๐ HISTORY OF ELECTRONIC MUSIC BY T+F RADIO - 70s [Origin]
"Kraftwerk,"
(1970)
Original Lineup (1970-1971):
Ralf Hรผtter + Florian Schneider + Klaus Dinger + Andreas Hohmann
Early 1970s Lineup
(1971-1973): Ralf Hรผtter + Florian Schneider + Klaus Dinger + Michael Rother + Wolfgang
Flรผr
Classic Lineup (1974-1987): Ralf
Hรผtter + Florian Schneider + Wolfgang Flรผr + Karl Bartos
This album marks the
beginning of Kraftwerk's journey into electronic music, featuring a blend of
experimental rock and electronic sounds. Although it is not as fully electronic
as their later works, "Kraftwerk" laid the groundwork for the band's
future explorations into electronic music. The album includes a mix of
traditional instruments and early synthesizers, showcasing Kraftwerk's initial
steps towards their iconic electronic sound. With albums like
"Autobahn" (1974) and "The Man-Machine" (1978), Kraftwerk
laid the groundwork for synth-pop, blending catchy melodies with electronic
instrumentation. Their approach influenced countless artists and bands in the
1980s and beyond.
Cet
album marque le dรฉbut du voyage de Kraftwerk dans la musique รฉlectronique, avec
un mรฉlange de rock expรฉrimental et de sons รฉlectroniques. Bien qu'il ne soit
pas aussi entiรจrement รฉlectronique que leurs ลuvres ultรฉrieures, "Kraftwerk"
a posรฉ les bases des futures explorations du groupe dans la musique
รฉlectronique. L'album comprend un mรฉlange d'instruments traditionnels et de
premiers synthรฉtiseurs, montrant les premiers pas de Kraftwerk vers leur son
รฉlectronique emblรฉmatique. Avec des albums comme "Autobahn" (1974) et
"The Man-Machine" (1978), Kraftwerk a jetรฉ les bases du synth-pop,
mรชlant mรฉlodies accrocheuses et instrumentation รฉlectronique. Leur approche a
influencรฉ d'innombrables artistes et groupes dans les annรฉes 1980 et au-delร .
โฌ SYNTH-POP
"Synth-pop" is a
genre of music that emerged in the late 1970s and became widely popular in the
1980s. Synth-pop originated from the post-punk and new wave movements in the UK
and the US. The genre heavily relied on the advent of affordable synthesizers
and drum machines. The musical characteristics are the prominent use of
synthesizers as the primary musical instrument, the Use of electronic drum
machines for rhythm sections, the catchy melodies and hooks, often with a pop
song structure and emphasis on vocal lines, often with a somewhat detached or
cool delivery. The pioneers are Kraftwerk (influential precursors), Gary Numan,
and Depeche Mode. Laid the groundwork for future electronic music genres,
including techno, house, and various forms of electro-pop.
"Synth-pop" est un genre de musique
qui a รฉmergรฉ ร la fin des annรฉes 1970 et est devenu trรจs populaire dans les
annรฉes 1980. Le synth-pop est nรฉ des mouvements post-punk et new wave au
Royaume-Uni et aux รtats-Unis. Le genre s'appuyait fortement sur l'avรจnement
des synthรฉtiseurs et des boรฎtes ร rythmes abordables. Les caractรฉristiques
musicales sont l'utilisation proรฉminente des synthรฉtiseurs comme instrument
musical principal, l'utilisation des boรฎtes ร rythmes รฉlectroniques pour les
sections rythmiques, les mรฉlodies et refrains accrocheurs, souvent avec une
structure de chanson pop, et l'accent mis sur les lignes vocales, souvent avec
une interprรฉtation quelque peu dรฉtachรฉe ou froide. Les pionniers sont Kraftwerk
(prรฉcurseurs influents), Gary Numan et Depeche Mode. Ils ont jetรฉ les bases
pour les futurs genres de musique รฉlectronique, y compris la techno, la house
et diverses formes d'รฉlectro-pop
"Electronic
Meditation" (1970)
Original lineup: Edgar
Froese + Klaus Schulze + Conrad Schnitzler
Tangerine Dream's first
electronic album is released in 1970. While this album incorporates a blend of
traditional instruments and electronic effects, it marks the beginning of
Tangerine Dream's exploration into electronic music. However, the album that
truly defines their electronic style and is often considered their breakthrough
in the electronic music genre is "Phaedra," released in 1974.
"Phaedra" features extensive use of synthesizers and sequencers,
creating the ambient and spacey soundscapes that became a hallmark of their
work and a significant influence on the development of electronic and ambient
music.
Le
premier album รฉlectronique de Tangerine Dream est sorti en 1970. Bien que cet
album intรจgre un mรฉlange d'instruments traditionnels et d'effets รฉlectroniques,
il marque le dรฉbut de l'exploration de Tangerine Dream dans la musique
รฉlectronique. Cependant, l'album qui dรฉfinit vรฉritablement leur style
รฉlectronique et qui est souvent considรฉrรฉ comme leur percรฉe dans le genre de la
musique รฉlectronique est "Phaedra", sorti en 1974.
"Phaedra" utilise largement les synthรฉtiseurs et les sรฉquenceurs, crรฉant
des paysages sonores ambiants et spatiaux qui sont devenus la marque de
fabrique de leur travail et une influence significative sur le dรฉveloppement de
la musique รฉlectronique et ambiante.
"Voices of Packaged
Souls" (1970)
In 1970, she released her
debut record, a collaboration with sculptor Harold Paris, put together using
music concrรจte techniques at radio station KPFA in Berkeley during the night
shift. The album had an initial release of 50 copies. uzanne Ciani is renowned
for her mastery of the Buchla modular synthesizer, particularly the Buchla 200
series, which she began using in the early 1970s. The Buchla synthesizer was
developed by Don Buchla and was known for its innovative design and
capabilities, distinct from the more widely recognized Moog synthesizers of the
same era. Suzanne Ciani was a commercial sound design project for the
advertising industry. In the early 1970s, Ciani established herself as a
pioneer in electronic music and sound design, utilizing her skills with the
Buchla synthesizer to create innovative and distinctive sounds for various
advertisements. Her early work in commercial sound design allowed her to
showcase the capabilities of electronic instruments in creating unique and
memorable audio experiences for brands. Additionally, Suzanne Ciani's
involvement in creating electronic music for commercial purposes helped pave
the way for her later artistic endeavors, including her influential albums in
the realm of electronic and new age music, such as "Seven Waves"
(1982). Her contributions to both commercial and artistic electronic music have
had a lasting impact on the field, highlighting her versatility and innovation
as a composer and electronic musician.
