation des sons électroniques dans la musique rock grand public. Pete Townshend était fortement influencé par les œuvres de compositeurs minimalistes tels que Terry Riley. Il envisageait de créer un opéra-rock intitulé "Lifehouse", qui intégrerait des synthétiseurs et une structure narrative complexe. Bien que "Lifehouse" n'ait jamais été entièrement réalisé, de nombreux concepts et chansons ont été intégrés dans "Who's Next". L'utilisation des synthétiseurs dans ces morceaux a marqué un changement significatif dans la musique rock, démontrant le potentiel des instruments électroniques pour créer de nouveaux sons et textures. Cette innovation a ouvert la voie à de futures expérimentations dans le genre et a influencé de nombreux artistes et groupes dans le développement de la musique électronique et du rock progressif.

✚ VANGELIS (Greece)

"Fais Que Ton Rêve Soit Plus Long Que la Nuit" (1972)

Vangelis' first electronic album is generally considered to be "Fais Que Ton Rêve Soit Plus Long Que la Nuit," released in 1972. However, it was with the album "Earth" in 1973 that Vangelis began to develop the electronic style he would become famous for. His 1975 album "Heaven and Hell" is often recognized as his first major electronic work that showcased his signature style of blending orchestral elements with synthesizers and electronic sounds. This album marked a significant point in his career and contributed to his reputation as a pioneer in electronic music.

Le premier album électronique de Vangelis est généralement considéré comme étant "Fais Que Ton Rêve Soit Plus Long Que la Nuit", sorti en 1972. Cependant, c'est avec l'album "Earth" en 1973 que Vangelis a commencé à développer le style électronique pour lequel il deviendrait célèbre. Son album de 1975, "Heaven and Hell", est souvent reconnu comme son premier grand travail électronique qui a mis en avant sa signature mélangeant des éléments orchestraux avec des synthétiseurs et des sons électroniques. Cet album a marqué un tournant significatif dans sa carrière et a contribué à sa réputation de pionnier de la musique électronique.

✚ THE RESIDENTS (USA)

"Vileness Fats" (1972-1973)

The first electronic production by The Residents is generally considered to be their debut album, Meet The Residents, released in 1974. This album marked the beginning of their exploration into electronic music, utilizing synthesizers and tape manipulation to create their distinct avant-garde sound. The album features a mix of electronic and traditional instruments, which was quite innovative for the time. However, even before Meet The Residents, The Residents had been experimenting with electronic sounds in their earlier, unreleased recordings from the late 1960s and early 1970s. These early experiments laid the groundwork for the complex and experimental electronic music that would come to define much of their work. One notable early track, "Vileness Fats," recorded around 1972-1973, showcases their use of synthesizers and electronic effects, making it one of their first forays into electronic music.

La première production électronique des Residents est généralement considérée comme étant leur premier album, Meet The Residents, sorti en 1974. Cet album a marqué le début de leur exploration de la musique électronique, utilisant des synthétiseurs et la manipulation de bandes pour créer leur son distinctif avant-gardiste. L'album présente un mélange d'instruments électroniques et traditionnels, ce qui était assez innovant pour l'époque. Cependant, même avant Meet The Residents, les Residents avaient déjà expérimenté des sons électroniques dans leurs enregistrements antérieurs, non publiés, datant de la fin des années 1960 et du début des années 1970. Ces premières expérimentations ont jeté les bases de la musique électronique complexe et expérimentale qui allait définir une grande partie de leur œuvre. Un morceau notable de cette période, "Vileness Fats", enregistré vers 1972-1973, met en avant leur utilisation des synthétiseurs et des effets électroniques, en faisant l'une de leurs premières incursions dans la musique électronique.

✚ BRIAN ENO (UK)

"Here Come the Warm Jets” (1974)

Brian Eno's first electronic album is often considered to be released in 1974. Although it contains elements of rock and glam, it is significant for its innovative use of electronic effects and production techniques. However, his first purely electronic ambient work, which more closely aligns with the genre he is most known for, is "Discreet Music," released in 1975. This album is a seminal piece in the development of ambient music, marking Eno's shift towards creating atmospheric and minimalistic soundscapes.

Le premier album électronique de Brian Eno est souvent considéré comme ayant été publié en 1974. Bien qu'il contienne des éléments de rock et de glam, il est notable pour son utilisation innovante d'effets électroniques et de techniques de production. Cependant, son premier travail ambient purement électronique, qui correspond plus étroitement au genre pour lequel il est le plus connu, est "Discreet Music", sorti en 1975. Cet album est une pièce fondatrice dans le développement de la musique ambient, marquant le virage d'Eno vers la création de paysages sonores atmosphériques et minimalistes.

