🎓 ELECTRONIC TIMES 1960>1969

1740 1899	1900 1959	1960 1969	1970 1979	1980 1989	1990 1999	2000 ✚
MECHANICAL	EXPERIMENTAL	SYNTHETIC	PROGRESSIVE	DANCING	FUSION	DIGITAL

1. BÜLENT AREL➤Stereo Electronic Music No. 2➤00:00:25
2. TERRY RILEY➤Mescaline Mix➤00:14:42
3. DELIA DERBYSHIRE➤Doctor Who [Original Theme]➤00:29:05
4. RAYMOND SCOTT➤Lullaby➤00:31:27
5. PAULINE OLIVEROS➤Bye Bye Butterfly➤00:45:39
6. JEAN‐JACQUES PERREY + GERSHON KINGSLEY➤Unidentified Flying Object➤00:53:48
7. MORTON SUBOTNICK➤Silver Apples Of The Moon [Part One]➤00:55:48
8. PINK FLOYD ➤Interstellar Overdrive➤01:12:29
9. WENDY CARLOS➤Brandenburg Concerto No.3 In G Major. I➤01:22:11
10. JEAN-MICHEL JARRE➤La Cage➤01:28:44
11. CAN➤Monster Movie Yoo Doo Right➤01:32:08
12. ELIANE RADIGUE ➤Stress Osaka ➤01:52:37

✚ The 1960s represent a crucial transitional era, where electronic music began to escape academic laboratories and, timidly at first, infiltrate the landscape of popular music. At the beginning of the decade, electronic music production was dominated by the techniques of musique concrète and pure electronic music, primarily using magnetic tape recorders to manipulate, cut, splice, and layer recorded or synthesized sounds. Composers like Karlheinz Stockhausen and Milton Babbitt worked in expensive, often university-based studios, where control over sound was total but access and the composition process remained lengthy and arduous. The major innovation that would disrupt this ecosystem was the invention of the analog modular synthesizer toward the middle of the decade. In 1964, Robert Moog introduced his first Moog Modular Synthesizer, marking a decisive shift towards the commercialization and relative accessibility of complex electronic instruments. This system offered musicians distinct modules (oscillators, filters, amplifiers, envelope generators) that could be interconnected via patch cables to sculpt unprecedented sounds, paving the way for endless sonic exploration. Almost simultaneously, Don Buchla on the American West Coast was developing his own modular systems (notably the Buchla 100 series), favoring a different approach, often oriented towards performance and non-Western musical experimentation. These modular synthesizers quickly attracted the attention of avant-garde composers, but also psychedelic pop and rock artists eager to experiment with new sonic textures, such as Morton Subotnick with Silver Apples of the Moon (1967) and Wendy Carlos's revolutionary album, Switched-On Bach (1968), which demonstrated the melodic and popular potential of the Moog. Although these machines were still very expensive and physically imposing, they shifted electronics from post-recording tape manipulation to real-time synthesis by the musician. Alongside these spectacular developments, recording studio electronics improved considerably. Multitrack tape recorders became more common, allowing rock bands like the Beatles to stack takes and experiment with innovative sound engineering techniques, such as the tape loop and flanging (by phase-shifting between two tapes). These techniques, directly derived from musique concrète studios, were integrated into mass production for the first time, making electronic sounds familiar to a global audience. Furthermore, the first preset pattern drum machines for amateur musicians, such as the Wurlitzer Sideman (launched in 1959) and the Korg Mini Pops 7 (circa 1966), began to appear, offering fixed rhythms like bossa nova or swing and constituting the mechanical, non-programmable ancestor of future electronic rhythmic instruments. At the end of the decade, the release of the EMS VCS3 in 1969, a more compact and relatively affordable modular synthesizer using a patch matrix instead of cables, symbolized an effort to make synthesis even more accessible and portable for live performance. The 60s thus created the foundation for modern electronic instrumentation, shifting sound creation from the engineer's workshop to the artist's studio.

