🎓 ELECTRONIC TIMES 1990>1999

1740 1899	1900 1959	1960 1969	1970 1979	1980 1989	1990 1999	2000 ✚
MECHANICAL	EXPERIMENTAL	SYNTHETIC	PROGRESSIVE	DANCING	FUSION	DIGITAL

1. MASSIVE ATTACK ➤Hymn Of The Big Wheel➤00:00:25
2. ORBITAL➤Farenheit 303➤00:06:49
3. THE ORB ➤A Huge Ever Growing Pulsating Brain That Rules From The Centre Of The Ultraworld [Live Mix Mk 10]➤00:15:14
4. APHEX TWIN➤Green Calx➤00:34:03
5. THE PRODIGY➤The Prodigy Hyperspeed [G Force Part 2]➤00:40:09
6. JEFF MILLS➤Berlin➤00:45:25
7. MOBY➤Help Me To Believe➤00:51:20
8. PLASTIKMAN➤Smak➤00:57:53
9. UNDERWORLD ➤Cowgirl➤01:07:21
10. PORTISHEAD➤Wandering Star➤01:15:50
11. OOMPH! ➤Ich Bin Der Weg➤01:20:47
12. PAUL VAN DYK➤Rushin [Revolutionsper- Minute]➤01:25:52
13. THE CHEMICAL BROTHERS ➤Leave Home➤01:32:22
14. GOLDIE➤Timeless (25-Year-Remaster)➤01:37:55
15. FATBOY SLIM➤The-Weekend-Starts-Here➤01:58:58
16. DJ SHADOW ➤What Does Your Soul Look Like [Part 4]➤02:05:45
17. DAFT PUNK ➤Da Funk➤02:10:54
18. COVENANT ➤Wind Of The North➤02:16:23
19. AIR➤SexyBoy➤02:20:57
20. BASEMENT JAXX➤Always Be There➤02:25:56

✚ The technological backbone of electronic music in the 1990s was defined by the intersection of increasingly powerful, yet affordable digital sampling and the refinement of classic analog sounds, fundamentally shifting production from expensive commercial studios to accessible home setups. The Akai MPC series, particularly the MPC3000 (1994) and MPC2000 (1997), became the central nervous system for rhythmic innovation, enabling producers in the Drum'N'Bass and Trip-Hop scenes to meticulously chop, slice, and re-sequence breakbeats and samples with an unprecedented degree of rhythmic complexity, essentially building new forms of rhythm from pre-existing sound fragments. This hardware provided the necessary tactile interface for genres that relied entirely on sample manipulation, offering superior feel and timing compared to early computer sequencing. Simultaneously, the sound of Acid Techno and the burgeoning French Touch was characterized by the dominant use of the Roland TB-303's filter and resonant controls, whose squelching, sweeping sounds defined tracks globally, proving that old analog circuitry could be repurposed for new genres. The proliferation of digital audio workstations (DAWs) like Ableton Live and Propellerhead Reason toward the decade's end began the seismic shift toward software synthesis and sequencing, making entire studios available on desktop computers, though dedicated hardware like the E-mu SP-1200 and various rack-mount synths (like the Roland JD-800 or Access Virus) remained crucial for their distinctive timbres. The introduction of MIDI timecode and improved synchronization standards also allowed diverse hardware to communicate seamlessly, enabling the elaborate live performance setups perfected by pioneers like Orbital and The Chemical Brothers; fundamentally, the Nineties technological revolution was one of accessibility and deconstruction, allowing artists to manipulate, distort, and filter sound sources with new levels of precision and sonic grit, defining the distinct textural identity of an entire decade of electronic genres.

✚ La colonne vertébrale technologique de la musique électronique dans les années 1990 fut définie par l'intersection d'un échantillonnage numérique de plus en plus puissant mais abordable et par le raffinement des sons analogiques classiques, déplaçant fondamentalement la production des coûteux studios commerciaux vers des configurations domestiques accessibles. La série Akai MPC, en particulier le MPC3000 (1994) et le MPC2000 (1997), devint le système nerveux central de l'innovation rythmique, permettant aux producteurs des scènes Drum'N'Bass et Trip-Hop de méticuleusement hacher, trancher et reséquencer les breakbeats et les samples avec un degré de complexité rythmique sans précédent, construisant essentiellement de nouvelles formes de rythme à partir de fragments sonores préexistants. Ce matériel fournissait l'interface tactile nécessaire pour les genres qui dépendaient entièrement de la manipulation d'échantillons, offrant une sensation et un timing supérieurs par rapport aux premiers séquenceurs informatique. Simultanément, le son de l'Acid Techno et de la French Touch naissante fut caractérisé par l'utilisation dominante du filtre et des commandes de résonance du Roland TB-303, dont les sons squelching et balayés définirent des morceaux à l'échelle mondiale, prouvant que les anciens circuits analogiques pouvaient être réaffectés à de nouveaux genres. La prolifération des stations audionumériques (DAW) comme Ableton Live et Propellerhead Reason vers la fin de la décennie a commencé le changement sismique vers la synthèse logicielle et le séquençage, rendant des studios entiers disponibles sur des ordinateurs de bureau, bien que le matériel dédié comme l'E-mu SP-1200 et divers synthétiseurs en rack (comme le Roland JD-800 ou l'Access Virus) soient restés cruciaux pour leurs timbres distinctifs. L'introduction du code temporel MIDI et l'amélioration des normes de synchronisation ont également permis à divers matériels de communiquer de manière transparente, autorisant les configurations de performance live élaborées perfectionnées par des pionniers comme Orbital et The Chemical Brothers. Fondamentalement, la révolution technologique des années 90 fut une révolution de l'accessibilité et de la déconstruction, permettant aux artistes de manipuler, déformer et filtrer les sources sonores avec de nouveaux niveaux de précision et de grain sonore, définissant l'identité texturale distincte de toute une décennie de genres électroniques.

✚ MASSIVE ATTACK (UK)

"Mezzanine" (1998)

Original lineup: Robert "3D" Del Naja + Grant "Daddy G" Marshall + Andrew "Mushroom" Vowles

Massive Attack's 1998 album Mezzanine marks a crucial and dark stylistic turning point, moving away from softer soul and dub atmospheres to plunge into a more menacing, claustrophobic, and industrial-rock territory. Often considered their most audacious masterpiece, it is defined by a tougher sound, monolithic basslines, heavier rhythms, and a predominant use of dark textures, incorporating post-punk elements. The album is also famous for its use of samples from bands like The Cure and Led Zeppelin, expanding the group's sonic vocabulary beyond R&B loops. Mezzanine became their greatest commercial success, proving that Trip-Hop could evolve into something darker and more intense, and remains an essential reference in late 20th-century alternative music.