◬ AMBIENT

Focused on creating atmospheric soundscapes rather than traditional song structures, often utilizing synthesizers and tape loops to create immersive environments. "Ambient" refers to a genre of music that emphasizes atmosphere and tone over traditional musical structure or rhythm. The roots of ambient music can be traced back to the early 20th century, with the work of composers like Erik Satie and his "furniture music" concept. The genre was more formally established in the 1970s by artists like Brian Eno, who is often credited with coining the term "ambient music. Ambient music creates immersive soundscapes designed to evoke particular moods or atmospheres. Often features minimal musical elements, such as slow-moving harmonies and sparse, repetitive patterns. Heavy use of synthesizers, electronic instruments, and effects to create ethereal and evolving textures. The other key figures are Aphex Twin, The Orb, Boards of Canada, and Harold Budd.

Axé sur la création de paysages sonores atmosphériques plutôt que sur des structures de chansons traditionnelles, utilisant souvent des synthétiseurs et des boucles de bande pour créer des environnements immersifs. "Ambient" se réfère à un genre de musique qui met l'accent sur l'atmosphère et la tonalité plutôt que sur la structure musicale traditionnelle ou le rythme. Les racines de la musique ambient remontent au début du 20e siècle, avec le travail de compositeurs comme Erik Satie et son concept de "musique d'ameublement". Le genre a été plus formellement établi dans les années 1970 par des artistes comme Brian Eno, qui est souvent crédité d'avoir inventé le terme "musique ambient". La musique ambient crée des paysages sonores immersifs conçus pour évoquer des humeurs ou des atmosphères particulières. Elle présente souvent des éléments musicaux minimalistes, tels que des harmonies évoluant lentement et des motifs répétitifs et épurés. Utilisation intensive de synthétiseurs, d'instruments électroniques et d'effets pour créer des textures éthérées et évolutives. Les autres figures clés sont Aphex Twin, The Orb, Boards of Canada et Harold Budd.

✚ CHARLEMAGNE PALESTINE (USA)

"Strumming Music" (1974)

Charlemagne Palestine is an American composer, performer, and visual artist known for his avant-garde and experimental works, particularly in the realm of minimalist and drone music. This album "Strumming Music" is known for its innovative use of electronic keyboards and minimalist compositions, marking Palestine's exploration into drone and repetitive music forms. It's considered a significant work in the realm of minimalist and experimental electronic music.

Charlemagne Palestine est un compositeur, interprète et artiste visuel américain connu pour ses œuvres avant-gardistes et expérimentales, particulièrement dans le domaine de la musique minimaliste et drone. Cet album "Strumming Music" est reconnu pour son utilisation innovante de claviers électroniques et ses compositions minimalistes, marquant l'exploration de Palestine dans les formes musicales drone et répétitives. Il est considéré comme une œuvre significative dans le domaine de la musique électronique minimaliste et expérimentale.

✚ CABARET VOLTAIRE (UK)

"Methodology '74/'78: The Attic Tapes" (1974)

Original lineup: Stephen Mallinder + Richard H. Kirk + Chris Watson

Cabaret Voltaire were British pioneers (Sheffield, 1973) of industrial and electronic music. The group began with noise experiments, sound collages, and tape loops influenced by Dadaism (the name comes from the Cabaret in Zurich). In the early 1980s, the duo (Richard H. Kirk and Stephen Mallinder) evolved towards a more structured, electronic, and avant-funk sound, integrating disco, house, and techno, becoming major and highly influential figures in electronic dance music.

Pionniers britanniques (Sheffield, 1973) de la musique industrielle et électronique, Cabaret Voltaire a commencé par des expérimentations bruitistes, des collages sonores et des boucles de bande (Tape Loops) influencés par le Dadaïsme (le nom vient du Cabaret de Zurich). Au début des années 1980, le duo (Richard H. Kirk et Stephen Mallinder) a évolué vers un son plus structuré, électronique et avant-funk, intégrant le disco, la house et la techno, devenant des figures majeures et très influentes de la musique de danse électronique.

✚ KING TUBBY (Jamaica)

"Dub from the Roots" (1974)

King Tubby, a pioneer in the development of dub music, utilized innovative electronic techniques and studio effects to create this groundbreaking work. The album showcases Tubby's signature style, characterized by heavy use of reverb, echo, and other electronic modifications, which played a crucial role in the evolution of electronic music.