En 1970,
elle a sorti son premier enregistrement, une collaboration avec le sculpteur
Harold Paris, rรฉalisรฉe en utilisant les techniques de musique concrรจte ร la
station de radio KPFA ร Berkeley pendant le quart de nuit. L'album a eu une
premiรจre รฉdition de 50 exemplaires. Suzanne Ciani est renommรฉe pour sa maรฎtrise
du synthรฉtiseur modulaire Buchla, en particulier la sรฉrie Buchla 200, qu'elle a
commencรฉ ร utiliser au dรฉbut des annรฉes 1970. Le synthรฉtiseur Buchla, dรฉveloppรฉ
par Don Buchla, รฉtait connu pour son design innovant et ses capacitรฉs,
distinctes des synthรฉtiseurs Moog plus largement reconnus de la mรชme รฉpoque.
Suzanne Ciani s'est lancรฉe dans des projets de conception sonore commerciale
pour l'industrie publicitaire. Au dรฉbut des annรฉes 1970, Ciani s'est imposรฉe
comme une pionniรจre dans la musique รฉlectronique et la conception sonore,
utilisant ses compรฉtences avec le synthรฉtiseur Buchla pour crรฉer des sons
innovants et distinctifs pour diverses publicitรฉs. Ses premiers travaux en
conception sonore commerciale lui ont permis de mettre en valeur les capacitรฉs
des instruments รฉlectroniques pour crรฉer des expรฉriences audio uniques et
mรฉmorables pour les marques. De plus, l'implication de Suzanne Ciani dans la
crรฉation de musique รฉlectronique ร des fins commerciales a ouvert la voie ร ses
projets artistiques ultรฉrieurs, notamment ses albums influents dans le domaine
de la musique รฉlectronique et new age, comme "Seven Waves" (1982).
Ses contributions ร la musique รฉlectronique, tant commerciale qu'artistique,
ont eu un impact durable sur le domaine, mettant en lumiรจre sa polyvalence et
son innovation en tant que compositrice et musicienne รฉlectronique.
"Who's
Next" (1971)
Original
lineup: Roger Daltrey + Pete Townshend + John Entwistle + Keith Moon
The Who's first electronic
production is often attributed to the song "Baba O'Riley," which was
released in 1971 on their album "Who's Next." The track features a prominent use of a synthesizer,
specifically a Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1 organ, programmed by Pete
Townshend to create a repetitive, sequenced pattern that became one of the
song's most recognizable features. "Baba O'Riley" showcases early use
of electronic music elements in rock, blending the synthesizer with traditional
rock instrumentation. The use of the synthesizer in this track was innovative
for its time and marked a significant point in the incorporation of electronic
sounds in mainstream rock music. Pete Townshend was heavily influenced by the
works of minimalist composers such as Terry Riley. He envisioned creating a
rock opera called "Lifehouse," which would incorporate synthesizers
and a complex narrative structure. Although "Lifehouse" was never
fully realized, many of its concepts and songs were integrated into "Who's
Next." The use of synthesizers in these tracks marked a significant shift
in rock music, demonstrating the potential of electronic instruments to create
new sounds and textures. This innovation paved the way for future experimentation
within the genre and influenced numerous artists and bands in the development
of electronic and progressive rock music.
La
premiรจre production รฉlectronique de The Who est souvent attribuรฉe ร la chanson
"Baba O'Riley", sortie en 1971 sur leur album "Who's Next".
Ce morceau se distingue par l'utilisation marquรฉe d'un synthรฉtiseur, plus
prรฉcisรฉment d'un orgue Lowrey Berkshire Deluxe TBO-1, programmรฉ par Pete
Townshend pour crรฉer un motif sรฉquencรฉ et rรฉpรฉtitif qui est devenu l'une des
caractรฉristiques les plus reconnaissables de la chanson. "Baba
O'Riley" met en avant l'utilisation prรฉcoce d'รฉlรฉments de musique
รฉlectronique dans le rock, en mรฉlangeant le synthรฉtiseur avec les instruments
de rock traditionnels. L'utilisation du synthรฉtiseur dans ce morceau รฉtait
innovante pour l'รฉpoque et a marquรฉ un point significatif dans l'incorporation
des sons รฉlectroniques dans la musique rock grand public. Pete Townshend รฉtait
fortement influencรฉ par les ลuvres de compositeurs minimalistes tels que Terry
Riley. Il envisageait de crรฉer un opรฉra-rock intitulรฉ "Lifehouse",
qui intรฉgrerait des synthรฉtiseurs et une structure narrative complexe. Bien que
"Lifehouse" n'ait jamais รฉtรฉ entiรจrement rรฉalisรฉ, de nombreux
concepts et chansons ont รฉtรฉ intรฉgrรฉs dans "Who's Next".
L'utilisation des synthรฉtiseurs dans ces morceaux a marquรฉ un changement
significatif dans la musique rock, dรฉmontrant le potentiel des instruments
รฉlectroniques pour crรฉer de nouveaux sons et textures. Cette innovation a
ouvert la voie ร de futures expรฉrimentations dans le genre et a influencรฉ de
nombreux artistes et groupes dans le dรฉveloppement de la musique รฉlectronique
et du rock progressif.
"Fais
Que Ton Rรชve Soit Plus Long Que la Nuit" (1972)
Vangelis' first
electronic album is generally considered to be "Fais Que Ton Rรชve Soit
Plus Long Que la Nuit," released in 1972. However, it was with the album
"Earth" in 1973 that Vangelis began to develop the electronic style
he would become famous for. His 1975 album "Heaven and Hell" is often
recognized as his first major electronic work that showcased his signature
style of blending orchestral elements with synthesizers and electronic sounds.
This album marked a significant point in his career and contributed to his
reputation as a pioneer in electronic music.
Le premier album รฉlectronique de Vangelis est
gรฉnรฉralement considรฉrรฉ comme รฉtant "Fais Que Ton Rรชve Soit Plus Long Que
la Nuit", sorti en 1972. Cependant, c'est avec l'album "Earth"
en 1973 que Vangelis a commencรฉ ร dรฉvelopper le style รฉlectronique pour lequel
il deviendrait cรฉlรจbre. Son album de 1975, "Heaven and Hell", est
souvent reconnu comme son premier grand travail รฉlectronique qui a mis en avant
sa signature mรฉlangeant des รฉlรฉments orchestraux avec des synthรฉtiseurs et des
sons รฉlectroniques. Cet album a marquรฉ un tournant significatif dans sa
carriรจre et a contribuรฉ ร sa rรฉputation de pionnier de la musique รฉlectronique.
โ THE RESIDENTS (USA)
"Vileness Fats" (1972-1973)
The first electronic production by The Residents is generally considered to be their debut album, Meet The Residents, released in 1974. This album marked the beginning of their exploration into electronic music, utilizing synthesizers and tape manipulation to create their distinct avant-garde sound. The album features a mix of electronic and traditional instruments, which was quite innovative for the time. However, even before Meet The Residents, The Residents had been experimenting with electronic sounds in their earlier, unreleased recordings from the late 1960s and early 1970s. These early experiments laid the groundwork for the complex and experimental electronic music that would come to define much of their work. One notable early track, "Vileness Fats," recorded around 1972-1973, showcases their use of synthesizers and electronic effects, making it one of their first forays into electronic music.