✚ La décennie 1960 représente une ère de transition cruciale, où la musique électronique a commencé à s'échapper des laboratoires universitaires pour s'infiltrer, timidement d'abord, dans le paysage de la musique populaire. Au début de la décennie, la production musicale électronique était dominée par les techniques de la musique concrète et de la musique électronique pure, utilisant principalement des magnétophones à bande magnétique pour manipuler, couper, coller et superposer des sons enregistrés ou synthétisés. Des compositeurs comme Karlheinz Stockhausen et Milton Babbitt travaillaient dans des studios coûteux, souvent universitaires, où le contrôle sur le son était total mais l'accès et le processus de composition restaient longs et ardus. L'innovation majeure qui allait bouleverser cet écosystème fut l'invention du synthétiseur modulaire analogique vers le milieu de la décennie. En 1964, Robert Moog a présenté son premier Moog Modular Synthesizer, marquant un tournant décisif vers la commercialisation et l'accessibilité relative des instruments électroniques complexes. Ce système offrait aux musiciens des modules distincts (oscillateurs, filtres, amplificateurs, générateurs d'enveloppe) que l'on pouvait interconnecter via des câbles de raccordement (patch cables) pour sculpter des sons inédits, ouvrant la voie à une exploration sonore sans fin. Presque simultanément, Don Buchla développait sur la côte ouest américaine ses propres systèmes modulaires (notamment les Buchla 100 series), privilégiant une approche différente, souvent orientée vers la performance et l'expérimentation musicale non occidentale. Ces synthétiseurs modulaires ont rapidement attiré l'attention des compositeurs d'avant-garde, mais aussi des artistes de la pop et du rock psychédélique désireux d'expérimenter de nouvelles textures sonores, comme Morton Subotnick avec Silver Apples of the Moon (1967) et l'album révolutionnaire de Wendy Carlos, Switched-On Bach (1968), qui a démontré le potentiel mélodique et populaire du Moog. Bien que ces machines fussent encore très chères et physiquement imposantes, elles ont déplacé l'électronique de la manipulation post-enregistrement par bande vers la synthèse en temps réel par le musicien. Parallèlement à ces développements spectaculaires, l'électronique du studio d'enregistrement s'améliorait considérablement. Les magnétophones multipistes sont devenus plus courants, permettant aux groupes de rock comme les Beatles d'empiler les prises et d'expérimenter des techniques d'ingénierie sonore novatrices, telles que la boucle de bande (tape loop) et le flanger (par décalage de phase entre deux bandes). Ces techniques, issues directement des studios de musique concrète, ont été intégrées pour la première fois dans la production de masse, rendant les sons électroniques familiers à un public mondial. De plus, les premières boîtes à rythmes à motifs préréglés pour les musiciens amateurs, telles que le Wurlitzer Sideman (lancé dès 1959) et le Korg Mini Pops 7 (vers 1966), ont commencé à apparaître, proposant des rythmes fixes comme le bossa nova ou le swing et constituant l'ancêtre mécanique et non programmable des futurs instruments rythmiques électroniques. À la fin de la décennie, la sortie du EMS VCS3 en 1969, un synthétiseur modulaire plus compact et relativement abordable utilisant une matrice de raccordement au lieu des câbles, a symbolisé un effort pour rendre la synthèse encore plus accessible et transportable pour la performance live. Les années 60 ont ainsi créé le socle de l'instrumentation électronique moderne, faisant passer la création sonore de l'atelier d'ingénieur au studio d'artiste.

✚ BÜLENT AREL (Turkey)

Key Works: "Stereo Electronic Music No. 2" (1960)

Bülent Arel (1919–1990) was a Turkish-American composer and electronic music pioneer. He is best known for his groundbreaking work in electronic music composition and his contributions to the development of computer music. rel was one of the early pioneers of electronic music, experimenting with electronic sound synthesis techniques. He worked with electronic music equipment such as the RCA Mark II Sound Synthesizer.

Bülent Arel (1919–1990) était un compositeur turco-américain et un pionnier de la musique électronique. Il est surtout connu pour son travail novateur dans la composition de musique électronique et ses contributions au développement de la musique par ordinateur. Arel a été l'un des premiers pionniers de la musique électronique, expérimentant avec des techniques de synthèse sonore électronique. Il a travaillé avec du matériel de musique électronique tel que le synthétiseur sonore RCA Mark II.