King Tubby, un pionnier dans le développement de la musique dub, a utilisé des techniques électroniques innovantes et des effets studio pour créer cette œuvre révolutionnaire. L'album met en valeur le style caractéristique de Tubby, marqué par une utilisation intensive de réverbération, d'écho et d'autres modifications électroniques, qui ont joué un rôle crucial dans l'évolution de la musique électronique.

◬ DUB

"Dub" is a genre of music that originated in Jamaica in the late 1960s. Its origins are rooted in Jamaican music, remixing existing reggae tracks to emphasize instrumental and rhythmic elements. Musical characteristics involve remixing and manipulating existing reggae recordings, often removing vocals to focus on instrumental tracks; heavy use of effects such as reverb, echo, and phasing, creating a spacious and atmospheric sound; prominent basslines, drum patterns, and melodic elements from the original reggae recordings. The pioneers include King Tubby, Lee "Scratch" Perry, and Augustus Pablo. Dub has influenced genres beyond reggae, including electronic music and hip-hop. It has spawned subgenres such as dubstep and dub techno, which further explore its rhythmic and production techniques.

"Dub" est un genre de musique qui a vu le jour en Jamaïque à la fin des années 1960. Les origines sont enracinées dans la musique jamaïcaine, en remixant des pistes de reggae existantes pour mettre en avant les éléments instrumentaux et rythmiques. Les caractéristiques musicales impliquent le remixage et la manipulation d'enregistrements de reggae existants, souvent en supprimant les voix pour se concentrer sur les pistes instrumentales ; l’utilisation intensive d'effets tels que la réverbération, l'écho et la phase, créant un son spacieux et atmosphérique ; la présence de lignes de basse marquantes, de motifs de batterie et d'éléments mélodiques issus des enregistrements originaux de reggae. Les pionniers sont King Tubby, Lee "Scratch" Perry et Augustus Pablo. Le dub a influencé des genres au-delà du reggae, y compris la musique électronique et le hip-hop. Il a engendré des sous-genres comme le dubstep et le dub techno, qui explorent davantage ses techniques rythmiques et de production.

✚ ISAO TOMITA (Japan)

"Snowflakes Are Dancing" (1974)

This album is a groundbreaking work in electronic music, featuring Tomita's synthesizer arrangements of Claude Debussy's compositions. Tomita used the Moog synthesizer to reinterpret Debussy's impressionistic pieces, creating a lush and ethereal sound that captivated listeners and showcased the expressive potential of electronic instruments. "Snowflakes Are Dancing" received critical acclaim and commercial success, establishing Isao Tomita as a pioneer in electronic music and paving the way for his subsequent influential works in the genre.

Cet album est une œuvre révolutionnaire dans la musique électronique, présentant les arrangements de synthétiseur de Tomita des compositions de Claude Debussy. Tomita a utilisé le synthétiseur Moog pour réinterpréter les pièces impressionnistes de Debussy, créant un son luxuriant et éthéré qui a captivé les auditeurs et a démontré le potentiel expressif des instruments électroniques. "Snowflakes Are Dancing" a reçu un succès critique et commercial, établissant Isao Tomita comme un pionnier dans la musique électronique et ouvrant la voie à ses œuvres ultérieures influentes dans le genre.

✚ GIORGIO MORODER (Italy)

"Einzelgänger" (1975) under the pseudonym "Einzelgänger"

This album marks Moroder's early experimentation with electronic sounds and synthesizers, predating his more well-known work in disco and electronic music. "Einzelgänger" showcases his innovative approach to electronic music, blending it with traditional pop and rock elements, and set the stage for his later influential work in the genre. A pioneer of electronic disco, his work with Donna Summer, especially the track "I Feel Love" (1977), revolutionized dance music.

Cet album marque les premières expérimentations de Moroder avec les sons électroniques et les synthétiseurs, précédant ses œuvres plus connues dans le disco et la musique électronique. "Einzelgänger" met en valeur son approche innovante de la musique électronique, la mêlant à des éléments traditionnels de la pop et du rock, et prépare le terrain pour ses œuvres ultérieures influentes dans le genre. Pionnier du disco électronique, son travail avec Donna Summer, notamment le titre "I Feel Love" (1977), a révolutionné la musique de danse.

