🎓 HISTORY OF ELECTRONIC MUSIC BY T+F RADIO - 80s [Origin]
✚ GRANDMASTER FLASH AND THE FURIOUS FIVE (USA)
"Freedom" (1980)
Original lineup: Grandmaster Flash (Joseph Saddler) + Melle Mel + The Kidd Creole + Keith Cowboy + Mr. Ness/Scorpio
The first notable electronic production by Grandmaster Flash and the Furious Five is the single "Freedom," released in 1980. While their earlier work included innovative DJ techniques and live instrumentation, "Freedom" marked a significant step towards incorporating electronic elements. The song featured synthesizers and drum machines, blending funk and early hip-hop styles. This track set the stage for their later, more famous work, including the groundbreaking "The Message" in 1982, which further cemented their influence in the hip-hop and electronic music scenes.
La première production électronique notable de Grandmaster Flash and the Furious Five est le single "Freedom", sorti en 1980. Alors que leurs premiers travaux incluaient des techniques DJ innovantes et une instrumentation live, "Freedom" marquait une étape significative vers l'incorporation d'éléments électroniques. La chanson comprenait des synthétiseurs et des boîtes à rythmes, mêlant des styles funk et les débuts du hip-hop. Ce morceau a posé les bases pour leurs travaux ultérieurs plus célèbres, notamment le révolutionnaire "The Message" en 1982, qui a encore renforcé leur influence dans les scènes de hip-hop et de musique électronique.
"Industrial
Ambients" (1980) / "Through the Occupied Netherlands" (1983)
Original lineup:
Dejan Knez + Andrej Lupinc + Tomaž Hostnik + Marko Košnik + Ivan Novak
"Industrial
Ambients" can be regarded as a hidden foundation stone of Laibach work,
since it came before all their releases. I’s a collage: not an imitation but
recordings of actual machines. "Through the Occupied Netherlands" is
a cassette released by Laibach in 1983. This cassette is considered one of
their early recordings, showcasing their experimental and industrial sound
before their official debut album. Laibach's early work often featured
provocative themes and avant-garde music styles, setting the stage for their
later career in industrial and electronic music. This cassette release by
Laibach is significant for capturing their early development and establishing
their unique sound, blending political commentary with innovative musical
techniques
"Industrial Ambients" peut être considéré
comme une pierre angulaire cachée du travail de Laibach, puisqu'il précède
toutes leurs autres sorties. C'est un collage : non pas une imitation mais des
enregistrements de machines réelles. "Through the Occupied
Netherlands" est une cassette sortie par Laibach en 1983. Cette cassette
est considérée comme l'une de leurs premières productions, mettant en valeur
leur son expérimental et industriel avant leur premier album officiel. Les
premiers travaux de Laibach étaient souvent caractérisés par des thèmes
provocateurs et des styles de musique avant-gardistes, posant les bases de leur
carrière ultérieure dans la musique industrielle et électronique. Cette sortie
cassette par Laibach est significative car elle capture leur développement
précoce et établit leur son unique, mêlant commentaires politiques et
techniques musicales innovantes.
✚ WHITEHOUSE
(UK)
"Birthdeath
Experience" (1980)
Original lineup: William
Bennett + Philip Best + Peter McKay
Whitehouse, a pioneering
band in the Power electronics and noise music genres, released their first
album "Birthdeath Experience" in 1980. This album is considered their
initial foray into electronic music production. "Birthdeath
Experience" (1980). The album features minimalistic, abrasive soundscapes
characterized by the use of raw electronics, feedback, and distorted vocals. It
set the stage for the Power electronics genre. Heavy use of white noise,
static, and feedback to create an unsettling auditory experience. Aggressive
and often disturbing vocal delivery, processed through various effects to
enhance the harshness. Utilization of early synthesizers and effects pedals to
generate and manipulate sounds. Incorporation of non-musical sounds and
unconventional recording techniques. Lyrical themes and imagery that are
intentionally provocative and confrontational, often exploring taboo subjects. Sparse
and repetitive structures, focusing on intensity and texture rather than melody
or harmony. "Birthdeath Experience" is a landmark album in the
development of the power electronics genre, influencing countless artists in
the noise and industrial music scenes. Whitehouse, founded by William Bennett,
continued to push the boundaries of noise and electronic music throughout their
career, solidifying their place as key figures in the genre.
Whitehouse,
un groupe pionnier dans les genres de la musique power electronics et noise, a
sorti son premier album "Birthdeath Experience" en 1980. Cet album
est considéré comme leur première incursion dans la production de musique électronique.
"Birthdeath Experience" (1980). L'album présente des paysages sonores
minimalistes et abrasifs caractérisés par l'utilisation d'électroniques brutes,
de feedback, et de voix distordues. Il a posé les bases du genre Power
electronics. Utilisation intensive de bruit blanc, de statique et de feedback
pour créer une expérience auditive troublante. Prestation vocale agressive et
souvent perturbante, traitée à travers divers effets pour renforcer la dureté.
Utilisation de synthétiseurs et de pédales d'effets pour générer et manipuler
les sons. Incorporation de sons non-musicaux et de techniques d'enregistrement
non conventionnelles. Thèmes et imageries lyriques intentionnellement
provocateurs et confrontants, explorant souvent des sujets tabous. Structures
rares et répétitives, se concentrant sur l'intensité et la texture plutôt que
sur la mélodie ou l'harmonie. "Birthdeath Experience" est un album
emblématique dans le développement du genre power electronics, influençant
d'innombrables artistes dans les scènes de la musique noise et industrielle.
Whitehouse, fondé par William Bennett, a continué à repousser les limites de la
musique noise et électronique tout au long de leur carrière, solidifiant leur
place en tant que figures clés du genre.
◬ POWER ELECTRONICS / HARSH NOISE / JAPANOISE
Power
electronics emerged from the broader industrial music scene, which included
bands like Throbbing Gristle and SPK. The genre was defined and popularized by
bands like Whitehouse, founded by William Bennett in 1980, and Sutcliffe
Jügend. Early influences include the experimental and avant-garde movements,
particularly the use of non-traditional sounds and noise as a musical element.
The minimalist approach of synth music and the aggressive, confrontational
attitude of punk rock also played roles in shaping the genre. Prominent use of
extremely loud, high-frequency noise, static, and feedback. Heavy distortion applied
to both instrumental and vocal tracks to create an abrasive, harsh sound.
Generally lacks traditional musical elements such as melody and harmony,
focusing instead on texture and intensity. Compositions are often repetitive
and minimalist, emphasizing a relentless, unchanging sound. Themes often
include violence, power, control, and taboo subjects, presented in a deliberately
provocative manner. Live performances may include shocking visuals and
performance art elements, enhancing the confrontational nature of the music.
Power electronics has had a significant impact on the broader noise and
industrial music scenes, influencing a wide range of artists. The genre has
inspired various subgenres and related styles, including death industrial,
harsh noise, and power noise. Power electronics remains a niche genre, often
associated with extreme and controversial themes. Its uncompromising approach
continues to challenge listeners and provoke strong reactions. Power
electronics remains a vital and influential genre within the noise and
experimental music scenes, continually pushing the boundaries of sound and
confronting listeners with its intense and provocative content.
Le Power
electronics a émergé de la scène musicale industrielle plus large, qui incluait
des groupes comme Throbbing Gristle et SPK. Le genre a été défini et popularisé
par des groupes comme Whitehouse, fondé par William Bennett en 1980, et
Sutcliffe Jügend. Les premières influences incluent les mouvements
expérimentaux et avant-gardistes, notamment l'utilisation de sons non
traditionnels et de bruit comme élément musical. L'approche minimaliste de la musique
synthétisée et l'attitude agressive et provocante du punk rock ont également
joué des rôles dans la formation du genre. Utilisation proéminente de bruits
extrêmement forts et de haute fréquence, de statique et de feedback. Distorsion
lourde appliquée aux pistes instrumentales et vocales pour créer un son abrasif
et dur. En général, absence d'éléments musicaux traditionnels tels que la
mélodie et l'harmonie, se concentrant plutôt sur la texture et l'intensité. Les
compositions sont souvent répétitives et minimalistes, mettant l'accent sur un
son implacable et inchangeant. Les thèmes incluent souvent la violence, le
pouvoir, le contrôle et des sujets tabous, présentés de manière délibérément
provocatrice. Les performances en direct peuvent inclure des visuels choquants
et des éléments de performance art, renforçant la nature confrontante de la
musique. Le Power electronics a eu un impact significatif sur les scènes de la
musique noise et industrielle plus larges, influençant une large gamme
d'artistes. Le genre a inspiré divers sous-genres et styles connexes, y compris
le death industrial, le Harsh noise et le power noise. Le Power electronics
reste un genre de niche, souvent associé à des thèmes extrêmes et controversés.
Son approche intransigeante continue de défier les auditeurs et de provoquer de
fortes réactions. Le Power electronics reste un genre vital et influent au sein
des scènes de musique noise et expérimentale, repoussant continuellement les
limites du son et confrontant les auditeurs avec son contenu intense et
provocateur.
✚ SPK
(Australia)
"Information Overload
Unit" (1981)
Original lineup: Graeme
Revell + Neil Hill + David Virgin
SPK, originally formed in
1978 in Australia, was known for their early industrial music sound. Their
first electronic production, which significantly contributed to their
reputation, was the album titled "Information Overload Unit,"
released in 1981. This album marked a pivotal shift for SPK towards a more
electronic and experimental sound, incorporating synthesizers, drum machines,
and industrial noise elements. It exemplifies their early exploration into
electronic music and solidified their place in the industrial music scene of
the early 1980s.
SPK,
formé à l'origine en 1978 en Australie, était connu pour son son de musique
industrielle précoce. Leur première production électronique, qui a contribué de
manière significative à leur réputation, était l'album intitulé
"Information Overload Unit", sorti en 1981. Cet album marque un
tournant décisif pour SPK vers un son plus électronique et expérimental,
intégrant des synthétiseurs, des boîtes à rythmes et des éléments de bruit
industriel. Il illustre leurs premières explorations dans la musique
électronique et a solidifié leur place dans la scène de la musique industrielle
du début des années 1980.
✚ ESPLENDOR GEOMÉTRICO (Spain)
"Necrosis en la Poya"
(1981)
Original lineup: Arturo Lanz + Gabriel Riaza +
Juan Carlos Sastre
The first electronic production by Esplendor
Geométrico, a pioneering Spanish industrial and electronic music group, was
their debut single titled "Necrosis en la Poya". Released in 1981,
this single set the foundation for their distinct sound characterized by harsh
industrial noises, mechanical rhythms, and minimalist structures. The single
features abrasive, repetitive sounds and rhythms that would come to define
Esplendor Geométrico's style. It reflects their early adoption of industrial
and electronic elements, making use of rudimentary synthesizers, drum machines,
and tape manipulation. The band emerged from the post-punk and industrial
scenes, creating a distinctive sound characterized by repetitive, mechanical
rhythms and abrasive noise textures.The name "Esplendor Geométrico"
is derived from the Italian Futurist book "Il Sole in Bicicletta" by
Filippo Tommaso Marinetti, which translates to "Geometric Splendor."