L'album Mezzanine (1998) de Massive Attack marque un tournant stylistique crucial et sombre, s'éloignant des atmosphères soul et dub pour plonger dans un territoire plus menaçant, claustrophobe et rock-industriel. Souvent considéré comme leur chef-d'œuvre le plus audacieux, il est défini par un son plus dur, des lignes de basse monolithiques, des rythmes lourds et des textures sombres intégrant des éléments de post-punk. L'album est célèbre pour ses samples de The Cure et Led Zeppelin, élargissant le vocabulaire sonore du groupe au-delà des boucles R&B. Mezzanine est devenu leur plus grand succès commercial, prouvant que le Trip-Hop pouvait évoluer vers quelque chose de plus intense, et reste une référence essentielle de la musique électronique alternative.

◬ TRIP-HOP

Trip-Hop emerged from the cultural melting pot of Bristol, UK, in the early 1990s, evolving from the city's robust sound system culture and deep reggae/dub influences, creating a downtempo, cinematic, and profoundly moody atmosphere. The genre, officially named in 1994, was blueprinted by Massive Attack with their seminal Blue Lines (1991), blending languid breakbeats, heavy sub-bass, and soulful vocals. This style consciously rejected the hyper-speed energy of rave culture, opting instead for introspection and urban melancholy. Portishead, with their masterpiece Dummy (1994), further refined the aesthetic by introducing a darker, vintage film noir sensibility, using complex sampling and Beth Gibbons' haunting vocals. Core elements involved slow tempos (60 to 90 BPM), deep dub-derived basslines, and orchestral-sounding samples. Trip-Hop became a critically acclaimed and commercially successful British export.

Le Trip-Hop a émergé du creuset culturel de Bristol au début des années 1990, évoluant à partir de la culture sound system et des influences reggae/dub de la ville, créant un son downtempo, cinématographique et profondément mélancolique. Le genre, nommé en 1994, a été établi par Massive Attack avec Blue Lines (1991), mélangeant des breakbeats langoureux, des sous-basses lourdes et des voix soul. Ce style rejetait l'énergie hyper-rapide de la culture rave pour l'introspection et la mélancolie urbaine. Portishead, avec Dummy (1994), a affiné l'esthétique en introduisant une sensibilité film noir plus sombre, utilisant des samples complexes et la voix fragile de Beth Gibbons. Les éléments centraux sont les tempos lents (60-90 BPM), les lignes de basse profondes et les échantillons orchestraux. Le Trip-Hop fut un succès critique et commercial, consolidant Bristol comme un pôle vital d'innovation musicale.

ORBITAL (UK)

Orbital (1991) 

Original lineup: Paul Hartnoll + Phil Hartnoll

Orbital’s 1991 debut, affectionately dubbed The Green Album, arrived at a pivotal moment for British electronic music, solidifying the Hartnoll brothers as architects of a more thoughtful, intricate strain of techno than the hedonistic rave scene. This was a cohesive journey that transcended the dancefloor, showcasing their extraordinary range from the ambient melancholic majesty of "Belfast" to the intense, frenetic energy of "Desert Storm". The album brilliantly captured the chaotic beauty of early 90s rave culture while pushing the genre toward sophisticated artistry. It proved electronic music could sustain a full-length album narrative, establishing Orbital as masters of texture and emotional depth.

Le premier album d'Orbital (1991), surnommé The Green Album, est arrivé à un moment charnière pour la musique électronique britannique, établissant les frères Hartnoll comme architectes d'une techno plus réfléchie et complexe que la scène rave hédoniste. Ce n'était pas une collection de maxis, mais un voyage cohérent qui transcendait le dancefloor. L'album montrait une extraordinaire palette sonore, allant de la majesté mélancolique et ambient de "Belfast" à l'énergie intense de "Desert Storm". L'album a capturé la promesse utopique de la culture rave tout en poussant le genre vers un art sophistiqué. C'est le disque qui a prouvé que la musique électronique pouvait soutenir la narration d'un album complet, faisant d'Orbital des maîtres de la texture et de la profondeur émotionnelle.

✚ THE ORB (UK)

“The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld” (1991)

Original lineup: Dr. Alex Paterson + Jimmy Cauty

The Orb’s 1991 album, The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld, is an essential, foundational milestone for Ambient Techno and Ambient House, defining the very concept of post-rave chill-out room music. The Orb masterfully merges subtle, minimalist House and Dub rhythms with thick layers of ambient sounds, nature noises, radio dialogues, and random samples (notably NASA speeches). This created a dreamlike landscape that is both terrestrial and cosmic. The album proved that electronic music could be as ambitious and emotionally resonant as progressive rock, establishing The Orb as the undisputed masters of sonic exploration.

L'album The Orb's Adventures Beyond the Ultraworld (1991) est un jalon essentiel de l'Ambient Techno et de l'Ambient House, définissant la musique de chill-out room post-rave. The Orb y fusionne magistralement des rythmes de House et de Dub subtils avec d'épaisses couches de sons d'ambiance, de bruits de la nature, de dialogues radio et de samples aléatoires (discours de la NASA). Le résultat est un paysage onirique à la fois terrestre et cosmique. Cet album a prouvé que la musique électronique pouvait être aussi ambitieuse et émotionnellement résonnante que le rock progressif, établissant The Orb comme maîtres incontestés de l'exploration sonore.

◬ AMBIENT TECHNO

Ambient Techno emerged in the early 1990s as a crucial subgenre, expertly bridging the hypnotic propulsion of techno with the textural depth of ambient music, creating a soundtrack for both the chill-out room and the introspective journey. This sound avoided peak-time intensity, prioritizing sustained mood, intricate sonic layering, and a slower, deliberate rhythmic pulse. Artists like The Orb and Aphex Twin (under his Selected Ambient Works alias) were instrumental in codifying the genre, showcasing its potential for both dreamlike drift and subtle, driving rhythm. Foundational labels, notably Warp Records with its groundbreaking Artificial Intelligence series, provided a vital platform for this intellectual and emotional side. Ambient Techno offered a necessary antidote to the high-BPM hedonism of the rave scene, inviting listeners to engage with technology in a more thoughtful, meditative way.