◬ DISCO

Disco music originated in the United States, drawing from funk, soul, and Latin music. It was influenced by the upbeat rhythms of Motown, the groove of funk, and the lush arrangements of Philadelphia soul. Dance-oriented music with a steady four-on-the-floor beat, prominent basslines, and lush orchestration. Giorgio Moroder's work in particular integrated synthesizers into disco. Pioneers: Donna Summer, Bee Gees, Gloria Gaynor, Chic, and KC and the Sunshine Band. Producers: Giorgio Moroder (known for his work with Donna Summer), Nile Rodgers and Bernard Edwards (of Chic).

La musique disco est née aux États-Unis, s'inspirant du funk, de la soul et de la musique latine. Elle a été influencée par les rythmes entraînants de Motown, le groove du funk et les arrangements luxuriants de la soul de Philadelphie. Musique orientée vers la danse avec un battement régulier en quatre temps, des lignes de basse proéminentes et une orchestration riche. Le travail de Giorgio Moroder a particulièrement intégré les synthétiseurs dans le disco. Pionniers : Donna Summer, Bee Gees, Gloria Gaynor, Chic et KC and the Sunshine Band. Producteurs : Giorgio Moroder (connu pour son travail avec Donna Summer), Nile Rodgers et Bernard Edwards (de Chic).

✚ ART ZOYD (France)

"Symphonie pour le jour où brûleront les cités" (1976)

Original lineup: Gérard Hourbette + Jean-Pierre Soarez +Thierry Zaboïtzeff

This album marked their entry into the realm of electronic music, blending experimental rock with avant-garde and classical influences. Art Zoyd's early work emphasized the use of synthesizers, tape manipulation, and unconventional instrumentation to create atmospheric and often dystopian soundscapes. "Symphonie pour le jour où brûleront les cités" exemplifies Art Zoyd's innovative approach to composition, incorporating electronic elements alongside traditional instruments to evoke themes of urban decay and societal unrest. The album set the stage for their subsequent exploration of electronic and experimental music, establishing them as pioneers in the genre. Art Zoyd's early electronic productions laid the foundation for their distinct style, characterized by complex compositions, dramatic shifts in mood and texture, and a commitment to pushing the boundaries of contemporary music. Their influence continues to resonate within the avant-garde and electronic music scenes, inspiring artists with their visionary approach to sound and composition.

Cet album a marqué leur entrée dans le domaine de la musique électronique, mêlant rock expérimental à des influences avant-gardistes et classiques. Les premiers travaux d'Art Zoyd mettaient l'accent sur l'utilisation de synthétiseurs, de manipulation de bandes et d'instruments non conventionnels pour créer des paysages sonores atmosphériques et souvent dystopiques. "Symphonie pour le jour où brûleront les cités" illustre l'approche innovante de composition d'Art Zoyd, intégrant des éléments électroniques aux côtés d'instruments traditionnels pour évoquer des thèmes de décadence urbaine et d'agitation sociale. L'album a préparé le terrain pour leur exploration ultérieure de la musique électronique et expérimentale, les établissant comme des pionniers dans le genre. Les premières productions électroniques d'Art Zoyd ont posé les bases de leur style distinct, caractérisé par des compositions complexes, des changements dramatiques de mood et de texture, et un engagement à repousser les limites de la musique contemporaine. Leur influence résonne toujours dans les milieux de la musique avant-gardiste et électronique, inspirant les artistes par leur approche visionnaire du son et de la composition.

✚ THROBBING GRISTLE (UK)

"The Second Annual Report" (1977)

Original lineup: Genesis P-Orridge + Cosey Fanni Tutti + Peter "Sleazy" Christopherson + Chris Carter

Throbbing Gristle was a pioneering group in the industrial music genre, known for their experimental and confrontational approach to music and performance art. "The Second Annual Report" features a blend of electronic instrumentation, tape loops, and unconventional sound manipulation techniques, marking a significant departure from traditional rock music. The album is characterized by its dark, abrasive soundscapes and themes that challenge societal norms, establishing Throbbing Gristle as a seminal influence on electronic and industrial music.

Throbbing Gristle était un groupe pionnier dans le genre de la musique industrielle, connu pour leur approche expérimentale et provocatrice de la musique et de l'art performance. "The Second Annual Report" présente un mélange d'instruments électroniques, de boucles de bandes et de techniques non conventionnelles de manipulation sonore, marquant un départ significatif de la musique rock traditionnelle. L'album se caractérise par ses paysages sonores sombres et abrasifs ainsi que par des thèmes qui remettent en question les normes sociétales, établissant Throbbing Gristle comme une influence majeure sur la musique électronique et industrielle.