La
première production électronique d'Esplendor Geométrico, un groupe espagnol
pionnier de la musique industrielle et électronique, était leur premier single
intitulé "Necrosis en la Poya". Sorti en 1981, ce single a posé les
bases de leur son distinct caractérisé par des bruits industriels agressifs,
des rythmes mécaniques et des structures minimalistes. Le single présente des
sons et des rythmes abrasifs et répétitifs qui définiraient le style
d'Esplendor Geométrico. Il reflète leur adoption précoce d'éléments industriels
et électroniques, utilisant des synthétiseurs rudimentaires, des boîtes à
rythmes et la manipulation de bandes magnétiques. Le groupe est issu des scènes
post-punk et industrielle, créant un son distinctif caractérisé par des rythmes
mécaniques et répétitifs et des textures sonores abrasives. Le nom
"Esplendor Geométrico" est dérivé du livre futuriste italien "Il
Sole in Bicicletta" de Filippo Tommaso Marinetti, qui se traduit par "Splendeur
géométrique".
◬ RHYTHM 'N' NOISE / POWER NOISE
Rhythm 'n'
Noise, also known as power noise, is a subgenre of industrial music that
emerged in the late 1980s (Esplendor Geometrico) and early 1990s (Converter +
Imminent (Imminent Starvation) + Winterkälte + Sonar + Noisex). It combines elements
of traditional industrial music with the structure and intensity of electronic
dance music, particularly techno and hardcore. The genre was influenced by both
the harsh, experimental sounds of early industrial music and the repetitive,
beat-driven nature of electronic dance music. The genre is defined by repetitive,
aggressive, and often distorted beats. These rhythms are central to the music
and provide a driving force. Heavy use of distortion, both on percussion and
other sounds, creates a harsh and abrasive sonic landscape. This includes
distorted kicks, snares, and synthetic noises. Melody is typically minimal or
absent. When present, melodies are often repetitive and secondary to the
rhythmic and textural elements. The music often evokes imagery of machinery,
factories, and industrial environments. This is reflected both in the sound and
in visual representations. Electronic
Production: Use of synthesizers, drum machines,
and samplers is prevalent. Production techniques emphasize the manipulation of
sounds to create a raw, powerful aesthetic.
Danceable Structure:
Despite its harshness, rhythm 'n' noise often retains a danceable structure,
making it popular in underground clubs. The beats are usually straightforward
and pounding, suitable for rhythmic dancing. Rhythm 'n' noise evolved as a
response to both the experimental nature of early industrial music and the
growing popularity of electronic dance music. It provides a bridge between the
abstract, non-musical sounds of noise music and the structured, rhythmic elements
of dance genres. Over the years, rhythm 'n' noise has influenced and been influenced
by other electronic and industrial subgenres, continuing to evolve while
maintaining its core characteristics.
Rhythm 'n' Noise, également connu sous le nom de
power noise, est un sous-genre de la musique industrielle apparu à la fin des
années 1980 (Esplendor Geometrico) et au début des années 1990 (Converter +
Imminent (Imminent Starvation) + Winterkälte + Sonar + Noisex). Il combine des
éléments de musique industrielle traditionnelle avec la structure et
l'intensité de la musique électronique de danse, en particulier la techno et le
hardcore. Le genre a été influencé à la fois par les sons expérimentaux et
agressifs de la musique industrielle précoce et par la nature rythmique et
répétitive de la musique électronique de danse. Le genre est défini par des
beats répétitifs, agressifs et souvent distordus. Ces rythmes sont au centre de
la musique et fournissent une force motrice. L'utilisation intensive de la
distorsion, tant sur la percussion que sur les autres sons, crée un paysage
sonore rude et abrasif. Cela inclut des coups de pieds distordus, des caisses
claires et des bruits synthétiques. La mélodie est typiquement minimale ou
absente. Lorsqu'elle est présente, les mélodies sont souvent répétitives et
secondaires aux éléments rythmiques et texturaux. La musique évoque souvent des
images de machines, d'usines et d'environnements industriels. Cela se reflète à
la fois dans le son et dans les représentations visuelles. Production
électronique : L'utilisation de synthétiseurs, de boîtes à rythmes et
d'échantillonneurs est prévalente. Les techniques de production mettent
l'accent sur la manipulation des sons pour créer une esthétique brute et
puissante. Structure dansable : Malgré sa rudesse, le rhythm 'n' noise conserve
souvent une structure dansable, ce qui le rend populaire dans les clubs underground.
Les beats sont généralement directs et puissants, adaptés à la danse rythmique.
Le rhythm 'n' noise a évolué en réponse à la fois à la nature expérimentale de
la musique industrielle précoce et à la popularité croissante de la musique
électronique de danse. Il constitue un pont entre les sons abstraits et non
musicaux de la musique bruitiste et les éléments structurés et rythmiques des
genres de danse. Au fil des ans, le rhythm 'n' noise a influencé et été influencé
par d'autres sous-genres électroniques et industriels, continuant d'évoluer
tout en maintenant ses caractéristiques fondamentales.
✚ DEPECHE MODE (UK)
"Dreaming of Me"
(1981)
Original lineup: Dave Gahan
+ Martin Gore + Andy Fletcher + Vince Clarke
Depeche Mode, the iconic
English electronic band, made their first significant electronic production
with the single "Dreaming of Me," released in February 1981. This
debut single marked the beginning of their career and introduced their
synth-pop sound to the world. Shortly after, they released their second single,
"New Life," in June 1981, followed by their debut album "Speak
& Spell" in October 1981, which further established their presence in
the electronic music scene.
Depeche
Mode, le groupe emblématique de musique électronique anglais, a réalisé sa
première production électronique significative avec le single "Dreaming of
Me", sorti en février 1981. Ce premier single marqua le début de leur
carrière et introduisit leur son synth-pop au monde. Peu après, ils publièrent
leur deuxième single, "New Life", en juin 1981, suivi de leur premier
album "Speak & Spell" en octobre 1981, consolidant davantage leur
présence dans la scène musicale électronique.
✚ FRONT 242
(Belgium)
"Principles"
(1981)
Original
lineup: Daniel Bressanutti + Dirk Bergen + Patrick Codenys + Jean-Luc De Meyer
Front 242, a pioneering
Belgian electronic music group, is widely recognized as one of the originators
of the Electronic Body Music (EBM) genre. Their first significant electronic
production was the single "Principles", released in 1981. This single
included the tracks "Body to Body" and "Principles",
marking the band's initial foray into the electronic music scene.Following
"Principles," Front 242 released their debut album
"Geography" in 1982, which further established their innovative sound
characterized by aggressive electronic beats, synthesized melodies, and
politically charged lyrics.
Front
242, un groupe belge pionnier de la musique électronique, est largement reconnu
comme l'un des précurseurs du genre Electronic Body Music (EBM). Leur première
production électronique significative fut le single "Principles",
sorti en 1981. Ce single incluait les morceaux "Body to Body" et
"Principles", marquant les premiers pas du groupe dans la scène de la
musique électronique. Après "Principles", Front 242 sortit son
premier album "Geography" en 1982, qui consolida davantage leur son
innovant caractérisé par des beats électroniques agressifs, des mélodies
synthétisées et des paroles politiquement engagées.
✚ MERZBOW (Japan)
"Material Action 2
(N.A.M.)" (1981)
Merzbow, the project of
Japanese musician Masami Akita, is known for pioneering noise music and
electronic experimental music. His first electronic production is often
considered to be the album "Material Action 2 (N.A.M.)", released in
1981. The album is characterized by its raw, experimental approach, using
feedback, distortion, and various noise techniques. "Material Action for 2
Microphones" is significant as it showcases Merzbow's early methods and
ideas that he would continue to develop throughout his prolific career. This
production set the foundation for his unique style and established him as a
pioneering figure in the noise music genre. This album showcases Akita's early
explorations into harsh noise and electronic soundscapes, which would become
the hallmark of Merzbow's extensive and influential discography.
Merzbow, le projet du musicien japonais Masami
Akita, est connu pour être un pionnier de la musique noise et de la musique
expérimentale électronique. Sa première production électronique est souvent
considérée comme étant l'album "Material Action 2 (N.A.M.)", sorti en
1981. L'album se caractérise par une approche brute et expérimentale, utilisant
le feedback, la distorsion et diverses techniques de bruit. "Material
Action for 2 Microphones" est significatif car il présente les premières
méthodes et idées de Merzbow qu'il continuerait à développer tout au long de sa
carrière prolifique. Cette production a posé les bases de son style unique et
l'a établi comme une figure pionnière dans le genre de la musique noise. Cet
album met en valeur les premières explorations d'Akita dans les paysages
sonores bruts et les bruits électroniques, qui deviendraient la marque de
fabrique de la discographie étendue et influente de Merzbow.
✚ CYBOTRON
(USA)
"Alleys of Your
Mind" (1981)
Original lineup: Juan Atkins
+ Richard "3070" Davis
Cybotron's first electronic
production is the single "Alleys of Your Mind," released in 1981.
Cybotron is considered a pioneering group in the development of Detroit techno.
"Alleys of Your Mind" combined futuristic electronic sounds with funk
influences, laying the groundwork for the emerging techno genre. This track was
a key early example of the innovative use of synthesizers and drum machines
that would define Cybotron's sound and influence the broader electronic music
landscape. Juan Atkins, through Cybotron
and subsequent solo work, played a crucial role in laying the groundwork for
techno music. His innovative use of technology and production techniques
influenced generations of electronic music producers. Cybotron's influence
extends beyond their native Detroit, impacting electronic music scenes worldwide.
Their sound has been embraced by DJs, producers, and fans of electro, techno,
and other forms of electronic dance music.
La
première production électronique de Cybotron est le single "Alleys of Your
Mind", sorti en 1981. Cybotron est considéré comme un groupe pionnier dans
le développement du techno de Détroit. "Alleys of Your Mind"
combinait des sons électroniques futuristes avec des influences funk, posant
les bases du genre techno émergent. Ce morceau est un exemple clé de
l'utilisation innovante de synthétiseurs et de boîtes à rythmes qui définirait
le son de Cybotron et influencerait le paysage musical électronique global.
Juan Atkins, à travers Cybotron et ses travaux solos ultérieurs, a joué un rôle
crucial dans l'établissement des bases de la musique techno. Son utilisation
innovante de la technologie et des techniques de production a influencé des
générations de producteurs de musique électronique. L'influence de Cybotron
s'étend au-delà de Detroit, impactant les scènes musicales électroniques à travers
le monde. Leur son a été adopté par des DJs, des producteurs et des fans
d'électro, de techno et d'autres formes de musique électronique dance.
◬ TECHNO
Techno music emerged in the
early 1980s in Detroit, United States, primarily pioneered by three key figures
known as the Belleville Three: Juan Atkins, Kevin Saunderson, and Derrick May.
The genre developed as a fusion of various influences, including electronic
dance music, funk, electro, and futuristic themes inspired by science fiction
and technology. Techno music is characterized by its use of electronic
instruments such as synthesizers, drum machines (e.g., Roland TR-808, TR-909),
and sequencers. These tools are used to create repetitive, hypnotic rhythms,
synthetic textures, and atmospheric soundscapes. Similar to house music, techno
typically features a four-on-the-floor beat pattern, with a kick drum hitting
on every beat (1, 2, 3, 4). This rhythmic foundation is essential for its
dancefloor-oriented appeal and provides a steady pulse for DJs and dancers.
Techno often embraces minimalistic arrangements and repetitive motifs, focusing
on the hypnotic and immersive qualities of its sound. The use of looped
sequences and evolving textures creates a sense of progression and intensity
over extended periods of time. Techno music explores themes of futurism,
technology, urban landscapes, and the human-machine relationship. Its sound is
often described as "futuristic" or "sci-fi," reflecting the
genre's roots in imagining new sonic possibilities through electronic
instrumentation. Techno has diversified into various subgenres over the years,
including Detroit techno, acid techno, minimal techno, and industrial techno,
among others. Each subgenre incorporates distinct stylistic elements and
influences, catering to different moods, settings, and audience preferences.
