🎓 ELECTRONIC TIMES 1900 > 1959

Intonarumori - 1916

1740 / 1899⏪⏩60s

1. LUIGI RUSSOLO➤Risveglio Di Una Citta➤00:00:25
2. OLIVIER MESSIAEN ➤Oraison➤00:04:24
3. JOHN CAGE➤Imaginary Landscape No. 1➤00:12:07
4. PIERRE SCHAEFFER➤Étude Aux Chemins De Fer➤00:20:53
5. DAPHNE ORAM ➤Still-Point III➤00:22:47
6. PIERRE HENRY ➤Symphonie Pour Un Homme Seul➤00:47:16
7. OTTO LUENING ➤Fantasy In Space➤00:49:13
8. KARLHEINZ STOCKHAUSEN➤Studie I➤00:51:08
9. HERBERT EIMERT➤Sechs Studien➤00:57:34
10. EDGARD VARÈSE➤Déserts - Third Electronic Interpolation (Beginning)➤01:15:20
11. HUGH LE CAINE➤Dripsody➤01:19:36
12. GOTTFRIED MICHAEL KOENIG➤Klangfiguren I➤01:21:05
13. BRUNO MADERNA➤Notturno➤01:23:52
14. BEBE BARRON + LOUIS BARRON ➤Forbidden Planet➤01:26:12
15. IANNIS XENAKIS ➤Diamorphoses➤01:28:17
16. HENRI POUSSEUR ➤Scambi➤01:35:20
17. LEJAREN HILLER ➤Illiac Suite For String Quartet➤01:41:54
18. LUCIANO BERIO➤Thema (Omaggio A Joyce)➤02:00:36
19. GYÖRGY LIGETI➤Artikulation➤02:04:55

✚ The history of electronic music from 1900 to 1959 is a narrative defined by radical foresight, rapid technological shifts, and intense aesthetic debates that transformed sound from a physical vibration into a manipulable electrical signal. The century began with the electromechanical marvel of Thaddeus Cahill’s massive Telharmonium, a 1897 invention which used tonewheels and additive synthesis to sculpt sounds, delivering music over telephone wires until crosstalk caused its commercial failure by 1914, yet its very existence inspired composer Ferruccio Busoni to pen his seminal 1907 Sketch of a New Aesthetic of Music. Building on this futurist impulse, Italian artist Luigi Russolo issued The Art of Noises manifesto in 1913, demanding that music integrate the sounds of modern industrial life, a concept he actualized with his acoustic noise-generating Intonarumori. The 1920s witnessed the arrival of truly electronic instruments powered by vacuum tubes, achieving smaller scale and greater expressive control than their colossal predecessor. Russian scientist Léon Theremin invented his eponymous instrument in 1920, famously allowing performers to control pitch and volume without physical touch. This was followed in 1928 by the Ondes Martenot, designed by Maurice Martenot, which, despite being monophonic, attracted dedication from major composers like Olivier Messiaen and Edgard Varèse due to its eerie, sweeping glissandi. The decisive technological catalyst was the post-World War II transfer of high-fidelity German Magnetophon magnetic tape technology to the Allied nations. Magnetic tape revolutionized composition by enabling easy editing, splicing, looping, and layering, quickly supplanting older wire recorders and allowing producers like Bing Crosby to promote its commercial adoption. This technological breakthrough immediately sparked a profound aesthetic schism in Europe. In Paris, radio engineer Pierre Schaeffer pioneered musique concrète starting in the early 1940s, utilizing tape manipulation to treat recorded, real-world sounds—the "concrete" material—as primary musical objects. Schaeffer’s work, including the 1948 broadcast of Étude aux chemins de fer, focused on "reduced listening," separating the sound from its conventional source. Conversely, the German school of Elektronische Musik, founded in Cologne in 1951 by Herbert Eimert and Karlheinz Stockhausen, strictly forbade recorded sounds, focusing exclusively on total structural control achieved through pure synthesis using oscillators to generate sine waves and pulses. The final years of the decade saw the institutionalization of electronic music, necessary due to the enormous scale of the required technology. In 1957, the massive 1,700-vacuum tube RCA Mark II Synthesizer, programmed using binary code punched onto paper tape, was installed at the Columbia-Princeton Electronic Music Center, establishing the first academic studio in North America. Finally, 1958 saw the founding of the BBC Radiophonic Workshop in London, co-founded by Daphne Oram, which successfully applied synthesized and manipulated tape sounds to create iconic electronic soundscapes for broadcast media.