◬ INDUSTRIAL

"Industrial" is a genre of music that combines elements of electronic music with noisy and experimental sounds, often with dark and provocative themes. The genre emerged in the late 1970s and early 1980s. Influenced by genres such as punk rock, experimental electronic music, and krautrock. Musical characteristics: Mechanical sounds (use of industrial sounds such as hammers, machines, metallic noises, and samples of ambient noises); Synthesizers and samplers (extensive use of synthesizers, samplers, and drum machines); Percussive rhythms (heavy and repetitive rhythms, sometimes danceable but often abrasive); Vocalization (voices can be distorted, screamed, or spoken, often with provocative or dystopian lyrics). The pioneers are Throbbing Gristle, considered one of the founders of the genre, and Cabaret Voltaire. Although it never became mainstream, industrial has had a significant influence on other music genres and popular culture. Industrial has influenced various other music genres, including EBM (Electronic Body Music), industrial metal, and electro-industrial. Industrial remains a vital and evolving musical genre, celebrated for its bold and experimental approach to sound creation and its lasting impact on music and culture.

"Industrial" est un genre de musique qui combine des éléments de musique électronique avec des sonorités bruyantes et expérimentales, souvent avec des thèmes sombres et provocateurs. Le genre a émergé à la fin des années 1970 et au début des années 1980. Influencé par des genres comme le punk rock, la musique électronique expérimentale et le krautrock. Caractéristiques musicales : Sonorités mécaniques (Utilisation de sons industriels tels que des marteaux, des machines, des bruits métalliques et des échantillons de bruits ambiants) ; Synthétiseurs et samplers (Utilisation intensive de synthétiseurs, de samplers et de boîtes à rythmes) ; Rythmes percussifs (Rythmes lourds et répétitifs, parfois dansants, mais souvent abrasifs) ; Vocalisation (Les voix peuvent être distordues, criées ou parlées, avec des paroles souvent provocantes ou dystopiques). Les Pionniers sont Throbbing Gristle, considéré comme l'un des fondateurs du genre, et Cabaret Voltaire. Bien que n'étant jamais devenu grand public, l'industriel a eu une influence significative sur d'autres genres de musique et sur la culture populaire. L'industriel a influencé divers autres genres de musique, y compris l'EBM (Electronic Body Music), le metal industriel et l'electro-industrial. L'industriel reste un genre musical vital et évolutif, célébré pour son approche audacieuse et expérimentale de la création sonore et son impact durable sur la musique et la culture.

✚ SUICIDE (USA)

"Suicide" (1977)

Original lineup: Alan Vega + Martin Rev

The album is renowned for its raw, minimalist approach, featuring Martin Rev's primitive, repetitive synthesizer and drum machine patterns combined with Alan Vega's confrontational vocals. This debut is considered a groundbreaking work in the electronic music genre, blending elements of punk rock with electronic instrumentation, and is often cited as one of the earliest examples of synth-punk and proto-industrial music. The tracks "Ghost Rider" and "Frankie Teardrop" are particularly notable for their stark, relentless sound and have influenced a wide range of artists across different genres. The duo of combined punk energy with primitive electronic sounds.

L'album est renommé pour son approche brute et minimaliste, mettant en avant les motifs primitifs et répétitifs de synthétiseur et de boîte à rythmes de Martin Rev associés aux vocaux confrontationnels d'Alan Vega. Ce premier opus est considéré comme une œuvre novatrice dans le genre de la musique électronique, mêlant des éléments de punk rock à une instrumentation électronique, et est souvent cité comme l'un des premiers exemples de synth-punk et de musique proto-industrielle. Les morceaux "Ghost Rider" et "Frankie Teardrop" sont particulièrement remarquables pour leur sonorité franche et implacable, et ont influencé un large éventail d'artistes à travers différents genres. Le duo a combiné l'énergie punk avec des sons électroniques primitifs.

✚ DJ KOOL HERC (USA)

“L Brothers vs The Herculoids – Bronx River Centre” (1978)

Original lineup: Clive Campbell

Known as the "Father of Hip-Hop," DJ Kool Herc is credited with originating the breakbeat DJing technique, where he isolated and extended the instrumental breaks of funk and soul records. His block parties in the Bronx laid the groundwork for hip-hop culture. His first major party at 1520 Sedgwick Avenue on August 11, 1973, is often cited as the birthplace of hip-hop.