Techno music has had a profound global influence, spreading from its origins in
Detroit to become a dominant force in electronic dance music worldwide. It is
closely associated with underground club culture, where DJs and producers
experiment with new sounds and push artistic boundaries. Pioneering artists in
techno include Juan Atkins (Cybotron, Model 500), Kevin Saunderson (Inner City,
Reese Project), and Derrick May, along with European artists like Carl Cox,
Jeff Mills, and Richie Hawtin. Tracks such as "Clear" by Cybotron,
"Strings of Life" by Derrick May, and "Alleys of Your Mind"
by Juan Atkins are seminal classics that helped define the genre. Overall,
techno music represents a forward-thinking and innovative approach to
electronic music production, emphasizing rhythmic exploration, sonic
experimentation, and a connection to urban and technological landscapes. Its
enduring popularity and influence continue to shape the global electronic music
scene today.
La
musique Techno a émergé au début des années 1980 à Détroit, aux États-Unis,
principalement sous l'impulsion de trois figures clés connues sous le nom de
Belleville Three : Juan Atkins, Kevin Saunderson et Derrick May. Le genre s'est
développé en fusionnant diverses influences, notamment la musique électronique
de danse, le Funk, l'Electro et des thèmes futuristes inspirés de la
science-fiction et de la technologie. La musique Techno se caractérise par
l'utilisation d'instruments électroniques tels que des synthétiseurs, des
boîtes à rythmes (par exemple, Roland TR-808, TR-909) et des séquenceurs. Ces
outils sont utilisés pour créer des rythmes répétitifs et hypnotiques, des
textures synthétiques et des paysages sonores atmosphériques. Similaire à la House music, la techno présente généralement un schéma rythmique
"four-on-the-floor", avec une grosse caisse frappant à chaque temps
(1, 2, 3, 4). Cette fondation rythmique est essentielle pour son attrait
orienté vers le dancefloor et fournit une pulsation régulière pour les DJs et
les danseurs. La Techno embrasse souvent des arrangements minimalistes et des
motifs répétitifs, se concentrant sur les qualités hypnotiques et immersives de
son son. L'utilisation de séquences bouclées et de textures évolutives crée un
sentiment de progression et d'intensité sur des périodes prolongées. La musique Techno explore des thèmes de futurisme, de technologie, de paysages urbains et
de la relation homme-machine. Son son est souvent décrit comme "futuriste"
ou "sci-fi", reflétant les racines du genre dans l'imagination de
nouvelles possibilités sonores à travers l'instrumentation électronique. La Techno s'est diversifiée en plusieurs sous-genres au fil des ans, notamment la
techno de Détroit, la techno acide, la techno minimale et la techno
industrielle, entre autres. Chaque sous-genre incorpore des éléments
stylistiques distincts et des influences, répondant à différents humeurs,
environnements et préférences du public. La musique techno a eu une profonde
influence mondiale, se propageant de ses origines à Détroit pour devenir une
force dominante dans la musique électronique dance mondiale. Elle est
étroitement associée à la culture club underground, où les DJs et les
producteurs expérimentent de nouveaux sons et repoussent les limites
artistiques. Les artistes pionniers de la Techno incluent Juan Atkins
(Cybotron, Model 500), Kevin Saunderson (Inner City, Reese Project) et Derrick
May, ainsi que des artistes européens comme Carl Cox, Jeff Mills et Richie
Hawtin. Des morceaux comme "Clear" de Cybotron, "Strings of
Life" de Derrick May et "Alleys of Your Mind" de Juan Atkins
sont des classiques emblématiques qui ont contribué à définir le genre. Dans
l'ensemble, la musique Techno représente une approche novatrice et
avant-gardiste de la production musicale électronique, mettant l'accent sur
l'exploration rythmique, l'expérimentation sonore et une connexion avec les
paysages urbains et technologiques. Sa popularité durable et son influence
continuent de façonner la scène mondiale de la musique électronique
aujourd'hui.
✚ AFRIKA
BAMBAATAA & SOULSONIC FORCE (USA)
"Planet Rock"
(1982)
Original lineup: Afrika
Bambaataa + DJ Jazzy Jay + Mr. Biggs + Pow Wow + GLOBE
Afrika Bambaataa &
Soulsonic Force were pioneers in the early days of hip-hop and electro-funk.
Their first electronic production is the seminal track "Planet Rock,"
released in 1982. This track is widely regarded as a groundbreaking work in the
hip-hop and electronic music scenes. "Planet Rock" was notable for its
innovative use of the Roland TR-808 drum machine and sampling of Kraftwerk's
"Trans-Europe Express" and "Numbers." The fusion of hip-hop
beats with electronic sounds helped pave the way for the electro genre and had
a lasting impact on the development of electronic dance music.
Afrika
Bambaataa & Soulsonic Force furent des pionniers aux débuts du hip-hop et
de l'électro-funk. Leur première production électronique est le titre
emblématique "Planet Rock", sorti en 1982. Ce morceau est largement
reconnu comme une œuvre révolutionnaire dans les scènes du hip-hop et de la
musique électronique. "Planet Rock" se distingue par son utilisation
innovante de la boîte à rythmes Roland TR-808 et son échantillonnage des
morceaux de Kraftwerk "Trans-Europe Express" et "Numbers".
La fusion des rythmes hip-hop avec des sons électroniques a contribué à ouvrir
la voie au genre électro et a eu un impact durable sur le développement de la
musique électronique dance.
◬ ELECTRO / ELECTRO FUNK
Electro, also known as
electro-funk, emerged in the early 1980s primarily in the United States,
particularly in cities like New York and Detroit. It evolved as a fusion of
funk music with electronic instrumentation and production techniques. Electro
was influenced by the rise of synthesizers and drum machines, such as the
Roland TR-808 and TR-909, which played a crucial role in shaping its rhythmic
and futuristic sound. Rhythmic Foundation: Electro is characterized by its
distinctively robotic and funk-inspired rhythms. It features syncopated beats,
crisp drum machine patterns, and often incorporates elements of hip-hop and
funk music. Key electronic instruments used in electro include synthesizers,
drum machines, and sequencers. These instruments are used to create dynamic
basslines, catchy melodies, and rhythmic grooves that define the genre. Electro
often features vocoder-processed vocals or robotic vocal effects, adding to its
futuristic and synthetic aesthetic. Lyrics typically explore themes of
technology, urban life, partying, and social commentary. Electro played a
significant role in the development of electronic dance music (EDM),
influencing genres like techno, house, and breakbeat. Its energetic and
danceable rhythms made it popular in clubs and parties, where DJs and producers
incorporated its elements into their own music. Electro music was closely
associated with the breakdancing and hip-hop culture of the early 1980s. It
provided a rhythmic backdrop for breakdancers and served as a soundtrack for
urban youth culture. Pioneering artists in the electro genre include Afrika
Bambaataa & The Soulsonic Force ("Planet Rock"), Kraftwerk
("Numbers"), and Hashim ("Al-Naafiysh (The Soul)"). These
artists and their tracks exemplified the fusion of electronic sounds with funk
and hip-hop influences, establishing electro as a distinct genre within the
broader electronic music landscape. Overall, electro music represents a blend
of funk, hip-hop, and electronic music elements, characterized by its
innovative use of technology and its influence on the evolution of dance music.
Its legacy continues to resonate in contemporary electronic music genres and
remains influential in the history of popular music.
L'Electro,
également connue sous le nom d'Electro-funk, a émergé au début des années 1980
principalement aux États-Unis, notamment dans des villes comme New York et
Detroit. Elle a évolué en fusionnant la musique Funk avec des instruments
électroniques et des techniques de production. L'Electro a été influencée par
la montée des synthétiseurs et des boîtes à rythmes, telles que les Roland
TR-808 et TR-909, qui ont joué un rôle crucial dans le façonnement de son son
rythmique et futuriste. Fondations rythmiques : L'Electro se caractérise par
ses rythmes robotiques distinctifs et inspirés du Funk. Elle présente des beats
syncopés, des motifs nets de boîtes à rythmes, et incorpore souvent des
éléments de musique Hip-hop et funk. Les instruments électroniques clés
utilisés dans l'Electro comprennent des synthétiseurs, des boîtes à rythmes et
des séquenceurs. Ces instruments sont utilisés pour créer des lignes de basse
dynamiques, des mélodies accrocheuses et des grooves rythmiques qui définissent
le genre. L'Electro inclut souvent des voix traitées au vocoder ou des effets
vocaux robotiques, contribuant à son esthétique futuriste et synthétique. Les
paroles explorent généralement des thèmes comme la technologie, la vie urbaine,
les fêtes et les commentaires sociaux. L'Electro a joué un rôle significatif
dans le développement de la musique électronique dance (EDM), influençant des
genres tels que la Techno, la House et le Breakbeat. Ses rythmes énergiques et
dansants l'ont rendue populaire dans les clubs et les fêtes, où les DJs et les
producteurs ont intégré ses éléments dans leur propre musique. L'Electro était
étroitement associée à la culture du breakdance et du Hip-hop du début des
années 1980. Elle a fourni un fond sonore rythmique pour les breakdancers et a
servi de bande sonore pour la culture urbaine jeune. Les artistes pionniers du
genre Electro incluent Afrika Bambaataa & The Soulsonic Force ("Planet
Rock"), Kraftwerk ("Numbers") et Hashim ("Al-Naafiysh (The
Soul)"). Ces artistes et leurs morceaux ont illustré la fusion des sons
électroniques avec les influences funk et Hip-hop, établissant l'Electro comme
un genre distinct au sein du paysage plus large de la musique électronique.
Dans l'ensemble, la musique Electro représente un mélange de Funk, de Hip-hop
et d'éléments de musique électronique, caractérisé par son utilisation
innovante de la technologie et son influence sur l'évolution de la musique
dance. Son héritage continue de résonner dans les genres contemporains de la
musique électronique et reste influent dans l'histoire de la musique populaire.
✚ SKINNY PUPPY (Canada)
"Back & Forth"
(1984)
Original lineup: cEvin Key +
Nivek Ogre + Kevin "Dwayne Goettel
Skinny Puppy, a Canadian
electro-industrial music group, made their first significant electronic
production with the EP "Back & Forth," released in 1984. This
debut EP, originally released as a limited cassette, featured early tracks that
showcased their dark, experimental sound, characterized by heavy use of
synthesizers, samples, and aggressive beats. This release marked the beginning
of Skinny Puppy's influential career in the industrial music scene. Skinny
Puppy were pioneers in the use of sampling, incorporating sounds from movies,
news broadcasts, and other sources into their music. This technique became a
hallmark of industrial music and influenced a wide range of electronic genres.
Their innovative approach to sampling paved the way for future artists to
experiment with sound collage and digital manipulation.
Skinny
Puppy, un groupe canadien de musique electro-industrielle, a réalisé sa première
production électronique significative avec l'EP "Back & Forth",
sorti en 1984. Cet EP inaugural, initialement publié en cassette limitée,
présentait des premiers morceaux qui illustraient leur son sombre et
expérimental, caractérisé par une utilisation intensive de synthétiseurs,
d'échantillons et de beats agressifs. Cette sortie marqua le début de la
carrière influente de Skinny Puppy dans la scène de la musique industrielle.
Skinny Puppy fut un pionnier dans l'utilisation de l'échantillonnage, incorporant
des sons de films, de bulletins d'information et d'autres sources dans leur
musique. Cette technique devint une marque distinctive de la musique
industrielle et influença une large gamme de genres électroniques. Leur
approche innovante de l'échantillonnage ouvrit la voie à des artistes futurs
pour expérimenter avec le collage sonore et la manipulation numérique.