La premiรจre production รฉlectronique des Residents est gรฉnรฉralement considรฉrรฉe comme รฉtant leur premier album, Meet The Residents, sorti en 1974. Cet album a marquรฉ le dรฉbut de leur exploration de la musique รฉlectronique, utilisant des synthรฉtiseurs et la manipulation de bandes pour crรฉer leur son distinctif avant-gardiste. L'album prรฉsente un mรฉlange d'instruments รฉlectroniques et traditionnels, ce qui รฉtait assez innovant pour l'รฉpoque. Cependant, mรชme avant Meet The Residents, les Residents avaient dรฉjร expรฉrimentรฉ des sons รฉlectroniques dans leurs enregistrements antรฉrieurs, non publiรฉs, datant de la fin des annรฉes 1960 et du dรฉbut des annรฉes 1970. Ces premiรจres expรฉrimentations ont jetรฉ les bases de la musique รฉlectronique complexe et expรฉrimentale qui allait dรฉfinir une grande partie de leur ลuvre. Un morceau notable de cette pรฉriode, "Vileness Fats", enregistrรฉ vers 1972-1973, met en avant leur utilisation des synthรฉtiseurs et des effets รฉlectroniques, en faisant l'une de leurs premiรจres incursions dans la musique รฉlectronique.
"Here Come the Warm
Jetsโ (1974)
Brian Eno's first electronic
album is often considered to be released in 1974. Although it contains elements
of rock and glam, it is significant for its innovative use of electronic
effects and production techniques. However, his first purely electronic ambient
work, which more closely aligns with the genre he is most known for, is
"Discreet Music," released in 1975. This album is a seminal piece in
the development of ambient music, marking Eno's shift towards creating
atmospheric and minimalistic soundscapes.
Le
premier album รฉlectronique de Brian Eno est souvent considรฉrรฉ comme ayant รฉtรฉ
publiรฉ en 1974. Bien qu'il contienne des รฉlรฉments de rock et de glam, il est
notable pour son utilisation innovante d'effets รฉlectroniques et de techniques
de production. Cependant, son premier travail ambient purement รฉlectronique,
qui correspond plus รฉtroitement au genre pour lequel il est le plus connu, est
"Discreet Music", sorti en 1975. Cet album est une piรจce fondatrice
dans le dรฉveloppement de la musique ambient, marquant le virage d'Eno vers la
crรฉation de paysages sonores atmosphรฉriques et minimalistes.
โฌ AMBIENT
Focused on creating
atmospheric soundscapes rather than traditional song structures, often
utilizing synthesizers and tape loops to create immersive environments.
"Ambient" refers to a genre of music that emphasizes atmosphere and
tone over traditional musical structure or rhythm. The roots of ambient music
can be traced back to the early 20th century, with the work of composers like
Erik Satie and his "furniture music" concept. The genre was more
formally established in the 1970s by artists like Brian Eno, who is often
credited with coining the term "ambient music. Ambient music creates
immersive soundscapes designed to evoke particular moods or atmospheres. Often
features minimal musical elements, such as slow-moving harmonies and sparse,
repetitive patterns. Heavy use of synthesizers, electronic instruments, and
effects to create ethereal and evolving textures. The other key figures are
Aphex Twin, The Orb, Boards of Canada, and Harold Budd.
Axรฉ sur
la crรฉation de paysages sonores atmosphรฉriques plutรดt que sur des structures de
chansons traditionnelles, utilisant souvent des synthรฉtiseurs et des boucles de
bande pour crรฉer des environnements immersifs. "Ambient" se rรฉfรจre ร
un genre de musique qui met l'accent sur l'atmosphรจre et la tonalitรฉ plutรดt que
sur la structure musicale traditionnelle ou le rythme. Les racines de la
musique ambient remontent au dรฉbut du 20e siรจcle, avec le travail de
compositeurs comme Erik Satie et son concept de "musique
d'ameublement". Le genre a รฉtรฉ plus formellement รฉtabli dans les annรฉes
1970 par des artistes comme Brian Eno, qui est souvent crรฉditรฉ d'avoir inventรฉ
le terme "musique ambient". La musique ambient crรฉe des paysages
sonores immersifs conรงus pour รฉvoquer des humeurs ou des atmosphรจres
particuliรจres. Elle prรฉsente souvent des รฉlรฉments musicaux minimalistes, tels
que des harmonies รฉvoluant lentement et des motifs rรฉpรฉtitifs et รฉpurรฉs.
Utilisation intensive de synthรฉtiseurs, d'instruments รฉlectroniques et d'effets
pour crรฉer des textures รฉthรฉrรฉes et รฉvolutives. Les autres figures clรฉs sont
Aphex Twin, The Orb, Boards of Canada et Harold Budd.
"Strumming Music"
(1974)
Charlemagne Palestine is an
American composer, performer, and visual artist known for his avant-garde and
experimental works, particularly in the realm of minimalist and drone music.
This album "Strumming Music" is known for its innovative use of
electronic keyboards and minimalist compositions, marking Palestine's
exploration into drone and repetitive music forms. It's considered a
significant work in the realm of minimalist and experimental electronic music.
Charlemagne
Palestine est un compositeur, interprรจte et artiste visuel amรฉricain connu pour
ses ลuvres avant-gardistes et expรฉrimentales, particuliรจrement dans le domaine
de la musique minimaliste et drone. Cet album "Strumming Music" est
reconnu pour son utilisation innovante de claviers รฉlectroniques et ses
compositions minimalistes, marquant l'exploration de Palestine dans les formes
musicales drone et rรฉpรฉtitives. Il est considรฉrรฉ comme une ลuvre significative
dans le domaine de la musique รฉlectronique minimaliste et expรฉrimentale.
"Dub from the
Roots" (1974)
King Tubby, a pioneer in the
development of dub music, utilized innovative electronic techniques and studio
effects to create this groundbreaking work. The album showcases Tubby's
signature style, characterized by heavy use of reverb, echo, and other
electronic modifications, which played a crucial role in the evolution of
electronic music.
King
Tubby, un pionnier dans le dรฉveloppement de la musique dub, a utilisรฉ des
techniques รฉlectroniques innovantes et des effets studio pour crรฉer cette ลuvre
rรฉvolutionnaire. L'album met en valeur le style caractรฉristique de Tubby,
marquรฉ par une utilisation intensive de rรฉverbรฉration, d'รฉcho et d'autres
modifications รฉlectroniques, qui ont jouรฉ un rรดle crucial dans l'รฉvolution de
la musique รฉlectronique.