 

✚ TERRY RILEY (USA)

"Mescalin Mix" (1961)

Terry Riley, born in 1935, is a prominent American composer and performer who is often credited with pioneering the minimalist movement in music. His innovative use of repetition, improvisation, and tape loops has had a significant influence on contemporary classical music, electronic music, and beyond.

Terry Riley, né en 1935, est un compositeur et interprète américain de renom souvent crédité d'avoir été à l'origine du mouvement minimaliste en musique. Son utilisation novatrice de la répétition, de l'improvisation et des boucles de bande a eu une influence significative sur la musique classique contemporaine, la musique électronique et au-delà.

  

✚ DELIA DERBYSHIRE (UK)

" Doctor Who Theme" (1963)

As a member of the BBC Radiophonic Workshop, she was a pioneering figure in electronic music, renowned for her innovative techniques and contributions to the genre. As a woman in a predominantly male field, she has become an inspirational figure for women in music and technology.

En tant que membre du BBC Radiophonic Workshop, elle a été une figure pionnière dans la musique électronique, renommée pour ses techniques innovantes et ses contributions au genre. En tant que femme dans un domaine principalement masculin, elle est devenue une figure inspirante pour les femmes dans la musique et la technologie.

 

✚ RAYMOND SCOTT (USA)

"Soothing Sounds for Baby" (1964)

Raymond Scott (1908-1994) was a pioneering American composer, bandleader, and inventor. He is best known for his innovative work in electronic music and for creating unique, quirky compositions that were often used in Warner Bros. cartoons, although he did not write them specifically for that purpose.

Raymond Scott (1908-1994) était un compositeur, chef d'orchestre et inventeur américain pionnier. Il est surtout connu pour son travail novateur dans la musique électronique et pour avoir créé des compositions uniques et excentriques qui étaient souvent utilisées dans les dessins animés de Warner Bros., bien qu'il ne les ait pas écrites spécifiquement à cette fin.

 

✚ PAULINE OLIVEROS (USA)

"Bye Bye Butterfly" (1965)

Pauline Oliveros (1932-2016) was an influential American composer, performer, and pioneer in electronic music, as well as a significant figure in the field of experimental music. Her work spanned several decades, and she is best known for her concepts of "Deep Listening" and her innovative use of technology in music.

Pauline Oliveros (1932-2016) était une compositrice, interprète et pionnière américaine influente dans la musique électronique, ainsi qu'une figure significative dans le domaine de la musique expérimentale. Son travail a couvert plusieurs décennies, et elle est surtout connue pour ses concepts de "Deep Listening" et son utilisation innovante de la technologie dans la musique.

 

✚ JEAN-JACQUES PERREY (France) / GERSHON KINGSLEY (Germany - USA)

"The In Sound from Way Out!" (1966)

Jean-Jacques Perrey (1929-2016) was a French electronic musician famous for his contributions to electronic music and experimental pop. He is best known for his innovative work with electronic instruments, particularly the Ondioline and the Moog synthesizer. Perrey was a pioneer in using these instruments to create unique and futuristic musical compositions.

Jean-Jacques Perrey (1929-2016) était un musicien électronique français célèbre pour ses contributions à la musique électronique et à la pop expérimentale. Il est surtout connu pour son travail novateur avec les instruments électroniques, en particulier l'Ondioline et le Moog synthesizer. Perrey a été un pionnier dans l'utilisation de ces instruments pour créer des compositions musicales uniques et futuristes.

Gershon Kingsley (1922-2019) was a German-born American composer, pianist, and pioneer of electronic music. He is best known for his contribution to the development of popular electronic music in the 1960s and 1970s. Kingsley was one of the first composers to use the Moog synthesizer in popular music. "Pop Corn" is an iconic instrumental song by Gershon Kingsley, released in 1969. This piece became one of the first commercially successful electronic music compositions.