✚ L'histoire de la musique électronique de 1900 à 1959 est un récit marqué par une prévoyance radicale, des changements technologiques rapides et d'intenses débats esthétiques qui ont transformé le son, d'une vibration physique à un signal électrique manipulable. Le siècle a commencé avec la merveille électromécanique du Telharmonium massif de Thaddeus Cahill, une invention de 1897 qui utilisait des roues phoniques et la synthèse additive pour sculpter les sons, diffusant de la musique via des lignes téléphoniques jusqu'à ce que la diaphonie cause son échec commercial en 1914, mais son existence même inspira le compositeur Ferruccio Busoni à rédiger son œuvre séminale de 1907, Esquisse d'une nouvelle esthétique de la musique. S'appuyant sur cette impulsion futuriste, l'artiste italien Luigi Russolo publia le manifeste L'Art des bruits en 1913, exigeant que la musique intègre les sons de la vie industrielle moderne, un concept qu'il concrétisa avec ses générateurs de bruit acoustiques, les Intonarumori. Les années 1920 ont vu l'arrivée d'instruments véritablement électroniques alimentés par des tubes à vide, atteignant une échelle plus petite et un meilleur contrôle expressif que leur prédécesseur colossal. Le scientifique russe Léon Theremin inventa son instrument éponyme en 1920, permettant aux interprètes de contrôler la hauteur et le volume sans contact physique. Cet instrument fut suivi en 1928 par les Ondes Martenot, conçues par Maurice Martenot, qui, bien que monophoniques, attirèrent la dédicace de compositeurs majeurs comme Olivier Messiaen et Edgard Varèse grâce à leurs glissandi étranges et balayants. Le catalyseur technologique décisif fut le transfert de la technologie d'enregistrement sur bande magnétique Magnetophon allemande de haute-fidélité aux nations alliées après la Seconde Guerre mondiale. La bande magnétique révolutionna la composition en permettant une édition, un coupage, une mise en boucle et une superposition faciles, supplantant rapidement les anciens enregistreurs à fil et permettant à des producteurs comme Bing Crosby d'en promouvoir l'adoption commerciale. Cette percée technologique déclencha immédiatement un schisme esthétique profond en Europe. À Paris, l'ingénieur radio Pierre Schaeffer fut le pionnier de la musique concrète dès le début des années 1940, utilisant la manipulation de bande pour traiter les sons enregistrés du monde réel — le matériel « concret » — comme des objets musicaux primaires. Le travail de Schaeffer, y compris la diffusion de 1948 de l'Étude aux chemins de fer, mettait l'accent sur l'« écoute réduite », séparant le son de sa source conventionnelle. Inversement, l'école allemande d'Elektronische Musik, fondée à Cologne en 1951 par Herbert Eimert et Karlheinz Stockhausen, interdisait strictement les sons enregistrés, se concentrant exclusivement sur le contrôle structurel total obtenu par la synthèse pure utilisant des oscillateurs pour générer des ondes sinusoïdales et des impulsions. Les dernières années de la décennie ont vu l'institutionnalisation de la musique électronique, rendue nécessaire par l'échelle énorme de la technologie requise. En 1957, l'énorme synthétiseur RCA Mark II à 1700 tubes à vide, programmé à l'aide de code binaire perforé sur bande papier, fut installé au Columbia-Princeton Electronic Music Center, établissant le premier studio universitaire en Amérique du Nord. Enfin, 1958 a vu la fondation du BBC Radiophonic Workshop à Londres, cofondé par Daphne Oram, qui appliqua avec succès des sons synthétisés et manipulés sur bande pour créer des paysages sonores électroniques emblématiques destinés aux médias de radiodiffusion.

✚ LUIGI RUSSOLO (Italy)

The first composition of electronic music by Russolo is often considered to be "Risveglio di una città" (Awakening of a City), composed in 1913. This piece is part of Luigi Russolo's "Art of Noises" manifesto, in which he advocated for the use of industrial sounds and noise as legitimate musical material. "Risveglio di una città" was created using a variety of noise-making devices called intonarumori, or "noise intoners," invented by Russolo himself. These mechanical instruments were designed to produce a range of unconventional sounds, imitating the noises of modern urban life.

La première composition de musique électronique de Russolo est souvent considérée comme étant "Risveglio di una città" (Réveil d'une ville), composée en 1913. Cette pièce fait partie du manifeste "L'Art des Bruits" de Luigi Russolo, dans lequel il préconisait l'utilisation des sons industriels et du bruit comme matériau musical légitime. "Risveglio di una città" a été créée à l'aide d'une variété d'appareils de fabrication de bruit appelés intonarumori, ou "intonateurs de bruit", inventés par Russolo lui-même. Ces instruments mécaniques étaient conçus pour produire une gamme de sons non conventionnels, imitant les bruits de la vie urbaine moderne.

✚ OLIVIER MESSIAEN (France)

Olivier Messiaen's first composition of electronic music is often considered to be "Oraison," composed in 1937. This piece is an early example of Messiaen's experimentation with electronic sounds. "Oraison" was created using an electronic instrument called the Ondes Martenot, invented by Maurice Martenot, and it is performed by four players.This composition is notable for its mystical and ethereal sound, characteristic of Messiaen's musical style. "Oraison" explores the unique timbres and expressive possibilities offered by the Ondes Martenot, creating a meditative and contemplative atmosphere.

La première composition de musique électronique d'Olivier Messiaen est souvent considérée comme "Oraison", composée en 1937. Cette pièce est un exemple précoce d'expérimentation de Messiaen avec les sons électroniques. "Oraison" a été créée à l'aide d'un instrument électronique appelé Ondes Martenot, inventé par Maurice Martenot, et il est joué par quatre interprètes. Cette composition est remarquable pour sa sonorité mystique et éthérée, caractéristique du style musical de Messiaen. "Oraison" explore les timbres uniques et les possibilités expressives offertes par l'Ondes Martenot, créant une atmosphère méditative et contemplative.