โฌ DUB
"Dub"
is a genre of music that originated in Jamaica in the late 1960s. Its origins
are rooted in Jamaican music, remixing existing reggae tracks to emphasize
instrumental and rhythmic elements. Musical characteristics involve remixing
and manipulating existing reggae recordings, often removing vocals to focus on
instrumental tracks; heavy use of effects such as reverb, echo, and phasing,
creating a spacious and atmospheric sound; prominent basslines, drum patterns,
and melodic elements from the original reggae recordings. The pioneers include
King Tubby, Lee "Scratch" Perry, and Augustus Pablo. Dub has
influenced genres beyond reggae, including electronic music and hip-hop. It has
spawned subgenres such as dubstep and dub techno, which further explore its
rhythmic and production techniques.
"Dub" est un genre de musique qui a vu le
jour en Jamaรฏque ร la fin des annรฉes 1960. Les origines sont enracinรฉes dans la
musique jamaรฏcaine, en remixant des pistes de reggae existantes pour mettre en
avant les รฉlรฉments instrumentaux et rythmiques. Les caractรฉristiques musicales
impliquent le remixage et la manipulation d'enregistrements de reggae
existants, souvent en supprimant les voix pour se concentrer sur les pistes
instrumentales ; lโutilisation intensive d'effets tels que la rรฉverbรฉration,
l'รฉcho et la phase, crรฉant un son spacieux et atmosphรฉrique ; la prรฉsence de
lignes de basse marquantes, de motifs de batterie et d'รฉlรฉments mรฉlodiques
issus des enregistrements originaux de reggae. Les pionniers sont King Tubby,
Lee "Scratch" Perry et Augustus Pablo. Le dub a influencรฉ des genres
au-delร du reggae, y compris la musique รฉlectronique et le hip-hop. Il a
engendrรฉ des sous-genres comme le dubstep et le dub techno, qui explorent
davantage ses techniques rythmiques et de production.
"Snowflakes Are
Dancing" (1974)
This album is a
groundbreaking work in electronic music, featuring Tomita's synthesizer
arrangements of Claude Debussy's compositions. Tomita used the Moog synthesizer
to reinterpret Debussy's impressionistic pieces, creating a lush and ethereal
sound that captivated listeners and showcased the expressive potential of
electronic instruments. "Snowflakes Are Dancing" received critical
acclaim and commercial success, establishing Isao Tomita as a pioneer in
electronic music and paving the way for his subsequent influential works in the
genre.
Cet
album est une ลuvre rรฉvolutionnaire dans la musique รฉlectronique, prรฉsentant
les arrangements de synthรฉtiseur de Tomita des compositions de Claude Debussy.
Tomita a utilisรฉ le synthรฉtiseur Moog pour rรฉinterprรฉter les piรจces
impressionnistes de Debussy, crรฉant un son luxuriant et รฉthรฉrรฉ qui a captivรฉ
les auditeurs et a dรฉmontrรฉ le potentiel expressif des instruments รฉlectroniques.
"Snowflakes Are Dancing" a reรงu un succรจs critique et commercial,
รฉtablissant Isao Tomita comme un pionnier dans la musique รฉlectronique et
ouvrant la voie ร ses ลuvres ultรฉrieures influentes dans le genre.
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"Einzelgรคnger,"
(1975) under the pseudonym "Einzelgรคnger"
This album marks Moroder's
early experimentation with electronic sounds and synthesizers, predating his
more well-known work in disco and electronic music. "Einzelgรคnger" showcases
his innovative approach to electronic music, blending it with traditional pop
and rock elements, and set the stage for his later influential work in the
genre. A pioneer of electronic disco, his work with Donna Summer, especially
the track "I Feel Love" (1977), revolutionized dance music.
Cet
album marque les premiรจres expรฉrimentations de Moroder avec les sons
รฉlectroniques et les synthรฉtiseurs, prรฉcรฉdant ses ลuvres plus connues dans le
disco et la musique รฉlectronique. "Einzelgรคnger" met en valeur son
approche innovante de la musique รฉlectronique, la mรชlant ร des รฉlรฉments
traditionnels de la pop et du rock, et prรฉpare le terrain pour ses ลuvres
ultรฉrieures influentes dans le genre. Pionnier du disco รฉlectronique, son
travail avec Donna Summer, notamment le titre "I Feel Love" (1977), a
rรฉvolutionnรฉ la musique de danse.
โฌ DISCO
Disco music originated in
the United States, drawing from funk, soul, and Latin music. It was influenced
by the upbeat rhythms of Motown, the groove of funk, and the lush arrangements
of Philadelphia soul. Dance-oriented music with a steady four-on-the-floor
beat, prominent basslines, and lush orchestration. Giorgio Moroder's work in
particular integrated synthesizers into disco. Pioneers: Donna Summer, Bee
Gees, Gloria Gaynor, Chic, and KC and the Sunshine Band. Producers: Giorgio
Moroder (known for his work with Donna Summer), Nile Rodgers and Bernard
Edwards (of Chic).
La
musique disco est nรฉe aux รtats-Unis, s'inspirant du funk, de la soul et de la
musique latine. Elle a รฉtรฉ influencรฉe par les rythmes entraรฎnants de Motown, le
groove du funk et les arrangements luxuriants de la soul de Philadelphie.
Musique orientรฉe vers la danse avec un battement rรฉgulier en quatre temps, des
lignes de basse proรฉminentes et une orchestration riche. Le travail de Giorgio
Moroder a particuliรจrement intรฉgrรฉ les synthรฉtiseurs dans le disco. Pionniers :
Donna Summer, Bee Gees, Gloria Gaynor, Chic et KC and the Sunshine Band. Producteurs : Giorgio Moroder (connu pour son
travail avec Donna Summer), Nile Rodgers et Bernard Edwards (de Chic).
"Symphonie
pour le jour oรน brรปleront les citรฉs" (1976)
Original lineup: Gรฉrard
Hourbette + Jean-Pierre Soarez +Thierry Zaboรฏtzeff
This album marked their
entry into the realm of electronic music, blending experimental rock with
avant-garde and classical influences. Art Zoyd's early work emphasized the use
of synthesizers, tape manipulation, and unconventional instrumentation to
create atmospheric and often dystopian soundscapes. "Symphonie pour le
jour oรน brรปleront les citรฉs" exemplifies Art Zoyd's innovative approach to
composition, incorporating electronic elements alongside traditional
instruments to evoke themes of urban decay and societal unrest. The album set
the stage for their subsequent exploration of electronic and experimental
music, establishing them as pioneers in the genre. Art Zoyd's early electronic
productions laid the foundation for their distinct style, characterized by
complex compositions, dramatic shifts in mood and texture, and a commitment to
pushing the boundaries of contemporary music. Their influence continues to
resonate within the avant-garde and electronic music scenes, inspiring artists
with their visionary approach to sound and composition.