Gershon Kingsley (1922-2019) était un compositeur, pianiste et pionnier de la musique électronique américain d'origine allemande. Il est surtout connu pour sa contribution au développement de la musique électronique populaire dans les années 1960 et 1970. Kingsley a été l'un des premiers compositeurs à utiliser le synthétiseur Moog dans la musique populaire. "Pop Corn" est une chanson instrumentale emblématique de Gershon Kingsley, sortie en 1969. Cette pièce est devenue l'une des premières compositions de musique électronique à succès commercial.

 

✚ MORTON SUBOTNICK (USA)

"Silver Apples of the Moon" (1967)

Morton Subotnick (born 1933) is an American composer, electronic music pioneer, and innovator in the field of music technology. He is best known for his groundbreaking work in electronic music composition and for his contributions to the development of early synthesizers and computer music systems. Subotnick's work with the Buchla synthesizer emphasized electronic music as a standalone art form, marking one of the first compositions created specifically for the LP format.

Morton Subotnick (né en 1933) est un compositeur américain, pionnier de la musique électronique et innovateur dans le domaine de la technologie musicale. Il est surtout connu pour son travail révolutionnaire dans la composition de musique électronique et pour ses contributions au développement des premiers synthétiseurs et systèmes de musique informatique. Le travail de Subotnick avec le synthétiseur Buchla mettait l'accent sur la musique électronique comme une forme d'art autonome, marquant l'une des premières compositions créées spécifiquement pour le format LP.

 

✚ PINK FLOYD (UK)

"The Piper at the Gates of Dawn" (1967)

Pink Floyd (1965) is one of the most iconic and influential bands in the history of music, particularly within the realm of progressive rock and psychedelic rock. Their early albums feature sonic experiments and studio effects that foreshadow the broader use of electronic music.

Pink Floyd (1965) est l'un des groupes les plus emblématiques et influents de l'histoire de la musique, notamment dans le domaine du rock progressif et du rock psychédélique. Leurs premiers albums présentent des expérimentations sonores et des effets studio qui préfigurent l'utilisation plus étendue de la musique électronique

 ◬ PSYCHEDELIC ELECTRONIC MUSIC / PROGRESSIVE ROCK

With the rise of psychedelic culture in the 1960s, electronic music began to incorporate elements of psychedelia. Bands like Pink Floyd experimented with electronic effects and soundscapes, contributing to the development of psychedelic electronic music.

Avec l'émergence de la culture psychédélique dans les années 1960, la musique électronique a commencé à intégrer des éléments de psychédélisme. Des groupes comme Pink Floyd ont expérimenté avec des effets électroniques et des paysages sonores, contribuant au développement de la musique électronique psychédélique.

 

✚ WENDY CARLOS (USA)

"Switched-On Bach" (1968)

Wendy Carlos, born Walter Carlos in 1939, is an American composer and electronic music pioneer. She is renowned for her groundbreaking work in electronic music, particularly for her innovative use of synthesizers and her contributions to film scores.

Wendy Carlos, née Walter Carlos en 1939, est une compositrice américaine et pionnière de la musique électronique. Elle est renommée pour son travail révolutionnaire dans la musique électronique, notamment pour son utilisation innovante des synthétiseurs et ses contributions aux bandes sonores de films.

 ◬ SYNTHESIZERMUSIC / ELECTRONIC

The 1960s saw the development and popularization of synthesizers, which had a profound impact on electronic music.

Les années 1960 ont vu le développement et la popularisation des synthétiseurs, qui ont eu un impact profond sur la musique électronique.

 

✚ JEAN-MICHEL JARRE (France)

"La Cage/Erosmachine" (1969)

Jean-Michel Jarre is a pioneering figure in electronic music, known for his innovative use of synthesizers and other electronic instruments. His early work laid the foundation for his illustrious career. His "Oxygène" album (1976) has sold over 12 million copies worldwide, making it one of the best-selling instrumental albums ever.