L'Ambient Techno a émergé au début des années 1990 en faisant le pont entre la propulsion hypnotique de la techno et la profondeur atmosphérique de la musique ambiante, créant une bande sonore pour la chill-out room et l'introspection. Ce genre évitait l'intensité peak-time, privilégiant l'ambiance soutenue, la superposition sonore complexe et un rythme lent. Des artistes comme The Orb et Aphex Twin (sous son alias Selected Ambient Works) ont codifié le genre, démontrant son potentiel pour la dérive onirique et le rythme subtil. Des labels fondateurs, notamment Warp Records avec sa série Artificial Intelligence, ont offert une plateforme vitale pour ce côté intellectuel et émotionnel. L'Ambient Techno a offert un antidote nécessaire à l'hédonisme à haut BPM de la scène rave, invitant à une écoute plus réfléchie et expansive.

✚ APHEX TWIN (UK)

"Selected Ambient Works 85-92" (1992)

Solo Artist: Richard D. James

Selected Ambient Works 85-92 (1992) is the first official studio album by Aphex Twin (Richard D. James) and is considered a major milestone in electronic music history. The album pushed boundaries with complex, cerebral compositions, blending ambient soundscapes with intricate rhythms. This record is one of the foundational pillars of Ambient Techno and IDM (Intelligent Dance Music), pioneering a more experimental and introspective approach to electronic music.

Selected Ambient Works 85-92 (1992) est le premier album officiel d'Aphex Twin (Richard D. James) et est considéré comme un jalon majeur de l'histoire de la musique électronique. L'album a repoussé les limites avec des compositions complexes et cérébrales, mélangeant des paysages sonores ambiants à des rythmes élaborés. Ce disque est l'un des piliers fondateurs de l'Ambient Techno et de l'IDM (Intelligent Dance Music), ouvrant la voie à une approche plus expérimentale et introspective de la musique électronique.

◬ INTELLIGENT DANCE MUSIC

Intelligent Dance Music (IDM) is one of electronic music's most challenging and compelling subgenres, defined by its cerebral ambition, far removed from mainstream dancefloor euphoria, and better suited for headphones and introspection. Emerging in the early 90s on labels like Warp Records, IDM rejects formulaic club structures, favoring complex, abstract rhythm programming with glitchy, polyrhythmic beats. Pioneers such as Aphex Twin, Autechre, and Boards of Canada forged distinctive paths. Sound design is paramount, featuring meticulous manipulation, unconventional timbres, and richly layered atmospheric textures. The genre cemented its legacy by prioritizing compositional depth and technological experimentation over immediate danceability. IDM's influence is undeniable, serving as a crucible of innovation that prefigured subsequent movements like glitch, and remains the intellectual vanguard of electronic music.

L'Intelligent Dance Music (IDM) est un sous-genre de musique électronique cérébrale, très éloignée de l'euphorie du dancefloor grand public, conçu pour les écouteurs et l'introspection. Émergeant au début des années 90 sur des labels comme Warp Records, l'IDM rejette les structures de club conventionnelles, favorisant des programmations rythmiques complexes, abstraites et polyrythmiques. Des pionniers comme Aphex Twin, Autechre et Boards of Canada ont tracé des voies distinctives. La conception sonore est primordiale, utilisant des timbres non conventionnels et des textures atmosphériques richement superposées. Le genre a consolidé son héritage en privilégiant la profondeur compositionnelle et l'expérimentation technologique sur la dansabilité immédiate. L'IDM sert de creuset d'innovation, préfigurant des mouvements comme le glitch, et demeure l'avant-garde intellectuelle de la musique électronique.

THE PRODIGY (UK)

The Prodigy is Experience (1992)

Original lineup: Liam Howlett + Keith Flint + Leeroy Thornhill + Maxim + Sharky 

1992 saw British electronic music undergo a seismic shift, and The Prodigy's Experience defined it. Spearheaded by Liam Howlett, the album transcended dance music to become a genuine cultural statement: this was not chill-out, but full-throttle, in-your-face rave aggression, tempered with undeniable pop sensibility. Instant anthems like "Everybody in the Place" and the iconic "Charly" (which sampled a children's film) became the soundtrack to sweat-soaked warehouse parties. Howlett's production was revolutionary, stitching together jungle's complexity, hardcore's pace, and hip-hop's swagger into a cohesive, pulsating beast. Experience stands as The Prodigy's purest, most exhilarating distillation of the early 90s dance floor—a necessary document of a moment when electronic music felt wildly untamed.

L'année 1992 a vu la musique électronique britannique subir un changement sismique, et Experience de The Prodigy l'a défini. Mené par Liam Howlett, cet album a transcendé la dance music pour devenir une déclaration culturelle : ce n'était pas du chill-out, mais de l'agression rave à plein régime, tempérée par une sensibilité pop irrésistible. Des hymnes instantanés comme "Everybody in the Place" et l'iconique "Charly" (qui échantillonnait un film pour enfants) ont été la bande sonore des fêtes d'entrepôt. La production de Howlett était révolutionnaire, assemblant la complexité de la jungle, le rythme du hardcore et l'attitude du hip-hop en une bête cohérente et pulsante. Experience reste la distillation la plus pure et la plus exaltante du dance floor du début des années 90, un document nécessaire d'un moment où la musique électronique se sentait sauvagement indomptée.

✚ JEFF MILLS (USA)

« Waveform Transmission Vol. 1 » (1992)

In 1992, Jeff Mills delivered his defining solo statement with Waveform Transmission Vol. 1, which served as a cold, sharp shock to the developing global techno landscape. Released on Berlin's Tresor, the record became a crucial transatlantic bridge, fusing the futuristic vision of Detroit with German industrial grit. This was not warm, soulful techno; this was hard, minimalist, and uncompromising machine music. Mills described the project as an artistic movement using "a raw configuration of sounds, obscure frequencies, and densely coded rhythms" to translate feelings. The album's tracks were relentless, driven by an often acid-tinged sound palette and the percussive precision that earned Mills the nickname "The Wizard." Its influence was seismic, laying the groundwork for the future of minimalist and industrial techno.

En 1992, Jeff Mills a livré sa déclaration solo marquante avec Waveform Transmission Vol. 1, un choc froid et tranchant pour le paysage techno mondial. Sorti sur Tresor (Berlin), ce disque fut un pont transatlantique crucial, fusionnant la vision futuriste de Détroit avec le côté brut et industriel allemand. Ce n'était pas la techno chaleureuse des débuts, mais une musique de machine dure, minimaliste et sans compromis. Mills décrivait le projet comme un mouvement artistique utilisant une « configuration brute de sons, de fréquences obscures et de rythmes densément codés » pour traduire des sentiments. Les morceaux étaient incessants, portés par une palette sonore souvent acidulée et la précision percussive qui valut à Mills le surnom de "The Wizard". Son influence fut sismique, jetant les bases de la techno minimaliste et industrielle et le consacrant comme architecte sonore majeur.