Cet
album a marquรฉ leur entrรฉe dans le domaine de la musique รฉlectronique, mรชlant
rock expรฉrimental ร des influences avant-gardistes et classiques. Les premiers
travaux d'Art Zoyd mettaient l'accent sur l'utilisation de synthรฉtiseurs, de
manipulation de bandes et d'instruments non conventionnels pour crรฉer des
paysages sonores atmosphรฉriques et souvent dystopiques. "Symphonie pour le
jour oรน brรปleront les citรฉs" illustre l'approche innovante de composition
d'Art Zoyd, intรฉgrant des รฉlรฉments รฉlectroniques aux cรดtรฉs d'instruments
traditionnels pour รฉvoquer des thรจmes de dรฉcadence urbaine et d'agitation
sociale. L'album a prรฉparรฉ le terrain pour leur exploration ultรฉrieure de la
musique รฉlectronique et expรฉrimentale, les รฉtablissant comme des pionniers dans
le genre. Les premiรจres productions รฉlectroniques d'Art Zoyd ont posรฉ les bases
de leur style distinct, caractรฉrisรฉ par des compositions complexes, des
changements dramatiques de mood et de texture, et un engagement ร repousser les
limites de la musique contemporaine. Leur influence rรฉsonne toujours dans les
milieux de la musique avant-gardiste et รฉlectronique, inspirant les artistes
par leur approche visionnaire du son et de la composition.
โ THROBBING GRISTLE (UK)
"The Second Annual Report" (1977)
Original lineup: Genesis P-Orridge + Cosey Fanni Tutti +
Peter "Sleazy" Christopherson + Chris Carter
Throbbing Gristle was a pioneering group in the industrial
music genre, known for their experimental and confrontational approach to music
and performance art. "The Second Annual Report" features a blend of
electronic instrumentation, tape loops, and unconventional sound manipulation
techniques, marking a significant departure from traditional rock music. The
album is characterized by its dark, abrasive soundscapes and themes that
challenge societal norms, establishing Throbbing Gristle as a seminal influence
on electronic and industrial music.
Throbbing
Gristle รฉtait un groupe pionnier dans le genre de la musique industrielle,
connu pour leur approche expรฉrimentale et provocatrice de la musique et de
l'art performance. "The Second Annual Report" prรฉsente un mรฉlange
d'instruments รฉlectroniques, de boucles de bandes et de techniques non
conventionnelles de manipulation sonore, marquant un dรฉpart significatif de la
musique rock traditionnelle. L'album se caractรฉrise par ses paysages sonores
sombres et abrasifs ainsi que par des thรจmes qui remettent en question les
normes sociรฉtales, รฉtablissant Throbbing Gristle comme une influence majeure
sur la musique รฉlectronique et industrielle.
โฌ INDUSTRIAL
"Industrial" is a
genre of music that combines elements of electronic music with noisy and
experimental sounds, often with dark and provocative themes. The genre emerged
in the late 1970s and early 1980s. Influenced by genres such as punk rock,
experimental electronic music, and krautrock. Musical characteristics:
Mechanical sounds (use of industrial sounds such as hammers, machines, metallic
noises, and samples of ambient noises); Synthesizers and samplers (extensive
use of synthesizers, samplers, and drum machines); Percussive rhythms (heavy
and repetitive rhythms, sometimes danceable but often abrasive); Vocalization
(voices can be distorted, screamed, or spoken, often with provocative or
dystopian lyrics). The pioneers are Throbbing Gristle, considered one of the
founders of the genre, and Cabaret Voltaire. Although it never became
mainstream, industrial has had a significant influence on other music genres
and popular culture. Industrial has influenced various other music genres,
including EBM (Electronic Body Music), industrial metal, and
electro-industrial. Industrial remains a vital and evolving musical genre,
celebrated for its bold and experimental approach to sound creation and its
lasting impact on music and culture.
"Industrial"
est un genre de musique qui combine des รฉlรฉments de musique รฉlectronique avec
des sonoritรฉs bruyantes et expรฉrimentales, souvent avec des thรจmes sombres et
provocateurs. Le genre a รฉmergรฉ ร la fin des annรฉes 1970 et au dรฉbut des annรฉes
1980. Influencรฉ par des genres comme le punk rock, la musique รฉlectronique
expรฉrimentale et le krautrock. Caractรฉristiques musicales : Sonoritรฉs
mรฉcaniques (Utilisation de sons industriels tels que des marteaux, des
machines, des bruits mรฉtalliques et des รฉchantillons de bruits ambiants) ;
Synthรฉtiseurs et samplers (Utilisation
intensive de synthรฉtiseurs, de samplers et de boรฎtes ร rythmes) ; Rythmes
percussifs (Rythmes lourds et rรฉpรฉtitifs, parfois dansants, mais souvent
abrasifs) ; Vocalisation (Les voix
peuvent รชtre distordues, criรฉes ou parlรฉes, avec des paroles souvent
provocantes ou dystopiques). Les Pionniers sont Throbbing Gristle, considรฉrรฉ
comme l'un des fondateurs du genre, et Cabaret Voltaire. Bien que n'รฉtant
jamais devenu grand public, l'industriel a eu une influence significative sur
d'autres genres de musique et sur la culture populaire. L'industriel a
influencรฉ divers autres genres de musique, y compris l'EBM (Electronic Body
Music), le metal industriel et l'electro-industrial. L'industriel reste un
genre musical vital et รฉvolutif, cรฉlรฉbrรฉ pour son approche audacieuse et
expรฉrimentale de la crรฉation sonore et son impact durable sur la musique et la
culture.
"Suicide"
(1977)
Original
lineup: Alan Vega + Martin Rev
The album is renowned for
its raw, minimalist approach, featuring Martin Rev's primitive, repetitive
synthesizer and drum machine patterns combined with Alan Vega's confrontational
vocals. This debut is considered a groundbreaking work in the electronic music
genre, blending elements of punk rock with electronic instrumentation, and is
often cited as one of the earliest examples of synth-punk and proto-industrial
music. The tracks "Ghost Rider" and "Frankie Teardrop" are
particularly notable for their stark, relentless sound and have influenced a
wide range of artists across different genres. The duo of combined punk energy
with primitive electronic sounds.
L'album
est renommรฉ pour son approche brute et minimaliste, mettant en avant les motifs
primitifs et rรฉpรฉtitifs de synthรฉtiseur et de boรฎte ร rythmes de Martin Rev
associรฉs aux vocaux confrontationnels d'Alan Vega. Ce premier opus est
considรฉrรฉ comme une ลuvre novatrice dans le genre de la musique รฉlectronique,
mรชlant des รฉlรฉments de punk rock ร une instrumentation รฉlectronique, et est
souvent citรฉ comme l'un des premiers exemples de synth-punk et de musique
proto-industrielle. Les morceaux "Ghost Rider" et "Frankie
Teardrop" sont particuliรจrement remarquables pour leur sonoritรฉ franche et
implacable, et ont influencรฉ un large รฉventail d'artistes ร travers diffรฉrents
genres. Le duo a combinรฉ l'รฉnergie punk avec des sons รฉlectroniques primitifs.