◬ DARK ELECTRO / ELECTRO-INDUSTRIAL
Electro-Industrial and Dark
Electro emerged in the late 1980s and early 1990s as subgenres of industrial
music, itself a product of the experimental and avant-garde music scenes of the
1970s. These genres developed primarily in Europe and North America, blending
elements of industrial, electronic, and sometimes synth-pop or EBM (Electronic
Body Music) influences. They arose during a period when industrial music was
diversifying into various subgenres, each with its own sonic characteristics
and thematic focuses. Electro-Industrial: Combines harsh, mechanical sounds
with rhythmic elements derived from electronic dance music (such as EBM). It
often features distorted vocals, aggressive beats, and a focus on industrial
noise textures. Dark Electro: Emphasizes a darker, more atmospheric approach
compared to traditional electro-industrial. It incorporates haunting melodies,
eerie synthesizer lines, and often explores themes of dystopia, horror, or
psychological introspection. Both genres make extensive use of electronic
instruments, including synthesizers, drum machines, samplers, and sequencers.
The production techniques often include heavy use of effects like distortion,
reverb, and sampling to create a dense, atmospheric sound. Vocals in
electro-industrial and dark electro can vary from harsh, processed shouting or
screaming to more melodic or haunting singing styles. Lyrically, these genres
explore themes such as technology, societal decay, existentialism, and the
human condition in a modern, industrialized world. Electro-industrial and dark
electro have strong ties to underground club scenes, particularly in Europe and
North America. Their rhythmic and intense soundscapes make them popular in
industrial/gothic clubs and alternative music venues. Electro-Industrial: Bands
like Front Line Assembly, Skinny Puppy, and Ministry were pioneers in defining
the electro-industrial sound. Labels such as Wax Trax! Records played a
significant role in promoting and distributing electro-industrial music. Artists like :Wumpscut: and Hocico are known for their contributions
to dark electro, pushing the boundaries of the genre with their atmospheric
compositions and intense lyrical themes. Over time, electro-industrial and dark
electro have evolved and blended with other genres such as techno, ambient, and
even metal, resulting in diverse and hybridized sounds within the industrial
music spectrum. In summary, electro-industrial and dark electro represent
distinct yet interconnected subgenres within the broader industrial music
scene, characterized by their abrasive soundscapes, thematic exploration of
darkness and dystopia, and their enduring appeal within underground music
cultures worldwide.
L'Electro-industriel et le Dark electro ont émergé à
la fin des années 1980 et au début des années 1990 en tant que sous-genres de
la musique industrielle, elle-même issue des scènes de musique expérimentale et
avant-gardiste des années 1970. Ces genres se sont principalement développés en
Europe et en Amérique du Nord, mêlant des éléments de musique industrielle,
électronique, et parfois des influences Synth-pop ou EBM (Electronic Body
Music). Ils ont émergé à une époque où la musique industrielle se diversifiait
en différents sous-genres, chacun avec ses propres caractéristiques sonores et
thématiques. L'Electro-industriel : Combine des sons durs et mécaniques avec
des éléments rythmiques issus de la musique électronique dansante (comme
l'EBM). Il met souvent en avant des voix distordues, des rythmes agressifs, et
se concentre sur les textures de bruit industriel. Le Dark electro : Met
l'accent sur une approche plus sombre et atmosphérique par rapport à
l'électro-industriel traditionnel. Il intègre des mélodies inquiétantes, des
lignes de synthétiseur sinistres, et explore souvent des thèmes de dystopie,
d'horreur, ou d'introspection psychologique. Les deux genres font un usage
intensif d'instruments électroniques, y compris des synthétiseurs, des boîtes à
rythmes, des échantillonneurs et des séquenceurs. Les techniques de production
incluent souvent une utilisation poussée d'effets tels que la distorsion, la
réverbération et l'échantillonnage pour créer un son dense et atmosphérique.
Les voix dans l'Electro-industriel et le Dark electro peuvent varier du cri ou
du hurlement traité de manière dure à des styles de chant plus mélodiques ou
inquiétants. Sur le plan des paroles, ces genres explorent des thèmes tels que
la technologie, la décadence sociale, l'existentialisme et la condition humaine
dans un monde industrialisé moderne. L'Electro-industriel et le Dark electro
sont étroitement liés aux scènes de clubs underground, notamment en Europe et
en Amérique du Nord. Leurs paysages sonores rythmiques et intenses les rendent
populaires dans les clubs industriels/gothiques et les lieux de musique alternative.
Électro-industriel : Des groupes comme Front Line Assembly, Skinny Puppy et
Ministry ont été des pionniers dans la définition du son Electro-industriel.
Des labels comme Wax Trax! Records ont joué un rôle significatif dans la
promotion et la distribution de la musique électro-industrielle. Des artistes comme :Wumpscut: et Hocico sont connus pour leurs contributions au Dark electro, repoussant les limites du genre avec leurs compositions
atmosphériques et leurs thèmes lyriques intenses. Au fil du temps,
l'Electro-industriel et le Dark electro ont évolué et fusionné avec d'autres
genres tels que la Techno, l'Ambient et même le Metal, donnant lieu à des sons
diversifiés et hybrides dans le spectre de la musique industrielle. En résumé,
l'Electro-industriel et le Dark electro représentent des sous-genres distincts
mais interconnectés au sein de la scène plus large de la musique industrielle,
caractérisés par leurs paysages sonores abrasifs, leur exploration thématique
de l'obscurité et de la dystopie, et leur attrait durable au sein des cultures
musicales underground à travers le monde.
✚ MINISTRY (USA)
"Cold Life" (1981)
/ "Twitch" (1986)
Original lineup: Al
Jourgensen + Stephen George
The first electronic
production by Ministry was their debut single "Cold Life," released
in 1981. Ministry, originally formed by Al Jourgensen, started with a synth-pop
sound before transitioning into industrial rock. "Cold Life"
showcased their early electronic influences and set the stage for their later
aggressive industrial style that would define much of their career. The first
industrial rock album by Ministry is widely considered to be
"Twitch," released in 1986. This album marked a significant departure
from their earlier synth-pop sound, embracing a more aggressive and
industrial-influenced approach. Tracks like "All Day Remix,"
"The Nature of Love," and "Over the Shoulder" showcased
Ministry's transition towards a heavier, guitar-driven sound that would become
characteristic of their later industrial rock style. Albums like "The Land
of Rape and Honey" (1988) and "The Mind Is a Terrible Thing to
Taste" (1989) helped define the industrial metal sound.
La
première production électronique de Ministry était leur premier single
"Cold Life", sorti en 1981. Ministry, formé à l'origine par Al
Jourgensen, a commencé avec un son synth-pop avant de passer au rock
industriel. "Cold Life" a mis en avant leurs premières influences
électroniques et a posé les bases pour leur style industriel agressif ultérieur
qui allait définir une grande partie de leur carrière. Le premier album de rock
industriel de Ministry est largement considéré comme étant "Twitch",
sorti en 1986. Cet album marquait un départ significatif de leur son synth-pop
précédent, adoptant une approche plus agressive influencée par l'industriel.
Des titres comme "All Day Remix", "The Nature of Love" et
"Over the Shoulder" ont illustré la transition de Ministry vers un
son plus lourd et orienté guitare, qui deviendrait caractéristique de leur
style de rock industriel ultérieur. Des albums comme "The Land of Rape and
Honey" (1988) et "The Mind Is a Terrible Thing to Taste" (1989)
ont contribué à définir le son du metal industriel.
◬ INDUSTRIAL ROCK / INDUSTRIAL METAL
Industrial rock music is
characterized by its use of harsh, abrasive sounds, distorted guitars,
synthesizers, and often confrontational lyrics dealing with themes of
industrialization, technology, and social issues. It has continued to evolve
over the decades, influencing numerous subgenres and artists within the broader
realm of alternative and electronic music. Industrial metal emerged in the late
1980s and early 1990s, combining elements of industrial music and heavy metal.
Key characteristics of industrial music, such as the use of synthesizers,
sequencers, and sampling, were fused with the aggressive guitar riffs, powerful
drumming, and overall heaviness of metal music. The genre is known for its
mechanical and abrasive sound, often reflecting themes of dystopia, technology,
and societal issues. The genre's origins can be traced back to pioneering bands
and artists who experimented with blending the sounds and aesthetics of
industrial and metal music. Ministry - Albums like "The Land of Rape and
Honey" (1988) and "The Mind Is a Terrible Thing to Taste" (1989)
helped define the industrial metal sound. Godflesh - Their 1989 debut album
"Streetcleaner" is considered a seminal industrial metal record. Nine
Inch Nails - Although more commonly associated with industrial rock, their
heavier tracks contributed to the genre's development. Killing Joke - Their
earlier post-punk and industrial sounds evolved into a heavier style that
influenced industrial metal. Guitars play a prominent role, with heavily
distorted and down-tuned riffs. The sound is often harsh and mechanical.
Synthesizers, sequencers, and samples are integral, creating an electronic and
industrial atmosphere. Drum machines are often used alongside live drums.
Vocals range from harsh and shouted to processed and distorted, fitting the
abrasive nature of the music. The genre features precise, repetitive, and often
machine-like rhythms. This can include programmed beats, looped samples, and
tight, synchronized drumming. Lyrics and themes often explore topics like
dystopia, technology, dehumanization, political corruption, and societal decay.
The visual and artistic elements often include industrial imagery, such as
factories, machinery, and futuristic or apocalyptic themes.
Le Rock industriel se caractérise par
l'utilisation de sons durs et abrasifs, de guitares distordues, de
synthétiseurs, ainsi que par des paroles souvent confrontationnelles abordant
des thèmes liés à l'industrialisation, à la technologie et aux problèmes
sociaux. Elle a continué à évoluer au fil des décennies, influençant de
nombreux sous-genres et artistes dans le vaste domaine de la musique
alternative et électronique. Le Metal industriel a émergé à la fin des années
1980 et au début des années 1990, combinant des éléments de musique
industrielle et de Heavy metal. Des caractéristiques clés de la musique
industrielle, telles que l'utilisation de synthétiseurs, de séquenceurs et
d'échantillonnage, ont été fusionnées avec les riffs de guitare agressifs, la
puissance de la batterie et l'ensemble lourd du Metal. Le genre est connu pour
son son mécanique et abrasif, reflétant souvent des thèmes de dystopie, de technologie
et de problèmes sociaux. Les origines du genre remontent à des groupes et
artistes pionniers qui ont expérimenté en mélangeant les sons et les
esthétiques de la musique industrielle et du Metal. Ministry - Les albums comme
"The Land of Rape and Honey" (1988) et "The Mind Is a Terrible
Thing to Taste" (1989) ont contribué à définir le son du metal industriel.
Godflesh - Leur premier album "Streetcleaner" de 1989 est considéré
comme un disque Industriel metal fondateur. Nine Inch Nails - Bien que plus
souvent associé au Rock industriel, leurs morceaux plus lourds ont contribué au
développement du genre. Killing Joke - Leur son post-punk et industriel initial
a évolué vers un style plus lourd qui a influencé le Metal industriel. Les
guitares jouent un rôle prépondérant avec des riffs fortement distordus et
accordés bas. Le son est souvent dur et mécanique. Les synthétiseurs,
séquenceurs et échantillons sont essentiels, créant une atmosphère électronique
et industrielle. Les boîtes à rythmes sont souvent utilisées en complément de
la batterie live. Les voix vont de criardes et hurlées à traitées et
distordues, s'adaptant à la nature abrasive de la musique. Le genre se
caractérise par des rythmes précis, répétitifs et souvent mécaniques. Cela peut
inclure des rythmes programmés, des échantillons en boucle et une batterie
serrée et synchronisée. Les paroles et les thèmes explorent souvent des sujets
tels que la dystopie, la technologie, la déshumanisation, la corruption politique
et la décadence sociale. Les éléments visuels et artistiques incluent souvent
des images industrielles, telles que des usines, des machines, ainsi que des
thèmes futuristes ou apocalyptiques.