✚ MOBY (USA)

“Moby” (1992)

Solo Artist: Richard Melville Hall

Moby's 1992 self-titled debut was less an artistic statement and more an energetic retrospective compilation of early singles and demos, despite the artist's own ambivalence. The album served as a document of the rave explosion, delivering the nascent US electronic scene a dose of high-BPM frenzy. The unforgettable success was "Go"—the Twin Peaks-sampling track that introduced Moby as an eccentric vegan Christian producer with a furious, melodic sound. The material was a dizzying collection of raw techno, acid house, and breakbeats, from the record-breaking speed of "Thousand" to reserved melodies. It stands as a foundational, if somewhat accidental, chapter in the story of one of electronic music's most famously contradictory figures.

Le premier album éponyme de Moby (1992) était moins une déclaration artistique qu'une compilation rétrospective énergique de ses premiers singles et démos, malgré le manque d'enthousiasme de l'artiste lui-même. L'album a servi de document de l'explosion rave, offrant à la scène américaine naissante une dose de frénésie à haut BPM. Le succès inoubliable fut "Go" – le morceau qui échantillonnait Twin Peaks et a présenté Moby comme un producteur excentrique, végan et chrétien, avec un son furieux et mélodique. Le matériel était une collection vertigineuse de techno brute, d'acid house et de breakbeats, allant de la vitesse excessive et record de "Thousand" à des mélodies réservées. Il s'agit d'un chapitre fondateur, bien que quelque peu accidentel, dans l'histoire d'une figure notoirement contradictoire de la musique électronique.

✚ PLASTIKMAN (Canada)

"Sheet One" (1993)

Solo Artist: Richie Hawtin

Plastikman's (Richie Hawtin) 1993 album, Sheet One, is universally recognized as the birth certificate and cornerstone of North American Minimal Techno. It defined the genre's aesthetic through its rigor, hypnotic repetition, and extreme attention to sonic detail. Hawtin deliberately stripped the techno structure of its expansive melodies and rave exuberance to focus on the essentials: a precise, mechanical rhythm and repetitive, evolving acid basslines. Sheet One established Hawtin's reputation as the chief architect of minimalism and laid the groundwork for his Minus label, profoundly influencing the subsequent development of minimal techno worldwide.

L'album Sheet One (1993) de Plastikman (Richie Hawtin) est universellement reconnu comme l'acte de naissance du Minimal Techno nord-américain. Il a défini l'esthétique du genre par sa rigueur, sa répétition hypnotique et son extrême attention aux détails sonores. Hawtin a volontairement dépouillé la structure de la techno de sa mélodie et de son exubérance rave pour se concentrer sur l'essentiel : un rythme mécanique et précis et des lignes de basse acid répétitives et évolutives. Sheet One a établi la réputation de Hawtin comme architecte en chef du minimalisme et a jeté les bases de son label Minus, influençant profondément le développement du minimal techno dans le monde entier.

◬ MINIMAL TECHNO

Minimal Techno represents a severe, intellectual stripping-down of the house and techno frameworks, adhering to the philosophy that "less is more" to focus on functional, hypnotic, and rigorously repetitive rhythms. Emerging from the Detroit-Windsor axis and Berlin, pioneers like Plastikman codified the North American sound using small, meticulous changes in filtering to create movement. Simultaneously, Basic Channel (Berlin) merged Jamaican Dub with the stark, skeletal repetition of techno. This genre is fundamentally cerebral, designed to engage the listener through subtle shifts in perception rather than overt melodic hooks. The focus is on what is strategically removed, leaving only the essential elements (the kick drum, high hat, and sub-bass) to form the rhythmic architecture.

La Minimal Techno représente un dénuement sévère et intellectuel des structures house et techno, adhérant à la philosophie selon laquelle « moins est plus » pour se concentrer sur des rythmes fonctionnels, hypnotiques et répétitifs. Émergeant de l'axe Detroit-Windsor et de Berlin, des pionniers comme Plastikman ont codifié le son nord-américain en utilisant de petits changements méticuleux dans le filtrage pour créer du drame. Simultanément, Basic Channel (Berlin) fusionnait le Dub jamaïcain avec la répétition squelettique de la techno. Ce genre est fondamentalement cérébral, conçu pour engager l'auditeur à travers des changements subtils plutôt que des accroches mélodiques. L'accent est mis sur ce qui est stratégiquement retiré, ne laissant que les éléments essentiels (grosse caisse, high hat, sous-basse) pour former l'architecture rythmique.

✚ UNDERWORLD (UK)

"Dubnobasswithmyheadman" (1994)

Original lineup: Karl Hyde + Rick Smith + Darren Emerson

Dubnobasswithmyheadman (1994) is the album that redefined Underworld’s identity and left a deep mark on the history of British electronic music. Following the addition of Darren Emerson, the group (Karl Hyde / Rick Smith) underwent a radical transformation. They developed a darker, more hypnotic sound, fusing Techno, Progressive House, and Spoken Word. This album is a key milestone, proving the band's ability to blend the sophistication of live electronic music with mature song structure.

Dubnobasswithmyheadman (1994) est l'album qui a redéfini l'identité d'Underworld et a laissé une marque profonde sur la musique électronique britannique. Après l'arrivée de Darren Emerson, le groupe (Karl Hyde / Rick Smith) a opéré une métamorphose radicale. Ils ont développé un son plus sombre et hypnotique, fusionnant la Techno, la Progressive House et le Spoken Word. Cet album est une étape clé, prouvant la capacité du groupe à mêler la sophistication de la musique électronique live avec une structure de chanson mature.

◬ PROGRESSIVE HOUSE

Progressive House, characterized by its epic build-ups and meticulous sonic journeys, solidified its presence in the early 1990s as a more cinematic and atmospheric style, countering the raw energy of hard house. Originating primarily in the UK club scene, this style focuses on extended track lengths and a structural emphasis on a slow, evolving narrative, where elements are layered with surgical precision to create hypnotic momentum. Key producers such as Sasha and John Digweed became the deans of the genre, transforming mixing into an art form of seamless, extended storytelling. The sound palate uses deep basslines, lush melodic pads, and arpeggiated synth motifs that evoke melancholy or euphoria. The true spirit of Progressive House lies in its understated sophistication and commitment to the patient, meticulously crafted groove.