Original lineup: Clive Campbell
Known as the "Father of
Hip-Hop," DJ Kool Herc is credited with originating the breakbeat DJing
technique, where he isolated and extended the instrumental breaks of funk and
soul records. His block parties in the Bronx laid the groundwork for hip-hop
culture. His first major party at 1520 Sedgwick Avenue on August 11, 1973, is
often cited as the birthplace of hip-hop.
Connu sous le nom de
"Pรจre du Hip-Hop", DJ Kool Herc est crรฉditรฉ d'avoir inventรฉ la
technique de DJing breakbeat, oรน il isolait et prolongeait les breaks
instrumentaux des disques de funk et de soul. Ses block parties dans le Bronx
ont jetรฉ les bases de la culture hip-hop. Sa premiรจre grande fรชte au 1520
Sedgwick Avenue le 11 aoรปt 1973 est souvent citรฉe comme le lieu de naissance du
hip-hop.
โฌ HIP HOP
The 1970s laid the
foundation for hip-hop, which evolved from a local street culture in the Bronx
to a global movement. The pioneers of this era introduced and refined the core
elements of DJing, MCing, breakdancing, and graffiti, shaping a dynamic and
influential genre that continues to thrive today. Hip hop emerged primarily in
the South Bronx, New York City, as part of a cultural movement encompassing
music, dance, art, and fashion. Rooted in African American and Afro-Caribbean
musical traditions, with influences from funk, soul, disco, and reggae. Musical
Characteristics are Rap: Central to hip hop is "rapping" (or MCing),
which involves rhythmic and rhyming speech delivered in a syncopated manner
over beats; DJing: DJs play a crucial role, using turntables and mixers to
create rhythmic beats and scratching sounds; Sampling: Heavy use of sampling,
where snippets of music and sound recordings are manipulated and incorporated
into new compositions; Beatboxing: Vocal percussion, imitating drum machines and
other instruments, is also a key element. Hip hop has become one of the most
commercially successful genres globally, influencing fashion, language, and
youth culture worldwide.
Les
annรฉes 1970 ont jetรฉ les bases du hip-hop, qui a รฉvoluรฉ d'une culture de rue
locale dans le Bronx ร un mouvement mondial. Les pionniers de cette รฉpoque ont
introduit et affinรฉ les รฉlรฉments essentiels du DJing, du MCing, du breakdance
et du graffiti, faรงonnant un genre dynamique et influent qui continue de
prospรฉrer aujourd'hui. Le hip-hop a รฉmergรฉ principalement dans le South Bronx,
ร New York City, faisant partie d'un mouvement culturel englobant la musique,
la danse, l'art et la mode. Enracinรฉ dans les traditions musicales
afro-amรฉricaines et afro-caribรฉennes, avec des influences du funk, de la soul,
du disco et du reggae. Les caractรฉristiques musicales incluent le Rap : Au cลur
du hip-hop se trouve le "rapping" (ou MCing), qui consiste en une
parole rythmรฉe et rimรฉe dรฉlivrรฉe de maniรจre syncopรฉe sur des beats ; le DJing :
Les DJs jouent un rรดle crucial, utilisant des platines et des mixeurs pour
crรฉer des beats rythmiques et des sons de scratch ; le Sampling : Utilisation
intensive d'รฉchantillonnages, oรน des fragments de musique et d'enregistrements
sonores sont manipulรฉs et intรฉgrรฉs dans de nouvelles compositions ; le
Beatboxing : Percussion vocale, imitant des boรฎtes ร rythmes et d'autres
instruments, constitue รฉgalement un รฉlรฉment clรฉ. Le hip-hop est devenu l'un des
genres les plus commercialement rรฉussis ร l'รฉchelle mondiale, influenรงant la
mode, le langage et la culture jeunesse ร travers le monde.
"Warm Leatherette" (1978)
The Normal is the solo
project of Daniel Miller, an influential figure in electronic music. "Warm Leatherette" is the most notable and only single released
by The Normal. The song is considered a pioneering work in electronic music,
featuring minimalist and repetitive synth lines. The trackโs lyrics were
inspired by J.G. Ballardโs novel "Crash," reflecting themes of
technology and dystopia. "Warm Leatherette" is often cited as a
precursor to Electronic Body Music (EBM) and synthpop due to its raw,
electronic sound and mechanical rhythm. The track's stark and minimalist
production influenced many future artists in these genres. After the release of
"Warm Leatherette," Daniel Miller focused on running Mute Records,
which became one of the most influential labels in electronic and alternative
music. Mute Records signed and supported numerous key acts in the electronic
music scene, including Depeche Mode, Yazoo, and Erasure.
The Normal est le projet
solo de Daniel Miller, une figure influente dans la musique รฉlectronique.
"Warm Leatherette" est le single le plus notable et le seul sorti par
The Normal. La chanson est considรฉrรฉe comme une ลuvre pionniรจre dans la musique
รฉlectronique, avec des lignes de synthรฉ minimalistes et rรฉpรฉtitives. Les
paroles du morceau ont รฉtรฉ inspirรฉes par le roman "Crash" de J.G.
Ballard, reflรฉtant des thรจmes de technologie et de dystopie. "Warm
Leatherette" est souvent citรฉ comme un prรฉcurseur de l'Electronic Body
Music (EBM) et de la synthpop en raison de son son brut, รฉlectronique et de son
rythme mรฉcanique. La production austรจre et minimaliste du morceau a influencรฉ
de nombreux artistes futurs dans ces genres. Aprรจs la sortie de "Warm
Leatherette", Daniel Miller s'est concentrรฉ sur la gestion de Mute
Records, qui est devenu l'un des labels les plus influents dans la musique
รฉlectronique et alternative. Mute Records a signรฉ et soutenu de nombreux
artistes clรฉs de la scรจne musicale รฉlectronique, y compris Depeche Mode, Yazoo
et Erasure.
โฌ ELECTRONIC BODY MUSIC (EBM)
EBMโs roots can be traced
back to the late 1970s with the advent of electronic music and the early use of
synthesizers in pop and rock music. Bands like Kraftwerk, with their mechanical
rhythms and synthesizer melodies, heavily influenced the development of
electronic genres. One of the seminal tracks often cited as a precursor to EBM
is "Warm Leatherette" by The Normal (1978). This song, created by
Daniel Miller, features a stark, repetitive electronic sound that laid the
groundwork for future EBM aesthetics. D.A.F. (Deutsch Amerikanische
Freundschaft), a German band, is often credited with defining the EBM genre.