✚ LUSTMORD
(UK)
"Paradise
Disowned" (1986)
Original lineup: Brian
Williams
A seminal figure in dark
ambient, Lustmord’s album is a landmark
work. He uses deep drones, eerie atmospheres, and field recordings to create
unsettling soundscapes. Lustmord's collaborations with artists like Robert Rich
further cemented his influence. The album showcases Lustmord's mastery of sound
design and his ability to create immersive, atmospheric experiences through
electronic music.
Figure emblématique de
l'ambient sombre, Lustmord a marqué l'histoire avec son album phare. Il utilise
des drones profonds, des atmosphères inquiétantes et des enregistrements de
terrain pour créer des paysages sonores troublants. Les collaborations de
Lustmord avec des artistes comme Robert Rich ont encore renforcé son influence.
L'album met en avant la maîtrise de Lustmord en matière de design sonore et sa
capacité à créer des expériences immersives et atmosphériques à travers la
musique électronique.
◬ DARK AMBIENT
Dark ambient music emerged
in the 1980s as a subgenre of ambient music, characterized by its ominous,
eerie, and often unsettling atmosphere. It is rooted in experimental and
industrial music, incorporating elements of noise, drone, and electronic
manipulation to create haunting soundscapes that evoke feelings of dread,
mystery, or introspection. Dark ambient music developed as artists and
musicians sought to explore darker and more introspective themes through sound.
It draws inspiration from various sources, including experimental composers
like Brian Eno, early industrial music pioneers such as Throbbing Gristle and Coil,
and the atmospheric and cinematic qualities found in certain types of film
scores. Atmosphere: Dark ambient music focuses heavily on creating a particular
atmosphere, often using slow and evolving sound textures that can evoke a sense
of desolation, isolation, or a haunted environment. It utilizes
unconventional sound sources, field recordings, manipulated samples, and
electronic synthesis to create unique and often unsettling sonic landscapes. Dark ambient tends to be minimalistic in structure, with repetitive
or slowly evolving motifs that emphasize mood over melody or rhythm. The genre explores themes such as decay, mortality, dystopia, the supernatural,
and psychological states like fear and anxiety. Visual and Narrative
Associations: Many dark ambient compositions evoke visual or narrative
associations, often described as "soundtracks for imaginary films" or
as creating a sense of being in a dark, mysterious space. Cross-genre
Influence: Dark ambient often intersects with genres like industrial, drone,
neoclassical, and even elements of metal or experimental electronic music,
blending influences to create diverse and expansive sonic landscapes. Artists
like Lustmord, Raison d'être, and Robert Rich are among those who have
contributed significantly to the development and popularization of dark ambient
music, each bringing their own unique approach to crafting evocative and
atmospheric soundscapes.
Le Dark
ambient a émergé dans les années 1980 comme un sous-genre de la musique Ambient, caractérisé par son atmosphère inquiétante, sinistre et souvent
troublante. Elle est enracinée dans la musique expérimentale et industrielle,
incorporant des éléments de bruit, de drone et de manipulation électronique
pour créer des paysages sonores hantés qui évoquent des sentiments de peur, de
mystère ou d'introspection. La musique Dark ambient s'est développée alors que
des artistes et des musiciens cherchaient à explorer des thèmes plus sombres et
introspectifs à travers le son. Elle puise son inspiration de diverses sources,
y compris des compositeurs expérimentaux comme Brian Eno, les pionniers de la
musique industrielle précoce tels que Throbbing Gristle et Coil, et les
qualités atmosphériques et cinématographiques présentes dans certains types de
bandes sonores de films. Atmosphère : La musique Dark ambient se concentre
fortement sur la création d'une atmosphère particulière, utilisant souvent des
textures sonores lentes et évolutives qui peuvent évoquer un sentiment de
désolation, d'isolement ou d'environnement hanté. Conception sonore : Elle
utilise des sources sonores non conventionnelles, des enregistrements de
terrain, des échantillons manipulés et la synthèse électronique pour créer des
paysages sonores uniques et souvent inquiétants. Minimalisme : Le Dark ambient
tend à être minimaliste dans sa structure, avec des motifs répétitifs ou
lentement évolutifs qui mettent l'accent sur l'humeur plutôt que sur la mélodie
ou le rythme. Le genre explore des thèmes tels que la décomposition,
la mortalité, la dystopie, le surnaturel et des états psychologiques comme la
peur et l'anxiété.De nombreuses
compositions Dark ambient évoquent des associations visuelles ou narratives,
souvent décrites comme des "bandes sonores pour des films imaginaires"
ou comme créant un sentiment de se trouver dans un espace sombre et mystérieux. Le Dark ambient intersecte souvent avec des genres
comme l'Industriel, le Drone, le Néoclassique et même des éléments de Métal ou
de musique électronique expérimentale, mélangeant des influences pour créer des
paysages sonores diversifiés et expansifs. Des artistes comme Lustmord, Raison
d'être et Robert Rich font partie de ceux qui ont contribué de manière
significative au développement et à la popularisation de la musique Dark
ambient, chacun apportant son approche unique à la création de paysages sonores
évocateurs et atmosphériques.
✚ A SPLIT-SECOND (Belgium)
"Flesh" (1986)
Original lineup: Marc Ickx +
Chrismar Chayell
A Split-Second played a
pivotal role in the development of the new beat movement, a genre that emerged
in Belgium during the late 1980s. The new beat movement is characterized by its
slower tempo, heavy use of synthesizers, and a blend of EBM, industrial, and
acid house influences. A Split-Second's track "Flesh," released in
1986, is often credited as one of the foundational tracks that inspired the new
beat genre. DJs in Belgian clubs began playing "Flesh" at a slower
speed, which created a distinctive, hypnotic sound that became a hallmark of
new beat music. This slower, more groove-oriented interpretation resonated with
audiences and influenced other producers and DJs to create music in a similar
style. The success of "Flesh" and its impact on the club scene helped
to popularize the new beat movement, leading to a wave of new music that
defined the late 1980s Belgian electronic music scene. A Split-Second's
innovative approach to electronic production and their influence on the tempo
and style of new beat tracks cemented their place as key figures in the genre's
history.
A Split-Second a joué un rôle central dans le
développement du mouvement new beat, un genre qui a émergé en Belgique à la fin
des années 1980. Le mouvement new beat se caractérise par un tempo plus lent, une
utilisation intensive des synthétiseurs et un mélange d'influences EBM,
industrielles et acid house. Le morceau "Flesh" de A Split-Second,
sorti en 1986, est souvent considéré comme l'un des morceaux fondateurs qui ont
inspiré le genre new beat. Les DJ dans les clubs belges ont commencé à jouer
"Flesh" à une vitesse plus lente, créant un son distinctif et
hypnotique qui est devenu une caractéristique de la musique new beat. Cette
interprétation plus lente et orientée vers le groove a trouvé un écho auprès du
public et a influencé d'autres producteurs et DJ à créer de la musique dans un
style similaire. Le succès de "Flesh" et son impact sur la scène des
clubs ont contribué à populariser le mouvement new beat, entraînant une vague
de nouvelle musique qui a défini la scène musicale électronique belge de la fin
des années 1980. L'approche innovante de A Split-Second en matière de
production électronique et leur influence sur le tempo et le style des morceaux
new beat ont cimenté leur place en tant que figures clés de l'histoire du
genre.
◬ NEW BEAT
New Beat originated in
Belgium during the late 1980s, particularly in cities like Ghent and Antwerp.
It emerged as a unique fusion of electronic dance music styles, drawing
influence from genres such as EBM (Electronic Body Music), industrial, acid
house, and new wave. The term "New Beat" was coined by DJ and record
store owner Marc Grouls, also known as Dikke Ronny, who played a key role in
promoting and popularizing the genre. New Beat is characterized by its slow and
deliberate tempo, typically ranging from 100 to 115 BPM. This slower pace
distinguishes it from faster dance music genres of the time and contributes to
its hypnotic and trance-like quality. New Beat features a distinctive sound
palette that includes heavy use of drum machines, synthesizers, and sampling.
It often incorporates repetitive basslines, electronic percussion, and
atmospheric synth textures, creating a dark and atmospheric vibe. New Beat is
influenced by the acid house movement, particularly in its use of the Roland
TB-303 bass synthesizer to create squelchy, distorted basslines. It also draws
from industrial music, incorporating gritty, mechanical sounds and experimental
production techniques. New Beat was closely associated with a distinct visual
and cultural aesthetic, often featuring surreal and provocative imagery in its
album covers, music videos, and club promotions. It embraced a rebellious and
hedonistic ethos that resonated with the underground club culture of the late
1980s. New Beat gained popularity in Belgium and quickly spread to other
European countries, becoming a significant trend in the electronic music scene
of the late 1980s and early 1990s. Its influence can be seen in subsequent
genres like techno, trance, and even aspects of electronic pop music. Key
artists in the New Beat movement include acts like The Neon Judgement, Lords of
Acid, A Split-Second, and Confetti's. Tracks such as "The Fashion
Party" by Neon, "I Sit on Acid" by Lords of Acid, and
"Flesh" by A Split-Second exemplify the genre's distinctive sound and
style. Overall, New Beat remains a notable chapter in the history of electronic
dance music, celebrated for its innovative blend of electronic genres and its
impact on the evolution of club culture in Europe and beyond.
Le New Beat est
né en Belgique à la fin des années 1980, en particulier dans des villes comme
Gand et Anvers. Il a émergé comme une fusion unique de styles de musique
électronique dance, s'inspirant de genres tels que l'EBM (Electronic Body Music),
l'industriel, l'acid house et la new wave. Le terme "New Beat" a été
inventé par le DJ et propriétaire de magasin de disques Marc Grouls, également
connu sous le nom de Dikke Ronny, qui a joué un rôle clé dans la promotion et
la popularisation du genre. Le New Beat se caractérise par son tempo lent et
délibéré, généralement compris entre 100 et 115 BPM. Ce rythme plus lent le
distingue des genres de musique dance plus rapides de l'époque et contribue à
sa qualité hypnotique et envoûtante. Le New Beat présente une palette sonore
distinctive qui inclut une utilisation intensive des boîtes à rythmes, des
synthétiseurs et du sampling. Il intègre souvent des lignes de basse
répétitives, des percussions électroniques et des textures synthétiques
atmosphériques, créant une ambiance sombre et atmosphérique. Le New Beat est
influencé par le mouvement acid house, notamment par l'utilisation du
synthétiseur de basse Roland TB-303 pour créer des lignes de basse criardes et
distordues. Il puise également dans la musique industrielle, incorporant des
sons mécaniques et granuleux ainsi que des techniques de production
expérimentales. Le New Beat était étroitement associé à une esthétique visuelle
et culturelle distincte, souvent caractérisée par des images surréalistes et
provocantes sur les pochettes d'album, les clips vidéo et les promotions de
club. Il embrassait une éthique rebelle et hédoniste qui résonnait avec la culture
des clubs underground de la fin des années 1980. Le New Beat a gagné en
popularité en Belgique et s'est rapidement propagé à d'autres pays européens,
devenant une tendance significative dans la scène musicale électronique de la
fin des années 1980 et du début des années 1990. Son influence se retrouve dans
des genres ultérieurs comme la techno, la trance et même certains aspects de la
pop électronique. Les artistes clés du mouvement New Beat incluent des groupes
comme The Neon Judgement, Lords of Acid, A Split-Second et Confetti's. Des
morceaux tels que "The Fashion Party" de Neon, "I Sit on
Acid" de Lords of Acid et "Flesh" de A Split-Second exemplifient
le son et le style distinctifs du genre. Dans l'ensemble, le New Beat reste un
chapitre notable dans l'histoire de la musique dance électronique, célébré pour
son mélange innovant de genres électroniques et son impact sur l'évolution de
la culture des clubs en Europe et au-delà.