Jean-Michel Jarre est une figure pionnière de la musique électronique, reconnu pour son utilisation innovante des synthétiseurs et autres instruments électroniques. Ses premiers travaux ont posé les bases de sa carrière illustre. Son album "Oxygène" (1976) s'est vendu à plus de 12 millions d'exemplaires dans le monde, ce qui en fait l'un des albums instrumentaux les plus vendus de tous les temps.

✚ CAN (Germany)

"Monster Movie" (1969)

Original Lineup: Holger Czukay + Irmin Schmidt + Michael Karoli  +Jaki Liebezeit

The first electronic production by Can is often attributed to their debut album, "Monster Movie," released in 1969. While the album is primarily rooted in psychedelic rock and experimental rock, it features electronic elements, particularly in the use of keyboards and tape manipulation techniques. Can's approach to incorporating electronic sounds evolved over subsequent albums, contributing to their reputation as pioneers in both krautrock and experimental electronic music. "Tago Mago," released in 1971 marked a significant shift towards a more experimental and electronic direction for the band. It features extensive use of synthesizers, tape editing, and studio effects, blending these elements with their distinctive rock and improvisational style. "Tago Mago" is celebrated for its innovative sound and has been influential in the development of electronic and experimental music genres.

La première production électronique de Can est souvent attribuée à leur premier album, "Monster Movie", sorti en 1969. Bien que l'album soit principalement ancré dans le rock psychédélique et le rock expérimental, il comporte des éléments électroniques, notamment dans l'utilisation de claviers et de techniques de manipulation de bandes. L'approche de Can pour intégrer des sons électroniques a évolué au fil des albums suivants, contribuant à leur réputation de pionniers à la fois du krautrock et de la musique électronique expérimentale. "Tago Mago", sorti en 1971, marque un virage significatif vers une direction plus expérimentale et électronique pour le groupe. Il utilise intensément des synthétiseurs, des montages de bandes et des effets studio, mêlant ces éléments à leur style distinctif de rock et d'improvisation. "Tago Mago" est célèbre pour son son novateur et a été influent dans le développement des genres de musique électronique et expérimentale.

 

◬ KRAUTROCK

Krautrock is a term that refers to a musical movement that emerged primarily in West Germany in the late 1960s and early 1970s. This genre is characterized by its experimental approach, blending influences such as rock, electronics, jazz, psychedelia, and daring sonic explorations. Krautrock bands often pioneered the use of new technologies and recording techniques, as well as experimentation with unconventional musical structures. Key bands associated with krautrock include Can, Kraftwerk, Neu!, Amon Düül II, Faust, Tangerine Dream, and Cluster, among others. Each group had its own unique approach to the genre, contributing to a rich and varied musical scene that profoundly influenced the development of electronic music, experimental rock, and other musical genres worldwide.

Krautrock est un terme qui désigne un mouvement musical émergé principalement en Allemagne de l'Ouest à la fin des années 1960 et au début des années 1970. Ce genre musical est caractérisé par son approche expérimentale, son mélange d'influences variées comme le rock, l'électronique, le jazz, le psychédélisme, et ses explorations sonores audacieuses. Les groupes de krautrock ont souvent été pionniers dans l'utilisation de nouvelles technologies et techniques d'enregistrement, ainsi que dans l'expérimentation avec des structures musicales non conventionnelles. Les principaux groupes associés au krautrock incluent Can, Kraftwerk, Neu!, Amon Düül II, Faust, Tangerine Dream, et Cluster, entre autres. Chaque groupe avait sa propre approche unique du genre, contribuant à une scène musicale riche et variée qui a eu une influence profonde sur le développement de la musique électronique, du rock expérimental et d'autres genres musicaux à travers le monde.