Connu sous le nom de "Père du Hip-Hop", DJ Kool Herc est crédité d'avoir inventé la technique de DJing breakbeat, où il isolait et prolongeait les breaks instrumentaux des disques de funk et de soul. Ses block parties dans le Bronx ont jeté les bases de la culture hip-hop. Sa première grande fête au 1520 Sedgwick Avenue le 11 août 1973 est souvent citée comme le lieu de naissance du hip-hop.

◬ HIP HOP

The 1970s laid the foundation for hip-hop, which evolved from a local street culture in the Bronx to a global movement. The pioneers of this era introduced and refined the core elements of DJing, MCing, breakdancing, and graffiti, shaping a dynamic and influential genre that continues to thrive today. Hip hop emerged primarily in the South Bronx, New York City, as part of a cultural movement encompassing music, dance, art, and fashion. Rooted in African American and Afro-Caribbean musical traditions, with influences from funk, soul, disco, and reggae. Musical Characteristics are Rap: Central to hip hop is "rapping" (or MCing), which involves rhythmic and rhyming speech delivered in a syncopated manner over beats; DJing: DJs play a crucial role, using turntables and mixers to create rhythmic beats and scratching sounds; Sampling: Heavy use of sampling, where snippets of music and sound recordings are manipulated and incorporated into new compositions; Beatboxing: Vocal percussion, imitating drum machines and other instruments, is also a key element. Hip hop has become one of the most commercially successful genres globally, influencing fashion, language, and youth culture worldwide.

Les années 1970 ont jeté les bases du hip-hop, qui a évolué d'une culture de rue locale dans le Bronx à un mouvement mondial. Les pionniers de cette époque ont introduit et affiné les éléments essentiels du DJing, du MCing, du breakdance et du graffiti, façonnant un genre dynamique et influent qui continue de prospérer aujourd'hui. Le hip-hop a émergé principalement dans le South Bronx, à New York City, faisant partie d'un mouvement culturel englobant la musique, la danse, l'art et la mode. Enraciné dans les traditions musicales afro-américaines et afro-caribéennes, avec des influences du funk, de la soul, du disco et du reggae. Les caractéristiques musicales incluent le Rap : Au cœur du hip-hop se trouve le "rapping" (ou MCing), qui consiste en une parole rythmée et rimée délivrée de manière syncopée sur des beats ; le DJing : Les DJs jouent un rôle crucial, utilisant des platines et des mixeurs pour créer des beats rythmiques et des sons de scratch ; le Sampling : Utilisation intensive d'échantillonnages, où des fragments de musique et d'enregistrements sonores sont manipulés et intégrés dans de nouvelles compositions ; le Beatboxing : Percussion vocale, imitant des boîtes à rythmes et d'autres instruments, constitue également un élément clé. Le hip-hop est devenu l'un des genres les plus commercialement réussis à l'échelle mondiale, influençant la mode, le langage et la culture jeunesse à travers le monde.

✚ THE NORMAL

"Warm Leatherette" (1978)

The Normal is the solo project of Daniel Miller, an influential figure in electronic music. "Warm Leatherette" is the most notable and only single released by The Normal. The song is considered a pioneering work in electronic music, featuring minimalist and repetitive synth lines. The track’s lyrics were inspired by J.G. Ballard’s novel "Crash," reflecting themes of technology and dystopia. "Warm Leatherette" is often cited as a precursor to Electronic Body Music (EBM) and synthpop due to its raw, electronic sound and mechanical rhythm. The track's stark and minimalist production influenced many future artists in these genres. After the release of "Warm Leatherette," Daniel Miller focused on running Mute Records, which became one of the most influential labels in electronic and alternative music. Mute Records signed and supported numerous key acts in the electronic music scene, including Depeche Mode, Yazoo, and Erasure.

The Normal est le projet solo de Daniel Miller, une figure influente dans la musique électronique. "Warm Leatherette" est le single le plus notable et le seul sorti par The Normal. La chanson est considérée comme une œuvre pionnière dans la musique électronique, avec des lignes de synthé minimalistes et répétitives. Les paroles du morceau ont été inspirées par le roman "Crash" de J.G. Ballard, reflétant des thèmes de technologie et de dystopie. "Warm Leatherette" est souvent cité comme un précurseur de l'Electronic Body Music (EBM) et de la synthpop en raison de son son brut, électronique et de son rythme mécanique. La production austère et minimaliste du morceau a influencé de nombreux artistes futurs dans ces genres. Après la sortie de "Warm Leatherette", Daniel Miller s'est concentré sur la gestion de Mute Records, qui est devenu l'un des labels les plus influents dans la musique électronique et alternative. Mute Records a signé et soutenu de nombreux artistes clés de la scène musicale électronique, y compris Depeche Mode, Yazoo et Erasure.