✚ FRANKIE KNUCKLES (USA)
"Your Love" by Jamie
Principle (produced by Frankie Knuckles) (1986)
Frankie Knuckles, often
referred to as the "Godfather of House Music," was a seminal figure
in the development and popularization of house music. While he is primarily
known for his DJ skills and remixing work. "Your Love" is considered
one of the foundational tracks of house music. Produced by Frankie Knuckles, it
embodies the soulful, electronic sound that would define the Chicago house
music scene. The track's combination of electronic instrumentation, soulful
vocals, and rhythmic groove set a template for the house music genre. It
influenced countless artists and producers, shaping the sound of dance music
globally. Frankie Knuckles' production on "Your Love" emphasized deep
basslines, synthesized melodies, and a driving rhythm, characteristics that
would become hallmarks of House music. Frankie Knuckles' work as a producer and
remixer, including "Your Love," helped elevate house music from its
roots in Chicago's underground club scene to international prominence. His
contributions continue to inspire and influence dance music artists and
producers worldwide. While "Your Love" is perhaps the most notable
early production associated with Frankie Knuckles, his impact on House music
extends far beyond this single track, solidifying his legacy as a key figure in
the evolution of electronic dance music.
Frankie Knuckles, souvent
appelé le "parrain de la House music," était une figure emblématique
dans le développement et la popularisation de la House music. Bien qu'il soit
principalement connu pour ses compétences de DJ et son travail de remixage,
"Your Love" est considéré comme l'un des morceaux fondateurs de la
house music. Produit par Frankie Knuckles, il incarne le son soul et
électronique qui définirait la scène house music de Chicago. La combinaison de
l'instrumentation électronique, des voix soul et du groove rythmique de ce
morceau a établi un modèle pour le genre de la House music. Il a influencé
d'innombrables artistes et producteurs, façonnant le son de la musique dance à
l'échelle mondiale. La production de Frankie Knuckles sur "Your Love"
mettait en avant des lignes de basse profondes, des mélodies synthétisées et un
rythme entraînant, des caractéristiques qui deviendraient des marques de
fabrique de la house music. Le travail de Frankie Knuckles en tant que
producteur et remixer, y compris "Your Love," a contribué à élever la House music de ses racines dans la scène des clubs underground de Chicago à une
renommée internationale. Ses contributions continuent d'inspirer et
d'influencer les artistes et producteurs de musique dance dans le monde entier.
Bien que "Your Love" soit peut-être la production précoce la plus
notable associée à Frankie Knuckles, son impact sur la house music s'étend bien
au-delà de ce single, solidifiant son héritage en tant que figure clé dans
l'évolution de la musique électronique dance.
◬ HOUSE
House music originated in the early 1980s in Chicago, United States, particularly in the clubs of the city's South Side. It emerged from the diverse musical influences of disco, funk, soul, and electronic music, blending these elements into a new genre that emphasized repetitive beats, electronic instrumentation, and a focus on creating a vibrant, inclusive dancefloor atmosphere. House music is defined by its steady, four-on-the-floor beat, characterized by a kick drum on every beat (1, 2, 3, 4). This rhythm is central to its danceable quality and provides a consistent foundation for DJs and dancers alike. House music prominently features electronic instruments such as drum machines (e.g., Roland TR-808, TR-909), synthesizers, and sequencers. These tools are used to create rhythmic grooves, melodic hooks, and atmospheric textures that define the genre's sound. House music often incorporates sampling, where snippets of vocals, melodies, or rhythms from other tracks are used creatively to build new compositions. Remixing plays a significant role in the genre, with DJs and producers reworking existing tracks to create new interpretations and extend their dancefloor appeal. Many house tracks feature soulful vocals, often with uplifting or emotive lyrics that convey themes of love, freedom, and unity. The combination of soulful vocals with electronic instrumentation gives house music its distinctive blend of human warmth and electronic precision. House music has diversified into numerous subgenres over the years, including deep house, acid house, progressive house, and tech house, each with its own stylistic variations and influences. These subgenres cater to different tastes and preferences within the electronic music community. House music is closely associated with club culture, where DJs play a central role in shaping the musical experience for dancers and enthusiasts. Its infectious rhythms and universal appeal have made it a global phenomenon, influencing dance music scenes around the world and contributing to the evolution of electronic dance music (EDM). Pioneering artists in house music include Frankie Knuckles, Larry Heard (Mr. Fingers), Marshall Jefferson, and Farley "Jackmaster" Funk, among others. Tracks like "Your Love" by Jamie Principle (remixed by Frankie Knuckles), "Can You Feel It" by Mr. Fingers, and "Move Your Body" by Marshall Jefferson are considered classics that helped define the genre. Overall, house music embodies a spirit of inclusivity, creativity, and celebration, making it a foundational genre within the landscape of electronic dance music and a cultural force that continues to evolve and inspire new generations of music lovers and creators.
La House music a
émergé au début des années 1980 à Chicago, aux États-Unis, principalement dans
les clubs du South Side de la ville. Elle est née de l'influence musicale
diversifiée du Disco, du Funk, de la Soul et de la musique électronique,
fusionnant ces éléments en un nouveau genre qui mettait l'accent sur des
rythmes répétitifs, une instrumentation électronique et la création d'une
atmosphère vibrante et inclusive sur la piste de danse. La House music se
caractérise par son rythme régulier "four-on-the-floor", marqué par
un coup de pied de batterie sur chaque temps (1, 2, 3, 4). Ce rythme est
central pour sa qualité dansante et offre une base constante tant pour les DJs
que pour les danseurs. La House music met en avant des instruments
électroniques tels que des boîtes à rythmes (par exemple, Roland TR-808,
TR-909), des synthétiseurs et des séquenceurs. Ces outils sont utilisés pour
créer des grooves rythmiques, des accroches mélodiques et des textures atmosphériques
qui définissent le son du genre. La House music incorpore souvent l'échantillonnage,
où des extraits de voix, de mélodies ou de rythmes d'autres pistes sont
utilisés de manière créative pour construire de nouvelles compositions. Le
remixage joue un rôle significatif dans le genre, les DJs et les producteurs
retravaillant des morceaux existants pour créer de nouvelles interprétations et
étendre leur attrait sur la piste de danse. De nombreux morceaux de House music
mettent en avant des voix soulful, souvent avec des paroles inspirantes ou
émouvantes qui transmettent des thèmes tels que l'amour, la liberté et l'unité.
La combinaison de voix soulful avec une instrumentation électronique confère à
la House music son mélange distinctif de chaleur humaine et de précision
électronique. La House music s'est diversifiée en de nombreux sous-genres au
fil des ans, notamment le deep house, l'acid house, le progressive house et le
tech house, chacun avec ses propres variations stylistiques et influences. Ces
sous-genres répondent aux différents goûts et préférences au sein de la
communauté de la musique électronique. La house music est étroitement associée
à la culture des clubs, où les DJs jouent un rôle central dans la création de
l'expérience musicale pour les danseurs et les passionnés. Ses rythmes
contagieux et son attrait universel en ont fait un phénomène mondial,
influençant les scènes de la musique dance à travers le monde et contribuant à
l'évolution de la musique électronique dance (EDM). Des artistes pionniers de
la house music incluent Frankie Knuckles, Larry Heard (Mr. Fingers), Marshall
Jefferson et Farley "Jackmaster" Funk, parmi d'autres. Des morceaux
tels que "Your Love" de Jamie Principle (remixé par Frankie
Knuckles), "Can You Feel It" de Mr. Fingers et "Move Your
Body" de Marshall Jefferson sont considérés comme des classiques qui ont
contribué à définir le genre. En résumé, la House music incarne un esprit
d'inclusivité, de créativité et de célébration, ce qui en fait un genre
fondamental dans le paysage de la musique électronique dance et une force
culturelle qui continue d'évoluer et d'inspirer de nouvelles générations
d'amateurs de musique et de créateurs.
✚ PHUTURE (USA)
"Acid Tracks"
(1987)
Original lineup: DJ Pierre +
Spanky + Herb J
Phuture,
specifically known for their track "Acid Tracks," played a crucial role in the emergence of
acid house music in Chicago during the mid-1980s. Formed by DJ Pierre, Spanky,
and Herb J, Phuture is credited with creating one of the defining tracks of the
genre, which had a profound impact on electronic dance music worldwide. Chicago
House Pioneers: Phuture originated from
the Chicago house music scene, where DJs and producers were experimenting with
new sounds and technologies. They were part of the wave of artists who helped
define the early Chicago house sound. Creation of "Acid
Tracks": Released in 1987,
"Acid Tracks" is considered one of the first tracks to feature the
distinctive squelching, resonant sound of the Roland TB-303 bass synthesizer,
which would later become synonymous with acid house music. Impact on
Acid House: "Acid Tracks"
introduced the 303's unique sound to the dancefloors of Chicago clubs. Its
hypnotic, repetitive patterns and psychedelic qualities were a departure from
the more traditional house music of the time, contributing to the development
of acid house as a subgenre. Roland TB-303 Bassline: The track prominently features the
squelchy, resonant basslines generated by the Roland TB-303 synthesizer,
manipulated to create unpredictable and engaging patterns. Minimalist
Approach: Like many early house tracks,
"Acid Tracks" employs a minimalist approach, focusing on rhythmic
patterns and basslines rather than elaborate melodies or vocals. Psychedelic
and Hypnotic: The repetitive nature of
the 303 sequences, combined with echoing effects and minimal percussion,
creates a trance-like and psychedelic atmosphere on the dancefloor. Global
Impact: "Acid Tracks" had a
profound influence on electronic dance music worldwide, particularly in Europe,
where it helped inspire the acid house movement of the late 1980s and early
1990s. 303 Revolution: Phuture's
use of the Roland TB-303 in "Acid Tracks" sparked a renewed interest
in the synthesizer, leading to its adoption in various electronic music genres
beyond acid house. Continued Relevance: "Acid Tracks" remains a seminal track in the history of
electronic dance music, regularly cited and sampled by DJs and producers
exploring the roots of house and techno music. Phuture's "Acid
Tracks" not only defined a new sound within the house music genre but also
contributed to the evolution of electronic music production techniques and
aesthetics. Its influence continues to resonate with DJs, producers, and fans
of electronic music who appreciate its innovative and enduring qualities.