✚  ELIANE RADIGUE (France)

"Stress Osaka" (1969)

Often overlooked but fundamentally transformative, the French composer Éliane Radigue stands as a high priestess of electronic sound, forging a bridge between the clinical rigor of musique concrète and the soulful depths of sonic meditation. Rising from an apprenticeship with pioneers Pierre Schaeffer and Pierre Henry in the 1950s, she eventually defied the era's frantic tape-splicing norms to embrace the "wild sounds" of feedback and the warm, living hum of her beloved ARP 2500 modular synthesizer. Her vast contributions are defined by a singular, glacial aesthetic where sound is treated not as a tool but as an organism, evolving through minute harmonic shifts that demand a state of "deep listening." This spiritual approach reached its zenith in masterpieces like the Trilogie de la Mort, a haunting exploration of life and transition inspired by her conversion to Tibetan Buddhism. Today, Radigue’s legacy endures as a masterclass in patience and precision, proving that electronic music can achieve its most profound power when it slows down enough to let the listener inhabit the very heart of a single, vibrating tone.

Souvent méconnue mais fondamentalement transformatrice, la compositrice française Éliane Radigue s'impose comme une figure emblématique de la musique électronique, jetant un pont entre la rigueur clinique de la musique concrète et les profondeurs spirituelles de la méditation sonore. Issue d'un apprentissage auprès des pionniers Pierre Schaeffer et Pierre Henry dans les années 1950, elle a fini par défier les normes de l'époque basées sur le découpage frénétique des bandes magnétiques pour embrasser les « sons sauvages » du larsen et le bourdonnement chaleureux et organique de son synthétiseur modulaire ARP 2500. Ses vastes contributions se définissent par une esthétique singulière et glaciale où le son n'est pas traité comme un outil mais comme un organisme, évoluant à travers d'infimes glissements harmoniques qui exigent un état d'écoute profonde. Cette approche spirituelle a atteint son apogée dans des chefs-d'œuvre tels que la Trilogie de la Mort, une exploration poignante de la vie et de la transition inspirée par sa conversion au bouddhisme tibétain. Aujourd'hui, l'héritage de Radigue perdure comme une leçon de patience et de précision, prouvant que la musique électronique atteint sa puissance la plus profonde lorsqu'elle ralentit suffisamment pour laisser l'auditeur habiter le cœur même d'une vibration unique.

◬  DRONE

Born from the ancient, buzzing heart of traditional instruments like the sitar and bagpipe, drone music evolved into a radical pillar of the 20th-century avant-garde by stripping composition down to its most primal, sustained vibrations. Pioneers like La Monte Young and the Theatre of Eternal Music revolutionized the 1960s by proving that a single, unwavering tone could hold as much emotional weight as a complex symphony, effectively birthing the "sustained tone" branch of minimalism. This seismic shift allowed electronic music to move away from traditional melody and rhythm, instead prioritizing texture, timbre, and the hypnotic "deep listening" later championed by Pauline Oliveros. Its influence quickly bled into the mainstream via the feedback-laden experiments of The Velvet Underground and the sprawling "kosmische musik" of Tangerine Dream, setting the atmospheric stage for modern ambient and noise genres. Today, drone remains a vital force in the electronic landscape, offering a meditative sanctuary where the listener is invited to abandon time and inhabit the very core of sound itself.

Née du cœur bourdonnant et ancestral d'instruments traditionnels tels que le sitar et la cornemuse, la musique drone s'est transformée en un pilier radical de l'avant-garde du XXe siècle en dépouillant la composition jusqu'à ses vibrations les plus primaires et soutenues. Des pionniers comme La Monte Young et le Theatre of Eternal Music ont révolutionné les années 1960 en prouvant qu'une note unique et inébranlable pouvait porter autant de poids émotionnel qu'une symphonie complexe, donnant ainsi naissance à la branche « tons soutenus » du minimalisme. Ce changement sismique a permis à la musique électronique de s'éloigner de la mélodie et du rythme traditionnels pour privilégier la texture, le timbre et l'écoute profonde plus tard défendue par Pauline Oliveros. Son influence s'est rapidement propagée vers le grand public via les expérimentations saturées de larsens du Velvet Underground et la « kosmische musik » tentaculaire de Tangerine Dream, préparant ainsi le terrain atmosphérique pour les genres ambiants et noise modernes. Aujourd'hui, le drone demeure une force vitale du paysage électronique, offrant un sanctuaire méditatif où l'auditeur est invité à abandonner la notion de temps pour habiter le cœur même du son.