◬ ELECTRONIC BODY MUSIC (EBM)

EBM’s roots can be traced back to the late 1970s with the advent of electronic music and the early use of synthesizers in pop and rock music. Bands like Kraftwerk, with their mechanical rhythms and synthesizer melodies, heavily influenced the development of electronic genres. One of the seminal tracks often cited as a precursor to EBM is "Warm Leatherette" by The Normal (1978). This song, created by Daniel Miller, features a stark, repetitive electronic sound that laid the groundwork for future EBM aesthetics. D.A.F. (Deutsch Amerikanische Freundschaft), a German band, is often credited with defining the EBM genre. Their album Alles ist gut (1981), featuring tracks like "Der Mussolini," showcased a combination of driving, mechanical beats and minimalistic, aggressive electronic instrumentation. Front 242, Belgian band, further solidified the EBM sound with their early releases. Their 1981 track "Body to Body" and subsequent albums like Geography (1982) and No Comment (1984) were pivotal in shaping the genre. Front 242 coined the term "Electronic Body Music" to describe their music, emphasizing the physical, danceable aspect of their sound. EBM is characterized by its repetitive, danceable beats, often created using drum machines. The beats are typically straightforward and driving, designed to get people moving on the dance floor. Heavy use of synthesizers and sequencers is a hallmark of EBM. The sounds are often aggressive, mechanical, and minimalist, creating a futuristic and industrial atmosphere. Vocals in EBM are usually delivered in a commanding, often aggressive manner, with lyrics that can be political, social, or personal in nature. The aesthetic of EBM is often stark and industrial, both in terms of music production and visual presentation, including fashion and stage design. EBM has left a lasting impact on the broader electronic music landscape. Its influence can be seen in various electronic and industrial subgenres, and it continues to inspire new generations of musicians and fans. The genre’s emphasis on rhythm and physicality has made it a persistent and dynamic force in the world of electronic music.

Les racines de l'EBM remontent à la fin des années 1970 avec l'avènement de la musique électronique et les premières utilisations des synthétiseurs dans la musique pop et rock. Des groupes comme Kraftwerk, avec leurs rythmes mécaniques et leurs mélodies de synthétiseur, ont fortement influencé le développement des genres électroniques. L'un des morceaux emblématiques souvent cité comme un précurseur de l'EBM est "Warm Leatherette" de The Normal (1978). Cette chanson, créée par Daniel Miller, présente un son électronique austère et répétitif qui a posé les bases de l'esthétique future de l'EBM. D.A.F. (Deutsch Amerikanische Freundschaft), un groupe allemand, est souvent crédité de la définition du genre EBM. Leur album Alles ist gut (1981), avec des morceaux comme "Der Mussolini", mettait en avant une combinaison de rythmes mécaniques entraînants et une instrumentation électronique minimaliste et agressive. Front 242, un groupe belge, a encore renforcé le son de l'EBM avec leurs premières sorties. Leur morceau de 1981 "Body to Body" et leurs albums suivants comme Geography (1982) et No Comment (1984) ont été déterminants dans la formation du genre. Front 242 a inventé le terme "Electronic Body Music" pour décrire leur musique, mettant l'accent sur l'aspect physique et dansant de leur son. L'EBM se caractérise par ses rythmes répétitifs et dansants, souvent créés à l'aide de boîtes à rythmes. Les rythmes sont généralement directs et entraînants, conçus pour faire bouger les gens sur la piste de danse. L'utilisation intensive des synthétiseurs et des séquenceurs est une marque de fabrique de l'EBM. Les sons sont souvent agressifs, mécaniques et minimalistes, créant une atmosphère futuriste et industrielle. Les voix dans l'EBM sont généralement délivrées de manière impérieuse, souvent agressive, avec des paroles qui peuvent être politiques, sociales ou personnelles. L'esthétique de l'EBM est souvent austère et industrielle, tant en termes de production musicale que de présentation visuelle, y compris la mode et la mise en scène. L'EBM a laissé un impact durable sur le paysage musical électronique au sens large. Son influence peut être vue dans divers sous-genres électroniques et industriels, et il continue d'inspirer de nouvelles générations de musiciens et de fans. L'accent mis par le genre sur le rythme et la physicalité en a fait une force persistante et dynamique dans le monde de la musique électronique

✚ YELLOW MAGIC ORCHESTRA (Japan)

"Yellow Magic Orchestra" (1978)

Original Lineup: Haruomi Hosono + Yukihiro Takahashi + Ryuichi Sakamoto

YMO is a pioneering Japanese electronic music band. "Yellow Magic Orchestra" is regarded as a groundbreaking work in electronic music, fusing synthesizers, drum machines, and electronic effects with elements of pop, rock, and traditional Japanese music. The album features innovative tracks like "Firecracker" and "Tong Poo," which blend catchy melodies with futuristic electronic sounds. YMO's debut album not only introduced a new sound to the music world but also influenced the development of electronic and synth-pop genres globally. Their use of cutting-edge technology and cultural references set them apart and established them as pioneers in electronic music from Japan.