La Progressive House, caractérisée par ses montées épiques et ses voyages sonores, s'est consolidée au début des années 1990 comme un style plus cinématique et atmosphérique, s'opposant à l'énergie brute de la hard house. Originaire du Royaume-Uni, ce style se concentre sur les morceaux de longue durée et une narration lente et évolutive, où les éléments sont superposés avec une précision chirurgicale pour créer une dynamique hypnotique. Des producteurs clés comme Sasha et John Digweed sont devenus les figures de proue du genre, transformant le mixage en un art du storytelling continu. La palette sonore utilise des lignes de basse profondes, des nappes mélodiques luxu-riantes et des synthés arpégés qui évoquent la mélancolie ou l'euphorie. L'esprit de la Progressive House réside dans sa sophistication discrète et son engagement envers un groove patient et méticuleux.

✚ PORTISHEAD (UK)

« Dummy » (1994)

Original lineup: Geoff Barrow + Beth Gibbons + Adrian Utley

Portishead's 1994 masterpiece Dummy emerged from Bristol as a deep atmospheric fog, establishing the trio as pioneers of trip hop (a label the band famously rejected). The album was an immediate sensation, a perfectly realized synthesis of cinematic noir, jazz, soul, and gritty sampled hip-hop beats. It chose the shadows, creating a sound defined by its imperfections: vinyl crackle, eerie theremin howls, and Beth Gibbons' haunting vocal delivery. The meticulous production involved recording clean sounds only to sample them back with distortion, giving tracks like "Glory Box" a timeless smoky texture. The album earned the prestigious Mercury Prize and fundamentally shifted the landscape by giving a voice to electronic music's quiet, anxious, and overwhelmingly sad heart.

Le chef-d'œuvre de Portishead, Dummy (1994), a émergé de Bristol comme un brouillard atmosphérique, établissant le trio comme pionnier du trip hop (un terme qu'ils rejetaient). Cet album fut une synthèse immédiate et parfaitement réalisée de film noir cinématographique, de jazz, de soul et de beats hip-hop samplés et granuleux. Il a choisi les ombres, créant un son défini par ses imperfections : grésillement de vinyle, hurlements de thérémine et la prestation vocale hantée de Beth Gibbons. La production méticuleuse consistait à enregistrer des sons clairs pour les rééchantillonner avec de la distorsion, donnant à "Glory Box" une texture fumée intemporelle. L'album a remporté le prestigieux Prix Mercury et a donné une voix au cœur silencieux, anxieux et mélancolique de la musique électronique.

✚ OOMPH! (Germany)

« Sperm » (1994)

Original lineup: Dero Goi + Andreas Crap + Robert Flux

OOMPH!'s 1994 album, Sperm, is an absolutely foundational landmark of the Neue Deutsche Härte (NDH) genre. It boldly executed a stylistic fusion, abandoning pure EBM to inject massive, heavy guitar riffs into the cold, mechanical rhythmic structure of industrial metal. This sound of glacial and kinetic aggression created the prototype for NDH. Driven by provocative themes and the theatrical use of the German language, the album not only solidified OOMPH!'s unique identity but primarily served as an essential sonic blueprint that Rammstein and other bands later popularized globally, making Sperm a crucial document in the history of German electronic metal.

L'album Sperm d'OOMPH! (1994) est un jalon absolument fondateur du Neue Deutsche Härte (NDH). Il a audacieusement opéré une fusion stylistique, abandonnant l'EBM pure pour injecter des riffs de guitare massifs et lourds dans la structure rythmique mécanique du metal industriel. Ce son d'une agressivité glaciale et cinétique a créé le prototype de la NDH. Porté par des thèmes provocateurs et l'utilisation théâtrale de la langue allemande, l'album a non seulement consolidé l'identité unique d'OOMPH!, mais a surtout servi de plan directeur sonore essentiel que Rammstein et d'autres groupes ont popularisé à l'échelle mondiale, faisant de Sperm un document essentiel de l'histoire du metal électronique allemand.

◬ NEUE DEUTSCHE HÄRTE

The Neue Deutsche Härte (NDH), literally "New German Hardness," is a cultural phenomenon, an orchestrated, almost militarized fusion where the mechanical coldness of EBM and industrial metal meets the grandiosity of traditional heavy metal, all delivered with the theatrical gravity of the German language. The genre is distinguished by its martial, marching rhythm in four-four time, supported by massive, down-tuned guitar riffs. The electronic element creates a sinister atmosphere with grating samples and contrasting synthesizers. The visual aesthetic is inseparable, blending strict uniforms with spectacular pyrotechnics. The German lyrics tackle provocative themes (sexuality, social critique) delivered by a guttural, rolled vocal style that reinforces the impact. Bands like Eisbrecher and Megaherz followed the path. NDH is a feat of sonic construction that transformed Germany's industrial heritage into a global force.

Le Neue Deutsche Härte (NDH) est un phénomène culturel, une fusion orchestrée, presque militarisée, où la froideur mécanique de l'EBM et du metal industriel rencontre la grandiloquence du heavy metal traditionnel, le tout délivré avec la gravité théâtrale de l'allemand. Le genre se distingue par son rythme de marche martial en quatre-quatre, soutenu par des riffs de guitare massifs et accordés bas. L'électronique crée une ambiance sinistre avec des samples grinçants et des synthétiseurs contrastés. L'esthétique visuelle est indissociable, mêlant uniformes stricts et pyrotechnie spectaculaire. Les paroles, souvent en allemand, abordent des thèmes provocateurs (sexualité, critique sociale) livrés par un chant guttural et roulé qui renforce l'impact. Des groupes comme Eisbrecher et Megaherz ont suivi le chemin tracé. La NDH est une prouesse de construction sonore qui a transformé l'héritage industriel allemand en une force mondiale.

✚ PAUL VAN DYK (Germany)

« 45 RPM » (1994)

Before Paul van Dyk became the global trance superstar, he delivered his foundational statement in 1994 with 45 RPM. This debut album was a blueprint for the emotional and melodic dance music of the decade, capturing the raw, post-reunification energy of Berlin while injecting a much-needed sense of melody and structure. The album established his signature style: driving, propulsive rhythms layered with bright, uplifting synth hooks. Crucially, it featured the original iteration of "For an Angel," a track containing the essential, soaring motif that would become a global anthem. 45 RPM signaled a shift, moving electronic music away from utilitarian DJ tools toward a more expressive, uplifting form, laying the groundwork for the genre known simply as Trance.