Their album Alles ist gut (1981), featuring tracks like "Der
Mussolini," showcased a combination of driving, mechanical beats and
minimalistic, aggressive electronic instrumentation. Front 242, Belgian band, further
solidified the EBM sound with their early releases. Their 1981 track "Body
to Body" and subsequent albums like Geography (1982) and No Comment (1984)
were pivotal in shaping the genre. Front 242 coined the term "Electronic
Body Music" to describe their music, emphasizing the physical, danceable
aspect of their sound. EBM is characterized by its repetitive, danceable beats,
often created using drum machines. The beats are typically straightforward and
driving, designed to get people moving on the dance floor. Heavy use of
synthesizers and sequencers is a hallmark of EBM. The sounds are often aggressive,
mechanical, and minimalist, creating a futuristic and industrial atmosphere. Vocals
in EBM are usually delivered in a commanding, often aggressive manner, with
lyrics that can be political, social, or personal in nature. The aesthetic of
EBM is often stark and industrial, both in terms of music production and visual
presentation, including fashion and stage design. EBM has left a lasting impact
on the broader electronic music landscape. Its influence can be seen in various
electronic and industrial subgenres, and it continues to inspire new generations
of musicians and fans. The genreโs emphasis on rhythm and physicality has made
it a persistent and dynamic force in the world of electronic music.
Les racines de l'EBM
remontent ร la fin des annรฉes 1970 avec l'avรจnement de la musique รฉlectronique
et les premiรจres utilisations des synthรฉtiseurs dans la musique pop et rock.
Des groupes comme Kraftwerk, avec leurs rythmes mรฉcaniques et leurs mรฉlodies de
synthรฉtiseur, ont fortement influencรฉ le dรฉveloppement des genres
รฉlectroniques. L'un des morceaux emblรฉmatiques souvent citรฉ comme un prรฉcurseur
de l'EBM est "Warm Leatherette" de The Normal (1978). Cette chanson,
crรฉรฉe par Daniel Miller, prรฉsente un son รฉlectronique austรจre et rรฉpรฉtitif qui
a posรฉ les bases de l'esthรฉtique future de l'EBM. D.A.F. (Deutsch Amerikanische
Freundschaft), un groupe allemand, est souvent crรฉditรฉ de la dรฉfinition du
genre EBM. Leur album Alles ist gut (1981), avec des morceaux comme
"Der Mussolini", mettait en avant une combinaison de rythmes
mรฉcaniques entraรฎnants et une instrumentation รฉlectronique minimaliste et
agressive. Front 242, un groupe belge, a encore renforcรฉ le son de l'EBM avec
leurs premiรจres sorties. Leur morceau de 1981 "Body to Body" et leurs
albums suivants comme Geography (1982) et No Comment (1984) ont
รฉtรฉ dรฉterminants dans la formation du genre. Front 242 a inventรฉ le terme
"Electronic Body Music" pour dรฉcrire leur musique, mettant l'accent
sur l'aspect physique et dansant de leur son. L'EBM se caractรฉrise par ses
rythmes rรฉpรฉtitifs et dansants, souvent crรฉรฉs ร l'aide de boรฎtes ร rythmes. Les
rythmes sont gรฉnรฉralement directs et entraรฎnants, conรงus pour faire bouger les
gens sur la piste de danse. L'utilisation intensive des synthรฉtiseurs et des
sรฉquenceurs est une marque de fabrique de l'EBM. Les sons sont souvent
agressifs, mรฉcaniques et minimalistes, crรฉant une atmosphรจre futuriste et
industrielle. Les voix dans l'EBM sont gรฉnรฉralement dรฉlivrรฉes de maniรจre
impรฉrieuse, souvent agressive, avec des paroles qui peuvent รชtre politiques,
sociales ou personnelles. L'esthรฉtique de l'EBM est souvent austรจre et
industrielle, tant en termes de production musicale que de prรฉsentation
visuelle, y compris la mode et la mise en scรจne. L'EBM a laissรฉ un impact
durable sur le paysage musical รฉlectronique au sens large. Son influence peut
รชtre vue dans divers sous-genres รฉlectroniques et industriels, et il continue
d'inspirer de nouvelles gรฉnรฉrations de musiciens et de fans. L'accent mis par
le genre sur le rythme et la physicalitรฉ en a fait une force persistante et
dynamique dans le monde de la musique รฉlectronique
"Yellow Magic
Orchestra" (1978)
Original Lineup: Haruomi
Hosono + Yukihiro Takahashi + Ryuichi Sakamoto
YMO is a pioneering Japanese
electronic music band. "Yellow Magic Orchestra" is regarded as a
groundbreaking work in electronic music, fusing synthesizers, drum machines,
and electronic effects with elements of pop, rock, and traditional Japanese
music. The album features innovative tracks like "Firecracker" and
"Tong Poo," which blend catchy melodies with futuristic electronic
sounds. YMO's debut album not only introduced a new sound to the music world
but also influenced the development of electronic and synth-pop genres
globally. Their use of cutting-edge technology and cultural references set them
apart and established them as pioneers in electronic music from Japan.
YMO est
un groupe japonais de musique รฉlectronique pionnier. "Yellow Magic
Orchestra" est considรฉrรฉ comme une ลuvre rรฉvolutionnaire dans le domaine
de la musique รฉlectronique, fusionnant synthรฉtiseurs, boรฎtes ร rythmes et
effets รฉlectroniques avec des รฉlรฉments de pop, de rock et de musique
traditionnelle japonaise. L'album comprend des morceaux innovants tels que
"Firecracker" et "Tong Poo", qui marient des mรฉlodies
accrocheuses ร des sonoritรฉs รฉlectroniques futuristes. Le premier album de YMO
a non seulement introduit un nouveau son dans le monde musical, mais a
รฉgalement influencรฉ le dรฉveloppement des genres รฉlectronique et synth-pop ร
l'รฉchelle mondiale. Leur utilisation de technologies de pointe et de rรฉfรฉrences
culturelles les a dรฉmarquรฉs et les a รฉtablis comme des pionniers de la musique
รฉlectronique venant du Japon.
"Being Boiled" (1978)
Original lineup: Martyn
Ware, Ian Craig Marsh, and Philip Oakey
The Human League is an
English synthpop band formed in Sheffield in 1977. They are considered pioneers
in the genre of electronic music and have significantly influenced the sound
and development of synthpop and new wave. "Being Boiled" track is
notable for its minimalist electronic sound and stark, repetitive synth lines,
which were innovative for the time and set the stage for the development of
synthpop. The song's production was basic but effective, featuring a drum
machine, synthesizers, and Oakey's distinctive vocals. This track is often
cited as one of the earliest examples of purely electronic pop music and played
a significant role in establishing The Human League's pioneering use of
synthesizers and electronic production techniques has cemented their place as
one of the most influential bands in the history of electronic music.