YMO est un groupe japonais de musique électronique pionnier. "Yellow Magic Orchestra" est considéré comme une œuvre révolutionnaire dans le domaine de la musique électronique, fusionnant synthétiseurs, boîtes à rythmes et effets électroniques avec des éléments de pop, de rock et de musique traditionnelle japonaise. L'album comprend des morceaux innovants tels que "Firecracker" et "Tong Poo", qui marient des mélodies accrocheuses à des sonorités électroniques futuristes. Le premier album de YMO a non seulement introduit un nouveau son dans le monde musical, mais a également influencé le développement des genres électronique et synth-pop à l'échelle mondiale. Leur utilisation de technologies de pointe et de références culturelles les a démarqués et les a établis comme des pionniers de la musique électronique venant du Japon.

✚ THE SUGARHILL GANG (USA)

"Rapper's Delight" (1979)

Original Lineup: Michael "Wonder Mike" Wright + Henry "Big Bank Hank" Jackson + Guy "Master Gee" O'Brien

The Sugarhill Gang was formed in Englewood, New Jersey, in 1979. The group was assembled by Sylvia Robinson, the co-founder of Sugar Hill Records, who wanted to capitalize on the emerging hip hop scene. "Rapper's Delight" was recorded and released in 1979. The song was built around the instrumental track of Chic's "Good Times," which was replayed by a live band. The single became a massive hit, reaching No. 36 on the Billboard Hot 100 and charting internationally. It was the first rap song to achieve such widespread success and introduced hip hop to a broader audience. "Rapper's Delight" is often credited with helping to establish rap as a legitimate genre and paved the way for future hip hop artists. Its success demonstrated the commercial potential of rap music and brought attention to the burgeoning hip hop culture.

The Sugarhill Gang a été formé à Englewood, dans le New Jersey, en 1979. Le groupe a été monté par Sylvia Robinson, co-fondatrice de Sugar Hill Records, qui voulait capitaliser sur l'émergence de la scène hip hop. "Rapper's Delight" a été enregistré et publié en 1979. La chanson était construite autour de la piste instrumentale de "Good Times" de Chic, rejouée par un groupe en direct. Le single est devenu un énorme succès, atteignant la 36e place du Billboard Hot 100 et se classant à l'international. C'était la première chanson de rap à connaître un tel succès mondial et a introduit le hip hop à un public plus large. "Rapper's Delight" est souvent crédité d'avoir contribué à établir le rap comme un genre légitime et a ouvert la voie aux futurs artistes hip hop. Son succès a démontré le potentiel commercial de la musique rap et a attiré l'attention sur la culture hip hop naissante.

✚ DEUTSCH AMERIKANISCHE FREUNDSCHAFT (Germany)

"Produkt der Deutsch-Amerikanischen Freundschaft" (1979)

Original lineup: Gabriel "Gabi" Delgado-López + Robert Görl + Chrislo Haas + Kurt "Pyrolator" Dahlke + Michael Kemner

Deutsch Amerikanische Freundschaft, commonly known as D.A.F., is a German band that played a crucial role in the development of electronic music and the EBM genre. Their first electronic production was the album "Produkt der Deutsch-Amerikanischen Freundschaft," released in 1979. This album marked their transition from punk rock to a more electronic and industrial sound, characterized by repetitive beats, minimalistic synth lines, and a raw, aggressive style.

Deutsch Amerikanische Freundschaft, communément appelé D.A.F., est un groupe allemand qui a joué un rôle crucial dans le développement de la musique électronique et du genre EBM. Leur première production électronique fut l'album "Produkt der Deutsch-Amerikanischen Freundschaft," sorti en 1979. Cet album marqua leur transition du punk rock vers un son plus électronique et industriel, caractérisé par des rythmes répétitifs, des lignes de synthé minimalistes et un style brut et agressif.

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🎓 ELECTRONIC TIMES 1970>1979

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