Avant de devenir la superstar mondiale de la trance, Paul van Dyk a livré sa déclaration fondatrice en 1994 avec 45 RPM. Ce premier album fut un plan directeur pour la musique dance émotionnelle et mélodique, capturant l'énergie post-réunification de Berlin tout en y injectant un sens de la mélodie et de la structure nécessaire. L'album a établi son style signature : des rythmes propulseurs superposés à des accroches de synthé claires et euphoriques. De manière cruciale, il présentait l'itération originale de "For an Angel", un morceau qui contenait déjà le motif essentiel et planant qui deviendrait un hymne mondial. 45 RPM a marqué un tournant, faisant passer la musique électronique des outils de DJ utilitaires à une forme plus expressive et exaltante, jetant les bases du genre connu sous le nom de Trance.

✚ THE CHEMICAL BROTHERS (UK)

"Exit Planet Dust" (1995)

Original lineup: Tom Rowlands + Ed Simons

“Exit Planet Dust” is the first album by The Chemical Brothers and one of the foundational pillars of Big Beat, alongside Fatboy Slim and The Prodigy. It is a pivotal record: it established the foundations of their sound while opening a new path in British electronic music. The album was born at the heart of the Manchester scene, blending rave culture, hip-hop breakbeats, and rock energy.

« Exit Planet Dust » est le premier album des The Chemical Brothers, et l’une des pierres fondatrices du Big Beat, aux côtés de Fatboy Slim ou The Prodigy. C’est un disque charnière : il pose les bases de leur son tout en ouvrant une nouvelle voie dans la musique électronique britannique.Le disque naît au cœur de la scène de Manchester, entre culture rave, breakbeats hip-hop et énergie rock.

◬ BIG BEAT

Big Beat exploded onto the scene in the mid-1990s, offering a potent, high-energy alternative to Trip Hop, and quickly becoming a soundtrack for mainstream youth culture. Its defining characteristic is a throbbing, heavy breakbeat rhythm (often borrowed from funk and hip-hop), delivered with an unmistakable swaggering intensity and stadium-rock grandeur. Pioneered by The Chemical Brothers, Fatboy Slim, and The Prodigy, Big Beat bridged electronic music aficionados and rock fans. The production style is deliberately maximalist, featuring thick, distorted basslines and catchy vocal samples, building to dramatic drops. Big Beat was fundamentally functional dance music designed to move massive crowds. Its muscular, sample-heavy approach influenced everything from nu-metal to modern EDM production, ensuring its commercial legacy.

✚ GOLDIE (UK)

“Timeless” (1995)

Solo Artist: Clifford Joseph Price

Goldie’s 1995 album Timeless is universally celebrated as the masterpiece that elevated Drum'N'Bass (or Jungle) from underground rave music to a sophisticated, critically acclaimed art form. It is an album of monumental ambition due to its complex structure and emotional depth. The centerpiece, “Inner City Life” (21 minutes), marries hyper-fast, deconstructed breakbeats with the ethereal, soulful voice of Diane Charlemagne, creating a striking contrast between urban melancholy and futuristic rhythmic energy. Goldie, a graffiti artist turned musician, infused the work with a visual and narrative aesthetic. Timeless proved that Drum'N'Bass could be listened to far beyond clubs, influencing Neurofunk and atmospheric D'n'B, thus securing Goldie's lasting legacy as a true pioneer.

L'album Timeless de Goldie (1995) est le chef-d'œuvre qui a élevé le Drum'N'Bass (ou Jungle) du statut de musique de rave underground à celui de forme d'art sophistiquée. C'est un album d'une ambition monumentale par sa structure complexe et sa profondeur émotionnelle. La pièce maîtresse, « Inner City Life » (21 minutes), marie des breakbeats hyper-rapides et déconstruits avec la voix soul éthérée de Diane Charlemagne, créant un contraste saisissant entre mélancolie urbaine et énergie rythmique futuriste. Goldie, graffeur devenu musicien, a infusé l'œuvre d'une esthétique visuelle et narrative. Timeless a prouvé que le Drum'N'Bass pouvait être écouté au-delà des clubs, influençant le Neurofunk et le D'n'B atmosphérique, assurant l'héritage de Goldie comme véritable pionnier.

✚ FATBOY SLIM (UK)

« Better Living Through Chemistry » (1996)

Solo Artist: Norman Cook

Fatboy Slim's 1996 debut Better Living Through Chemistry arrived as a chaotic, brilliantly sampled declaration of war on polite dance music, launching the Big Beat genre. Norman Cook finally found his signature sound: a swaggering, high-energy blend of chunky funk, breakbeats, hip-hop samples, and dirty acid house. The album was an exercise in joyous maximalism, designed to soundtrack both huge festivals and club basements. Tracks like "Everybody Needs a 303" and "Going Out of My Head" showcased Cook's talent for weaving obscure samples into undeniable hooks. The record felt like a party in progress, a reckless collision of genres held together by infectious humor. It cemented Cook's status as a musical personality who transformed electronic music into populist, stadium-sized entertainment.

Le premier album de Fatboy Slim, Better Living Through Chemistry (1996), est arrivé comme une déclaration de guerre chaotique contre les contraintes de la dance music, lançant le genre Big Beat. Norman Cook a trouvé son son signature : un mélange fanfaron et hyper-énergique de funk puissant, de breakbeats, de samples hip-hop et de dirty acid house. L'album était un exercice de maximalisme joyeux, conçu pour les festivals et les clubs. Des morceaux comme "Everybody Needs a 303" et "Going Out of My Head" démontraient le talent de Cook pour tisser des boucles et des échantillons obscurs en des accroches indéniables. Le disque donnait l'impression d'être une fête en cours, une collision insouciante de genres tenue par un sens de l'humour contagieux. Il a fait de Cook une personnalité musicale qui a transformé la musique électronique en un divertissement populiste à l'échelle des stades.

✚ DJ SHADOW (UK)

« Endtroducing..... » (1996)

Solo Artist: Joshua Paul Davis

In 1996, DJ Shadow's Endtroducing...... fundamentally reshaped music by being constructed almost entirely from the forgotten dust of vinyl records, with virtually no original performance. This was not mere sampling, but an act of profound musical archaeology, elevating crate-digging to a high art. The Mo' Wax record was a complex, melancholic, and deeply human soundscape built from the remnants of other people's songs. Tracks like "Midnight in a Perfect World" instantly defined the moody, downtempo aesthetic of the era. Recognized by Guinness World Records as the first album composed entirely of samples, it proved that a DJ armed with a turntable and an Akai MPC60 could create a cinematic, emotionally resonant masterpiece.