Phuture, connu
spécifiquement pour leur morceau "Acid Tracks", a joué un rôle
crucial dans l'émergence de la musique acid house à Chicago au milieu des
années 1980. Formé par DJ Pierre, Spanky et Herb J, Phuture est crédité d'avoir
créé l'un des morceaux déterminants du genre, qui a eu un impact profond sur la
musique électronique dance à l'échelle mondiale. Pionniers de la House de
Chicago : Phuture est originaire de la scène de la house music de Chicago, où
les DJs et producteurs expérimentaient de nouveaux sons et technologies. Ils faisaient
partie de la vague d'artistes qui ont contribué à définir le son de la house
music de Chicago au début. Création de "Acid Tracks" : Sorti en 1987,
"Acid Tracks" est considéré comme l'un des premiers morceaux à
présenter le son distinctif et résonant du synthétiseur de basses Roland
TB-303, qui deviendra plus tard synonyme de musique acid house. Impact sur la
Acid House : "Acid Tracks" a introduit le son unique du 303 sur les
pistes de danse des clubs de Chicago. Ses motifs hypnotiques et répétitifs ainsi
que ses qualités psychédéliques marquent un départ par rapport à la house music
plus traditionnelle de l'époque, contribuant au développement de l'acid house
en tant que sous-genre. Roland TB-303 Bassline : Le morceau met en avant les
lignes de basses squelchy et résonantes générées par le synthétiseur Roland
TB-303, manipulé pour créer des motifs imprévisibles et captivants. Approche
Minimaliste : Comme de nombreux premiers morceaux de house, "Acid
Tracks" utilise une approche minimaliste, se concentrant sur les motifs
rythmiques et les lignes de basses plutôt que sur des mélodies ou des voix
élaborées. Psychedélique et Hypnotique : La nature répétitive des séquences du
303, combinée à des effets d'écho et à une percussion minimale, crée une
atmosphère trance et psychédélique sur la piste de danse. Impact Mondial :
"Acid Tracks" a eu une influence profonde sur la musique électronique
dance à l'échelle mondiale, notamment en Europe, où il a contribué à inspirer
le mouvement acid house de la fin des années 1980 et du début des années 1990.
Révolution 303 : L'utilisation par Phuture du Roland TB-303 dans "Acid
Tracks" a suscité un intérêt renouvelé pour le synthétiseur, conduisant à
son adoption dans divers genres de musique électronique au-delà de l'acid house.
Pertinence Continue : "Acid Tracks" reste un morceau fondateur dans
l'histoire de la musique électronique dance, régulièrement cité et samplé par
les DJs et producteurs explorant les racines de la house et de la techno.
"Acid Tracks" de Phuture a non seulement défini un nouveau son au
sein du genre de la house music, mais a également contribué à l'évolution des
techniques de production musicale électronique et de l'esthétique. Son
influence continue de résonner auprès des DJs, des producteurs et des fans de
musique électronique qui apprécient ses qualités innovantes et durables.
◬ ACID HOUSE
Acid house music emerged in
the mid-1980s primarily in Chicago, United States, and later gained significant
popularity in the UK and Europe. It is closely associated with the use of the
Roland TB-303 bass synthesizer, which produced the distinctive "acid"
sound that became synonymous with the genre. Acid house evolved from Chicago
house music, incorporating elements of electronic experimentation, psychedelic
influences, and a focus on hypnotic, repetitive rhythms. The defining
characteristic of acid house is the use of the Roland TB-303 bass synthesizer.
Originally designed to simulate bass guitar, producers discovered that tweaking
its knobs could produce squelchy, resonant, and highly modulated basslines.
These acid basslines are central to the genre's sound and give it its
distinctive, psychedelic character. Acid house typically features a
four-on-the-floor beat pattern, with a kick drum hitting on every beat (1, 2,
3, 4). This rhythmic foundation is similar to other electronic dance music
genres and provides a driving, danceable groove for listeners and dancers. Acid
house utilizes electronic instruments such as drum machines (e.g., Roland
TR-808, TR-909), synthesizers, and sequencers. These instruments are used to
create repetitive, hypnotic rhythms, and to complement the distinctive TB-303
basslines. Acid house music often incorporates psychedelic and experimental
elements, both in its sound design and its overall vibe. The use of trippy,
swirling effects, hypnotic loops, and unconventional song structures contribute
to its mind-altering and euphoric qualities. Acid house music played a
significant role in the rise of rave culture in the late 1980s and early 1990s.
It was associated with all-night dance parties (raves) that emphasized communal
experiences, freedom of expression, and a rejection of mainstream norms. The
genre's infectious energy and psychedelic soundscapes resonated deeply with a
generation seeking liberation and escape through music and dance. Acid house
music quickly spread from its origins in Chicago to become a global phenomenon,
influencing electronic music scenes worldwide. It paved the way for subsequent
electronic music genres such as trance, techno, and various subgenres of house
music. Pioneering artists in acid house include Phuture ("Acid
Tracks"), Sleezy D ("I've Lost Control"), and DJ Pierre, among
others. Tracks such as "Strings of Life" by Derrick May (remixed by
Juan Atkins), while not strictly acid house, contributed to the genre's
development and popularity. Overall, acid house music represents a pivotal
moment in the history of electronic dance music, characterized by its
innovative use of technology, psychedelic aesthetics, and cultural impact on
global youth culture.
L'Acid
house a émergé au milieu des années 1980 principalement à Chicago, aux
États-Unis, et a ensuite gagné une popularité significative au Royaume-Uni et
en Europe. Elle est étroitement associée à l'utilisation du synthétiseur de
basses Roland TB-303, qui a produit le son distinctif "acid" devenu
synonyme du genre. L'acid house a évolué à partir de la
house music de Chicago, en intégrant des éléments d'expérimentation
électronique, d'influences psychédéliques, et en se concentrant sur des rythmes
hypnotiques et répétitifs. La caractéristique déterminante de l'acid house est
l'utilisation du synthétiseur de basses Roland TB-303. Initialement conçu pour
simuler une guitare basse, les producteurs ont découvert qu'en manipulant ses
boutons, ils pouvaient créer des lignes de basses squelchy, résonantes et
hautement modulées. Ces lignes de basses acid sont au cœur
du son du genre et lui confèrent son caractère psychédélique distinctif. L'Acid
house adopte généralement un schéma rythmique "four-on-the-floor",
avec un coup de pied de batterie sur chaque temps (1, 2, 3, 4). Cette base
rythmique est similaire à celle d'autres genres de musique électronique dance
et offre un groove entraînant et dansable pour les auditeurs et les danseurs. La
musique Acid house utilise des instruments électroniques tels que des boîtes à
rythmes (par exemple, Roland TR-808, TR-909), des synthétiseurs et des
séquenceurs. Ces instruments sont utilisés pour créer des rythmes répétitifs et
hypnotiques, et pour compléter les lignes de basses distinctives du TB-303. La
musique Acid house intègre souvent des éléments psychédéliques et
expérimentaux, tant dans sa conception sonore que dans son ambiance générale.
L'utilisation d'effets tourbillonnants, de boucles hypnotiques et de structures
de chansons non conventionnelles contribue à ses qualités altérantes et
euphoriques. L'Acid house a joué un rôle significatif dans l'essor de
la culture rave à la fin des années 1980 et au début des années 1990. Elle était
associée à des soirées de danse toute la nuit (raves) qui mettaient l'accent
sur les expériences communautaires, la liberté d'expression et le rejet des
normes mainstream. L'énergie contagieuse du genre et ses
paysages sonores psychédéliques ont profondément résonné avec une génération en
quête de libération et d'évasion à travers la musique et la danse. La musique Acid house s'est rapidement propagée depuis ses débuts à Chicago pour devenir
un phénomène mondial, influençant les scènes de la musique électronique dans le
monde entier. Elle a ouvert la voie à des genres de musique électronique
ultérieurs tels que la Trance, la Techno et divers sous-genres de la House music.
Les artistes pionniers de l'Acid house incluent Phuture ("Acid
Tracks"), Sleezy D ("I've Lost Control") et DJ Pierre, entre
autres. Des morceaux comme "Strings of Life" de Derrick May (remixé
par Juan Atkins), bien que pas strictement de l'Acid house, ont contribué au
développement et à la popularité du genre. En résumé, la musique Acid house
représente un moment clé dans l'histoire de la musique électronique dance,
caractérisée par son utilisation innovante de la technologie, ses esthétiques
psychédéliques et son impact culturel sur la jeunesse mondiale.
✚ THE KLF (UK)
"What Time Is Love?" (1988)
Original lineup: Bill Drummond + Jimmy Cauty
The KLF, also known as The Justified Ancients of Mu Mu
(The JAMs), The Timelords, and other names, is a British electronic band formed
by Bill Drummond and Jimmy Cauty. They are widely recognized for their
innovative and influential work in the electronic music scene during the late
1980s and early 1990s. While not exclusively a trance band, the KLF made
significant contributions to the development of early trance music. The KLF, a
British electronic music group, is often credited with creating some of the
first tracks that have elements of what would later be recognized as trance.
Their track "What Time Is Love?" is notable for its repetitive,
hypnotic beat and melodic synth lines. The KLF's innovative use of sampling,
genre-blending, and their conceptual approach to music and performance left a
lasting impact on the electronic music scene. Their work prefigured many
elements of trance music, particularly in its emphasis on creating a hypnotic,
immersive experience for listeners. Their influence extends beyond just the
music; the KLF were known for their avant-garde approach to the music industry,
including their infamous burning of a million pounds and their playful, often
subversive media presence. These actions contributed to their mystique and
cemented their place as pioneers in electronic music. In summary, while the KLF
were not a trance band per se, their pioneering tracks and albums in the late
1980s and early 1990s played a crucial role in the development of the trance
genre, influencing countless artists and shaping the direction of electronic
dance music.
Les KLF, également connus sous le nom de
The Justified Ancients of Mu Mu (Les JAMs), The Timelords, et d'autres noms,
sont un groupe britannique de musique électronique formé par Bill Drummond et
Jimmy Cauty. Ils sont largement reconnus pour leur travail innovant et influent
dans la scène de la musique électronique à la fin des années 1980 et au début
des années 1990. Bien qu'ils ne soient pas exclusivement un groupe de trance, The
KLF ont apporté des contributions significatives au développement de la musique
trance primitive. The KLF, groupe britannique de musique électronique, sont
souvent crédités d'avoir créé certains des premiers morceaux intégrant des
éléments qui seraient plus tard reconnus comme de la trance. Leur titre
"What Time Is Love?" est notable pour son rythme répétitif et
hypnotique ainsi que pour ses lignes mélodiques de synthétiseur. L'utilisation
innovante de l'échantillonnage par The KLF, leur fusion de genres, ainsi que
leur approche conceptuelle de la musique et de la performance ont eu un impact
durable sur la scène de la musique électronique. Leur travail préfigurait de
nombreux éléments de la musique trance, notamment dans leur accent mis sur la
création d'une expérience hypnotique et immersive pour les auditeurs. Leur
influence dépasse simplement la musique ; The KLF étaient connus pour leur
approche avant-gardiste de l'industrie musicale, incluant leur célèbre
incinération d'un million de livres et leur présence médiatique ludique et
souvent subversive. Ces actions ont contribué à leur mystique et ont solidifié
leur place en tant que pionniers de la musique électronique. En résumé, bien
que The KLF n'aient pas été un groupe de trance à proprement parler, leurs
morceaux et albums novateurs à la fin des années 1980 et au début des années
1990 ont joué un rôle crucial dans le développement du genre trance,
influençant de nombreux artistes et façonnant l'orientation de la musique électronique
dance.
Trance music
originated in the late 1980s and early 1990s, primarily in Germany. It
developed as an offshoot of the rave and club scenes that were gaining
popularity at the time. The genre drew from a variety of musical influences,
including techno, house, and classical music, to create its distinctive sound.
The term "trance" itself refers to the euphoric and hypnotic states
that the music aims to induce in listeners and dancers. Trance music typically
features a tempo ranging from 125 to 150 beats per minute (BPM). It often
includes a steady 4/4 beat, making it suitable for dance floors. The rhythm is
usually straightforward, with a strong emphasis on kick drums. Trance is known
for its melodic elements, which are often lush, uplifting, and euphoric. Tracks
often feature repeating melodic phrases and chord progressions. The use of
arpeggios and melodic motifs is common, creating an intricate and layered
sound. A hallmark of trance music is the build-up and breakdown structure. Tracks
typically include extended build-ups that lead to intense climaxes, followed by
breakdowns that reduce the intensity before building up again. This structure
is designed to create emotional highs and lows, enhancing the listener's experience.