The Human League est un
groupe de synthpop anglais formรฉ ร Sheffield en 1977. Ils sont considรฉrรฉs comme
des pionniers dans le genre de la musique รฉlectronique et ont significativement
influencรฉ le son et le dรฉveloppement de la synthpop et de la new wave. Le
morceau "Being Boiled" est remarquable pour son son รฉlectronique
minimaliste et ses lignes de synthรฉ nettes et rรฉpรฉtitives, qui รฉtaient
innovantes pour l'รฉpoque et ont prรฉparรฉ le terrain pour le dรฉveloppement de la
synthpop. La production de la chanson รฉtait simple mais efficace, avec une
boรฎte ร rythmes, des synthรฉtiseurs et les voix distinctives de Oakey. Ce
morceau est souvent citรฉ comme l'un des premiers exemples de musique pop purement
รฉlectronique et a jouรฉ un rรดle important dans l'รฉtablissement de The Human
League. L'utilisation pionniรจre des synthรฉtiseurs et des techniques de
production รฉlectronique par le groupe a cimentรฉ leur place en tant que l'un des
groupes les plus influents de l'histoire de la musique รฉlectronique.
"Rapper's Delight"
(1979)
Original Lineup: Michael
"Wonder Mike" Wright + Henry "Big Bank Hank" Jackson + Guy "Master Gee" O'Brien
The Sugarhill Gang was
formed in Englewood, New Jersey, in 1979. The group was assembled by Sylvia
Robinson, the co-founder of Sugar Hill Records, who wanted to capitalize on the
emerging hip hop scene. "Rapper's Delight" was recorded and released
in 1979. The song was built around the instrumental track of Chic's "Good
Times," which was replayed by a live band. The single became a massive
hit, reaching No. 36 on the Billboard Hot 100 and charting internationally. It
was the first rap song to achieve such widespread success and introduced hip
hop to a broader audience. "Rapper's Delight" is often credited with
helping to establish rap as a legitimate genre and paved the way for future hip
hop artists. Its success demonstrated the commercial potential of rap music and
brought attention to the burgeoning hip hop culture.
The Sugarhill Gang a รฉtรฉ formรฉ ร Englewood, dans le New Jersey, en 1979. Le groupe a รฉtรฉ montรฉ par Sylvia Robinson, co-fondatrice de Sugar Hill Records, qui voulait capitaliser sur l'รฉmergence de la scรจne hip hop. "Rapper's Delight" a รฉtรฉ enregistrรฉ et publiรฉ en 1979. La chanson รฉtait construite autour de la piste instrumentale de "Good Times" de Chic, rejouรฉe par un groupe en direct. Le single est devenu un รฉnorme succรจs, atteignant la 36e place du Billboard Hot 100 et se classant ร l'international. C'รฉtait la premiรจre chanson de rap ร connaรฎtre un tel succรจs mondial et a introduit le hip hop ร un public plus large. "Rapper's Delight" est souvent crรฉditรฉ d'avoir contribuรฉ ร รฉtablir le rap comme un genre lรฉgitime et a ouvert la voie aux futurs artistes hip hop. Son succรจs a dรฉmontrรฉ le potentiel commercial de la musique rap et a attirรฉ l'attention sur la culture hip hop naissante.
โ ORCHESTRAL MANOEUVRES IN THE DARK (UK)
"Electricity"
(1979)
Original
Lineup: Andy McCluskey Paul Humphreys
The
band's first significant electronic production was the single
"Electricity," released in May 1979 on Factory Records. This debut
single was notable for its catchy melody and innovative use of synthesizers,
setting the stage for their subsequent success. Following the success of
"Electricity," OMD released their self-titled debut album
"Orchestral Manoeuvres in the Dark" in February 1980. The album
included "Electricity" and other notable tracks such as
"Messages" and "Red Frame/White Light." The band's music
was characterized by its combination of electronic experimentation and pop
sensibility, contributing significantly to the synth-pop genre. OMD continued
to achieve commercial success and critical acclaim with albums like
"Architecture & Morality" (1981), which featured hits like
"Souvenir" and "Joan of Arc." Their innovative approach to
electronic music, blending melodic hooks with experimental sounds, has left a
lasting legacy in the music industry.
La
premiรจre production รฉlectronique significative du groupe a รฉtรฉ le single
"Electricity," sorti en mai 1979 sur Factory Records. Ce premier
single รฉtait remarquable pour sa mรฉlodie accrocheuse et son utilisation
innovante des synthรฉtiseurs, posant les bases de leur succรจs ultรฉrieur. Suite
au succรจs de "Electricity," OMD a sorti leur premier album รฉponyme
"Orchestral Manoeuvres in the Dark" en fรฉvrier 1980. L'album
comprenait "Electricity" et d'autres morceaux notables tels que
"Messages" et "Red Frame/White Light." La musique du
groupe se caractรฉrisait par une combinaison d'expรฉrimentation รฉlectronique et
de sensibilitรฉ pop, contribuant de maniรจre significative au genre synth-pop.
OMD a continuรฉ ร obtenir un succรจs commercial et une reconnaissance critique
avec des albums comme "Architecture & Morality" (1981), qui
comprenait des succรจs tels que "Souvenir" et "Joan of Arc."
Leur approche innovante de la musique รฉlectronique, mรชlant des hooks mรฉlodiques
ร des sons expรฉrimentaux, a laissรฉ un hรฉritage durable dans l'industrie
musicale.
โ DEUTSCH AMERIKANISCHE FREUNDSCHAFT (Germany)
"Produkt der
Deutsch-Amerikanischen Freundschaft" (1979)
Original lineup:
Gabriel "Gabi" Delgado-Lรณpez + Robert Gรถrl + Chrislo Haas + Kurt
"Pyrolator" Dahlke + Michael Kemner
Deutsch Amerikanische
Freundschaft, commonly known as D.A.F., is a German band that played a crucial
role in the development of electronic music and the EBM genre. Their first
electronic production was the album "Produkt der Deutsch-Amerikanischen
Freundschaft," released in 1979. This album marked their transition from
punk rock to a more electronic and industrial sound, characterized by
repetitive beats, minimalistic synth lines, and a raw, aggressive style.
Deutsch Amerikanische
Freundschaft, communรฉment appelรฉ D.A.F., est un groupe allemand qui a jouรฉ un
rรดle crucial dans le dรฉveloppement de la musique รฉlectronique et du genre EBM.
Leur premiรจre production รฉlectronique fut l'album "Produkt der
Deutsch-Amerikanischen Freundschaft," sorti en 1979. Cet album marqua leur
transition du punk rock vers un son plus รฉlectronique et industriel,
caractรฉrisรฉ par des rythmes rรฉpรฉtitifs, des lignes de synthรฉ minimalistes et un
style brut et agressif.
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