En 1996, Endtroducing...... de DJ Shadow a remodelé la musique en étant construit presque sans performance originale, entièrement tissé à partir de fragments de vinyles oubliés. Ce n'était pas un simple échantillonnage, mais un acte d'archéologie musicale profonde, élevant le crate-digging au rang d'art. Le disque Mo' Wax était un paysage sonore complexe, mélancolique et humain, construit à partir de restes de chansons. Des morceaux comme "Midnight in a Perfect World" ont défini l'esthétique downtempo de l'ère. Reconnu par Guinness World Records pour être le premier album composé entièrement d'échantillons, il a prouvé qu'un DJ armé d'une platine et d'un Akai MPC60 pouvait créer un chef-d'œuvre cinématographique et émotionnellement résonant.

◬ ABSTRACT HIP HOP / INSTRUMENTAL HIP HOP

Abstract Hip Hop is a deliberate, sonic rebellion against the predictable four-four structures and materialistic narratives of commercial rap, prioritizing experimentation and the sheer art of production. This subgenre, sometimes called experimental hip-hop, actively seeks to destabilize listener expectations, moving beyond the traditional boom-bap rhythm. The producer is often central, with the beat functioning as a sonic collage built on complex, eclectic sampling (jazz, funk, psychedelic rock, electronic music). Pioneer works like DJ Shadow's Endtroducing...... proved an album could be a cinematic experience constructed entirely from sampled fragments. Madlib and J Dilla perfected this style, creating off-kilter rhythms, non-linear structures, and deliberately lo-fi beats. Lyrically, the abstract style trades street narratives for a deep dive into metaphor, symbolism, and stream-of-consciousness. MCs like Aesop Rock employ dense, cryptic wordplay, creating narratives focused on identity, anxiety, and social critique delivered through an oblique lens. Abstract Hip Hop demands active listening, rewarding those who follow its winding path away from the mainstream.

L'Abstract Hip Hop est une rébellion sonore contre les structures prévisibles et les récits matérialistes du rap commercial, privilégiant l'expérimentation et l'art pur de la production. Souvent appelé hip-hop expérimental, il cherche à déstabiliser l'auditeur en s'éloignant du rythme boom-bap. Le producteur est central, le beat étant un collage sonore construit sur un échantillonnage éclectique (jazz, rock psychédélique, électronique). Des pionniers comme DJ Shadow (Endtroducing......) ont prouvé qu'un album pouvait être une expérience cinématographique basée sur des fragments samplés. Madlib et J Dilla ont perfectionné ce style avec des rythmes déséquilibrés et des structures non linéaires, utilisant des pauses inattendues et des beats lo-fi pour un son texturé et surréaliste. L'aspect lyrique échange les récits de rue contre une plongée profonde dans la métaphore et le flux de conscience. Des MCs comme Aesop Rock emploient un jeu de mots dense et cryptique sur des thèmes comme l'anxiété et la critique sociale. L'Abstract Hip Hop exige une écoute active, récompensant ceux qui s'éloignent du courant dominant.

✚ DAFT PUNK (France)

« Homework » (1997)

Original lineup: Thomas Bangalter + Guy-Manuel de Homem-Christo

Homework (1997) is Daft Punk's debut album and one of the records that profoundly redefined global electronic music. It was a true cultural and sonic earthquake. Released when electronic music was largely underground, Homework propelled the French Touch onto the world map. Daft Punk delivered a raw, direct sound, at the crossroads of Chicago house, techno, funk, and a saturated grit that became their signature. The album is an essential document of the invention of a new house sound that would dominate the end of the millennium.

Homework (1997) est le premier album de Daft Punk et un disque qui a profondément redéfini la musique électronique mondiale. Ce fut un véritable séisme culturel et sonore. Sorti à un moment où la musique électronique était principalement underground, Homework propulse la French Touch sur la carte mondiale. Daft Punk propose un son brut, direct, à la croisée de la house de Chicago, de la techno, du funk, et d'un grain saturé devenu leur signature. L'album est un document essentiel de l'invention d'un nouveau son house qui allait dominer la fin du millénaire.

◬ FRENCH TOUCH

The French Touch movement (late 1990s) fundamentally redefined global electronic music, merging disco's shimmering optimism with the raw, filtered energy of house music. This style is characterized by its distinctive use of phasers and chopped-up, sample-heavy grooves. Pioneered by Daft Punk, Cassius, and Air, this sound was a stylish rejection of aggressive techno, opting instead for a smoother, more sensual, and inherently danceable rhythm rooted in funk. The aesthetic extended beyond the music itself, embracing a minimalist, retro-futuristic cool (mirrored helmets, bespoke suits). The scene made French producers international style icons, blurring the lines between high fashion and the club, forever altering the landscape of modern popular music.

Le mouvement French Touch (fin des années 90) a redéfini la musique électronique mondiale, fusionnant l'optimisme scintillant du disco avec l'énergie brute et filtrée de la house music. Ce style se caractérise par son utilisation distinctive de phasers et de grooves hachés et fortement échantillonnés. Lancé par Daft Punk, Cassius et Air, ce son était un rejet stylisé de la techno agressive, optant pour un rythme plus doux, sensuel et intrinsèquement dansant, enraciné dans le funk. L'esthétique s'est étendue au-delà de la musique, embrassant un cool minimaliste et rétro-futuriste (casques miroitants, costumes sur mesure). La scène a fait des producteurs français des icônes de style, brouillant les lignes entre la haute couture et le club, et changeant à jamais le paysage de la musique populaire moderne.e la musique populaire et de la culture club modernes.

✚ COVENANT (Sweden)

« Europa » (1998)

Original lineup: Eskil Simonsson + Joakim Montelius + Clas Nachmanson

Covenant’s 1998 album Europa is often cited as one of the foundational works that defined and popularized the Futurepop sound in the late 1990s. Europa successfully fused the industrial rhythms and percussive power of EBM with more complex, epic, and Trance-like synthesizer melodies. This combination allowed Covenant to stand apart from the darker industrial music of the time. The album contains emblematic tracks illustrating the Futurepop sound: relentless beats, sequenced basslines, and clear vocals carrying science fiction themes. Alongside VNV Nation, Covenant established a new production standard: a cleaner, vaster sound, oriented towards the emotion and energy of the dancefloor.