Trance music often incorporates atmospheric and ethereal soundscapes. Synthesizers
and electronic effects are used to create a sense of space and depth. Pads,
sweeps, and ambient sounds contribute to the genre's immersive quality. While
some trance tracks are purely instrumental, many feature vocals. Vocals in
trance music are often ethereal and uplifting, adding an emotional layer to the
music. Lyrics tend to be minimal and repetitive, complementing the music's
hypnotic quality. Trance music has evolved into various subgenres, each with
its own distinct characteristics. Notable subgenres include Progressive Trance,
Uplifting Trance, Vocal Trance, and Psychedelic Trance (Psytrance). Each
subgenre emphasizes different aspects of the trance sound, from the driving
beats of Psytrance to the melodic and emotional focus of Uplifting Trance. Trance
music has significantly influenced the broader electronic dance music (EDM)
landscape. It has inspired and merged with other genres, leading to hybrid
styles such as trance-house and trance-techno. Festivals and events dedicated
to trance music, like Trance Energy and A State of Trance, have played a crucial
role in popularizing and evolving the genre. Overall, trance music's emphasis
on melody, emotional build-ups, and immersive soundscapes has made it a beloved
genre among electronic music enthusiasts worldwide. Its ability to evoke deep
emotional responses and create a sense of euphoria has cemented its place in
the history of dance music.
La musique Trance
a vu le jour à la fin des années 1980 et au début des années 1990,
principalement en Allemagne. Elle s'est développée comme une branche des scènes
rave et club qui gagnaient en popularité à l'époque. Le genre s'est nourri de
diverses influences musicales, notamment le techno, la house et la musique
classique, pour créer son son distinctif. Le terme "trance" lui-même
fait référence aux états euphoriques et hypnotiques que la musique vise à
induire chez les auditeurs et les danseurs. La Trance se caractérise
généralement par un tempo oscillant entre 125 et 150 battements par minute
(BPM). Elle comprend souvent un rythme régulier en 4/4, ce qui la rend adaptée
aux pistes de danse. Le rythme est généralement direct, avec une forte emphase
sur les coups de pied de la batterie. La Trance est connue pour ses éléments
mélodiques, souvent riches, stimulants et euphoriques. Les morceaux présentent
souvent des phrases mélodiques et des progressions d'accords répétitives.
L'utilisation d'arpèges et de motifs mélodiques est courante, créant un son
complexe et stratifié. Une caractéristique distinctive de la musique Trance est
sa structure de montée et de descente. Les morceaux incluent généralement des
montées prolongées qui mènent à des climax intenses, suivis de moments de calme
qui réduisent l'intensité avant de repartir à la hausse. Cette structure est
conçue pour créer des sommets émotionnels et des creux, améliorant l'expérience
auditive. La musique Trance intègre souvent des paysages sonores atmosphériques
et éthérés. Des synthétiseurs et des effets électroniques sont utilisés pour
créer un sentiment d'espace et de profondeur. Les pads, les sweeps et les sons
ambiants contribuent à la qualité immersive du genre. Alors que certains
morceaux de Trance sont purement instrumentaux, beaucoup incluent des voix. Les
voix dans la musique trance sont souvent éthérées et stimulantes, ajoutant une
couche émotionnelle à la musique. Les paroles sont généralement minimales et
répétitives, complétant la qualité hypnotique de la musique. La musique Trance
a évolué en divers sous-genres, chacun avec ses propres caractéristiques
distinctes. Parmi les sous-genres notables, on trouve la Trance Progressive, la
Trance Uplifting, la Trance Vocale et la Trance Psychédélique (Psytrance).
Chaque sous-genre met l'accent sur des aspects différents du son trance, des
rythmes entraînants du Psytrance à la focalisation mélodique et émotionnelle de
la Trance Uplifting. La musique trance a influencé de manière significative le
paysage plus large de la musique électronique dance (EDM). Elle a inspiré et
fusionné avec d'autres genres, conduisant à des styles hybrides comme la Trance-house et la Trance-Techno. Les festivals et événements dédiés à la
musique Trance, tels que Trance Energy et A State of Trance, ont joué un rôle
crucial dans la popularisation et l'évolution du genre. En résumé, l'accent mis
par la musique Trance sur la mélodie, les montées émotionnelles et les paysages
sonores immersifs en a fait un genre apprécié des passionnés de musique
électronique du monde entier. Sa capacité à susciter des réponses émotionnelles
profondes et à créer un sentiment d'euphorie a solidifié sa place dans
l'histoire de la musique dance.
✚ REBEL MC (Congo Natty) (UK)
"Rebel Music" (1989)
Also known as Congo Natty, is a pivotal figure in the evolution of UK jungle and drum and bass Rebel MC first gained attention with the single "Street Tuff", a track that blended elements of hip-hop, reggae, and early electronic dance music, especially breakbeats. The album "Rebel Music" continued this blend, featuring electronic production alongside reggae and hip-hop influences. – Often regarded as one of the key figures in early Jungle, Rebel MC fused breakbeats with reggae and dancehall influences, contributing significantly to the genre’s development. He later became known as Congo Natty, continuing to push Jungle forward. heavier emphasis on breakbeats, sub-bass, and Rastafarian themes, making him a key figure in the jungle and drum and bass movements.
Aussi connu sous le nom de Congo Natty, Rebel MC est une figure centrale dans l'évolution du jungle et du drum and bass au Royaume-Uni. Il s'est fait connaître pour la première fois avec le single "Street Tuff", un morceau qui mélangeait des éléments de hip-hop, de reggae, et de la musique électronique de danse naissante, en particulier les breakbeats. L'album "Rebel Music" a poursuivi cette fusion, avec une production électronique mêlée à des influences reggae et hip-hop. Souvent considéré comme l'une des figures clés du jungle des débuts, Rebel MC a fusionné des breakbeats avec des influences reggae et dancehall, contribuant de manière significative au développement du genre. Il est plus tard devenu connu sous le nom de Congo Natty, continuant à faire évoluer le jungle, avec une emphase plus marquée sur les breakbeats, la sub-bass, et les thèmes rastafariens, faisant de lui une figure incontournable des mouvements jungle et drum and bass.
◬ JUNGLE / DRUM AND BASS
Jungle and Drum and Bass (D&B) are electronic music genres that
originated in the early 1990s in the UK, born from the fusion of various music
styles, primarily Breakbeat, Reggae, Dancehall, Hip-Hop, and Techno. Their roots can be traced back to the UK’s
underground rave scene, which started in the late 1980s. UK Hardcore and
Breakbeat (Late 1980s – Early 1990s): Jungle evolved from the breakbeat hardcore scene, where DJs and producers began incorporating faster breakbeats (especially from old Funk records like
"Amen Brother" by The Winstons), heavy basslines, and elements of Reggae and Dub. Early Jungle (1992–1994): Jungle emerged as a distinct genre around 1992, marked by the fusion of
fast, syncopated breakbeats (around 160-170 BPM), Reggae/Dancehall vocals, and deep, sub-bass sounds. The genre became associated with London’s
Afro-Caribbean communities, incorporating Jamaican influences like Ragga and Dub. Characteristics : Both
jungle and D&B heavily rely on fast, intricate breakbeat patterns. The "Amen break" is one of the most iconic samples used,
characterized by its rapid, chopped-up rhythm. Jungle typically features more
complex, chopped-up breakbeats with irregular patterns, while Drum and Bass
evolved into using more streamlined, rolling rhythms. The typical BPM range for
jungle and D&B is around 160–180 BPM, making them much faster than many other genres of electronic music like House or Techno. Jungle and D&B are defined by deep, powerful sub-bass lines, often inspired by Dub and Reggae.
These basslines can be smooth and rolling (as in liquid D&B) or distorted
and aggressive (as in darker subgenres like Neurofunk or Techstep). Jungle frequently incorporates Reggae, Dancehall, and Raga. Vocal samples, as well as samples from
films, television, and old records. The sampling gives the genre its eclectic,
layered sound. D&B often features fewer vocals, focusing more on
instrumental tracks, although some subgenres, like liquid D&B, incorporate soulful or jazzy vocal samples.
Jungle and Drum and Bass became closely associated with London’s
multicultural and working-class communities in the 1990s. The genres’ use of Reggae and Dancehall elements connected them to the Afro-Caribbean community,
while their high energy and futuristic sound became a staple in the UK rave
scene. This blend of cultures contributed to their enduring influence on
subsequent electronic music genres like grime, dubstep, and UK garage.
Le Jungle et le Drum and Bass (D&B) sont des genres de musique électronique qui ont vu le jour au début des années 1990 au Royaume-Uni, nés de la fusion de différents styles musicaux, principalement le Breakbeat, le Reggae, le Dancehall, le Hip-Hop et le Techno. Leurs racines remontent à la scène rave underground britannique, qui a débuté à la fin des années 1980. UK Hardcore et Breakbeat (Fin des années 1980 – Début des années 1990) : Le Jungle a évolué à partir de la scène Breakbeat Hardcore, où les DJs et producteurs ont commencé à incorporer des breakbeats plus rapides (notamment issus d'anciens morceaux de Funk comme "Amen Brother" des Winstons), des lignes de basse lourdes, et des éléments de Reggae et de Dub. Jungle précoce (1992–1994) : Le Jungle a émergé comme un genre distinct autour de 1992, marqué par la fusion de breakbeats rapides et syncopés (environ 160-170 BPM), des voix de reggae/dancehall, et des sons profonds de sub-bass. Le genre est devenu associé aux communautés afro-caribéennes de Londres, incorporant des influences jamaïcaines comme le Ragga et le Dub. Caractéristiques : Le Jungle et le D&B reposent largement sur des motifs de breakbeats rapides et complexes. Le "Amen break" est l'un des échantillons les plus emblématiques utilisés, caractérisé par son rythme rapide et morcelé. Le Jungle présente généralement des breakbeats plus complexes, morcelés, avec des motifs irréguliers, tandis que le Drum and Bass a évolué vers des rythmes plus fluides et réguliers. La plage de BPM typique pour le Jungle et le D&B est d'environ 160 à 180 BPM, ce qui les rend bien plus rapides que beaucoup d'autres genres de musique électronique comme la House ou la Techno. Le Jungle et le D&B se caractérisent par des lignes de basse profondes et puissantes, souvent inspirées par le Dub et le Reggae. Ces lignes de basse peuvent être fluides et roulantes (comme dans le liquid D&B) ou distordues et agressives (comme dans les sous-genres plus sombres tels que le Neurofunk ou le Techstep). Le Jungle incorpore fréquemment des échantillons vocaux de Reggae, de Dancehall et de Ragga, ainsi que des échantillons provenant de films, de la télévision et de vieux disques. Cet usage d’échantillonnage donne au genre un son éclectique et riche en couches. Le D&B propose souvent moins de voix, se concentrant davantage sur des morceaux instrumentaux, bien que certains sous-genres, comme le liquid D&B, intègrent des échantillons vocaux Soul ou Jazz. Le Jungle et le Drum and Bass sont devenus étroitement associés aux communautés multiculturelles et ouvrières de Londres dans les années 1990. L’utilisation d’éléments de Reggae et de Dancehall dans ces genres les a connectés à la communauté afro-caribéenne, tandis que leur énergie intense et leur son futuriste sont devenus un pilier de la scène rave britannique. Cette fusion de cultures a contribué à leur influence durable sur les genres de musique électronique ultérieurs, comme le grime, le dubstep et le UK garage.
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