L'album Europa (1998) de Covenant est une œuvre fondamentale qui a défini et popularisé le son Futurepop à la fin des années 1990. Europa a fusionné les rythmes industriels de l'EBM avec des mélodies de synthétiseur plus complexes, épiques et proches de la Trance. Cette combinaison a permis à Covenant de se distinguer de la musique industrielle sombre. L'album contient des titres emblématiques qui illustrent le Futurepop : beats implacables, lignes de basse séquencées, et voix claires portant des thèmes de science-fiction. Aux côtés de VNV Nation, Covenant a établi une nouvelle norme de production : un son plus propre, plus vaste, et orienté vers l'émotion et l'énergie du dancefloor.

◬ FUTUREPOP

Futurepop is the vibrant meeting point where the icy melodies of Synthpop collide with the pulsed, danceable energy of Trance, creating a sonic hybrid that defined a significant portion of the late 1990s alternative scene. Born primarily in Northern Europe, this style is a more accessible and melodic evolution of EBM, distinguished by high tempo and extremely crisp production. Pioneers like VNV Nation and Covenant infused the percussive, dark rhythmic structures of EBM with epic, uplifting synthesizer pads typical of European Trance. Tracks are characterized by fast sequenced basslines and heavy electronic percussion, but above all, by clear and emotional vocal melodies exploring existential themes. The use of the "Supersaw" synthesizer sound (emblematic of Trance) is an essential technological marker. The genre's success lies in its ability to be both introspective and dance floor-oriented, bridging the gap between Goth/Industrial culture and pure Dance music enthusiasts.

Le Futurepop est le point de rencontre vibrant où les mélodies glaciales du Synthpop rencontrent l'énergie pulsée et dansante de la Trance, créant un hybride sonore qui a défini une partie de la scène alternative de la fin des années 90. Né principalement en Europe du Nord, ce style est une évolution plus accessible et mélodique de l'EBM, se distinguant par un tempo élevé et une production puissante. Des pionniers comme VNV Nation et Covenant ont infusé les structures rythmiques sombres de l'EBM avec les nappes de synthétiseurs uplifting de la Trance européenne. Les morceaux sont caractérisés par des lignes de basse rapides et des percussions lourdes, mais surtout par des mélodies vocales claires et émotionnelles sur des thèmes existentiels. L'utilisation du son "Supersaw" (emblématique de la Trance) est un marqueur technologique essentiel. Le succès du genre réside dans sa capacité à être à la fois introspectif et orienté dance floor, comblant le fossé entre les cultures Goth/Industrial et la Dance pure.

✚ AIR (France)

« Moon Safari » (1998

Original lineup: Nicolas Godin + Jean-Benoît Dunckel

In 1998, the quiet architects from Versailles, Nicolas Godin and Jean-Benoît Dunckel (Air), offered an alternative to aggressive house music: the meticulously crafted, impossibly chic sonic escape of Moon Safari. This debut was a tranquil yet ambitious journey, trading sweaty dance floors for the elegant comfort of the lounge. Unlike their French Touch peers, Air built a sound that felt both retro and futuristic, deliberately embracing '70s synth-pop, lounge-jazz, and a cinematic scope. The opening track, "La Femme D'Argent," instantly established the mission with a lush, melancholic bassline and vintage keys, defining a deeply human form of ambient pop. The album contained the surprise international hit "Sexy Boy," a playful, vocoder-drenched track that oozed effortless sensuality. Moon Safari became the ultimate chill-out soundtrack, a modern classic that established Air as the preeminent masters of space-age bachelor pad music, forever changing the perception of French pop.

En 1998, les architectes de Versailles, Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel (Air), ont offert une alternative au house agressif : l'évasion sonore chic et méticuleusement conçue de Moon Safari. Ce fut un voyage tranquille qui troquait les pistes de danse en sueur pour le confort élégant du lounge. Contrairement à la French Touch de Daft Punk, Air a construit un son à la fois rétro et futuriste, adoptant la synth-pop des années 70 et le lounge-jazz avec une portée cinématographique. Le morceau d'ouverture, "La Femme D'Argent", a instantanément établi la mission avec une ligne de basse mélancolique et des claviers vintage, une forme de pop ambient profondément humaine. L'album contenait le succès international "Sexy Boy", un morceau saturé de vocoder qui dégageait une sensualité naturelle. Moon Safari est devenu la bande sonore chill-out par excellence, un classique moderne qui a transformé la perception de la pop française, enveloppant la puissance futuriste du synthétiseur dans une belle couverture nostalgique.

✚ BASEMENT JAXX (UK)

« Remedy » (1999)

Original lineup: Felix Buxton + Simon Ratcliffe

With their 1999 debut Remedy, Felix Buxton and Simon Ratcliffe (Basement Jaxx) delivered a chaotic, relentlessly joyous answer to the constraints of club music: London house music reborn as a vibrant, multicultural street party. This was not minimal techno or soulful deep house; this was a fusion so energetic it practically burst through the speakers. Remedy solidified their reputation as musical maximalists, creating an eclectic, celebratory sound that paid homage to the roots of house while dragging it gleefully into the future. The album was a dizzying journey, leaping from the gospel-infused urgency of "Red Alert" to the ragga-infused chaos of "Jump N' Shout." Basement Jaxx injected Latin percussion, UK garage breaks, and raw, unrestrained energy into every groove. The inclusion of the massive hit "Rendez-Vu" made the album a cultural snapshot, proving that complexity and a massive party atmosphere could coexist brilliantly.

Avec leur premier album Remedy (1999), Felix Buxton et Simon Ratcliffe (Basement Jaxx) ont livré une réponse chaotique et joyeuse aux contraintes de la musique de club : la house music de Londres renaissant en fête de rue multiculturelle. Ce n'était ni de la techno minimale ni de la deep house mélancolique ; c'était une fusion si énergétique qu'elle explosait des haut-parleurs. Remedy a consolidé leur réputation de maximalistes musicaux, créant un son éclectique et festif en rendant hommage aux racines de la house tout en l'entraînant vers l'avenir. L'album était un voyage vertigineux passant de l'urgence vocale gospel de "Red Alert" au chaos ragga de "Jump N' Shout". Basement Jaxx a injecté de la percussion latine, du UK garage et de l'énergie brute dans chaque sillon. L'inclusion de l'hymne "Rendez-Vu" a fait de l'album un instantané culturel, prouvant que la complexité et une atmosphère de fête massive pouvaient coexister brillamment.