 

✚ JOHN CAGE (USA)

Imaginary Landscape No. 1 (1939): Cage was an American composer known for his experimentation with electronic music and unconventional composition techniques. "Imaginary Landscape No. 1" uses test frequency records, a prepared piano, and cymbals to create an avant-garde piece.

Imaginary Landscape No. 1 (1939) : Cage est un compositeur américain connu pour ses expérimentations avec la musique électronique et les techniques de composition non conventionnelles. "Imaginary Landscape No. 1" utilise des disques test de fréquence, un piano préparé et des cymbales pour créer une pièce avant-gardiste.

 

✚ PIERRE SCHAEFFER (France)

Musique Concrète: Schaeffer was a pioneer of musique concrète, a form of electroacoustic music using recorded sounds as raw material. His work "Étude aux chemins de fer" (1948) is one of the earliest examples of this genre and marked the beginning of using audio recordings as a basis for musical composition.

Musique Concrète : Schaeffer a été un pionnier de la musique concrète, une forme de musique électroacoustique utilisant des sons enregistrés comme matériau brut. Son œuvre "Étude aux chemins de fer" (1948) est l'un des premiers exemples de ce genre et a marqué le début de l'utilisation des enregistrements audio comme base pour la composition musicale.

✚ DAPHNE ORAM (UK)

"Still Point" (1949), "Oramics" (1960s)

Oram co-founded the BBC Radiophonic Workshop and invented the Oramics technique, an early form of graphical sound synthesis.

Oram a co-fondé le BBC Radiophonic Workshop et inventé la technique Oramics, une forme précoce de synthèse sonore graphique.

◬ RADIOPHONIC MUSIC

Developed for radio and television, this style uses electronic and tape manipulation techniques to create soundscapes and special effects for broadcast media.

Développé pour la radio et la télévision, ce style utilise des techniques de manipulation électronique et de bande pour créer des paysages sonores et des effets spéciaux pour les médias de diffusion.

 ✚ PIERRE HENRY (France)

"Symphonie pour un homme seul" (1950), "Variations pour une porte et un soupir" (1963)

Collaborating with Schaeffer, Henry was crucial in developing musique concrète, and their collaborative work "Symphonie pour un homme seul" is a landmark piece in this genre.

Collaborant avec Schaeffer, Henry a été crucial dans le développement de la musique concrète, et leur œuvre collaborative "Symphonie pour un homme seul" est une pièce maîtresse de ce genre.

◬ MUSIQUE CONCRÈTE

This style uses recorded natural sounds (concrète sounds) as raw material. These sounds are manipulated through editing, tape loops, and effects like reverb and delay to create musical compositions.

Ce style utilise des sons naturels enregistrés (sons concrets) comme matière première. Ces sons sont manipulés par le montage, les boucles de bande et les effets tels que la réverbération et le délai pour créer des compositions musicales.

  

✚ OTTO LUENING (USA)

"Fantasy in Space" (1952), "Low Speed" (1952)

Luening, along with Vladimir Ussachevsky, co-founded the Columbia-Princeton Electronic Music Center and created tape music compositions.

Otto Luening avec Vladimir Ussachevsky, ont co-fondé le Columbia-Princeton Electronic Music Center et créés des compositions de musique sur bande.

◬ TAPE MUSIC

Uses magnetic tape to record, manipulate, and edit sounds. Techniques include tape splicing, looping, and speed variation, allowing for complex sound manipulations.

Utilise des bandes magnétiques pour enregistrer, manipuler et éditer des sons. Les techniques incluent le montage de bandes, les boucles et la variation de vitesse, permettant des manipulations sonores complexes.

 

✚ KARLHEINZ STOCKHAUSEN (Germany)

"Studie I" (1953), "Studie II" (1954), "Gesang der Jünglinge" (1955-56)

Stockhausen was a central figure at the WDR Studio for Electronic Music in Cologne, creating some of the earliest purely electronic compositions and blending electronic sounds with the human voice.

Stockhausen était une figure centrale au Studio de musique électronique WDR à Cologne, créant certaines des premières compositions purement électroniques et mélangeant des sons électroniques avec la voix humaine.

◬ ELEKTRONISCHE MUSIK

This German style focuses on electronically generated sounds, often using sine wave generators, oscillators, and filters. It emphasizes precise control over the sound parameters.

Ce style allemand se concentre sur les sons générés électroniquement, utilisant souvent des générateurs de signaux sinusoïdaux, des oscillateurs et des filtres. Il met l'accent sur le contrôle précis des paramètres sonores.

 

✚ HERBERT EIMERT (Germany)

"Sechs Studien" (1953)

Eimert co-founded the WDR Studio for Electronic Music in Cologne, one of the first electronic music studios, and was a key figure in the early development of electronic music.

Eimert a co-fondé le WDR Studio für elektronische Musik à Cologne, l'un des premiers studios de musique électronique, et était une figure clé dans le développement précoce de la musique électronique.

✚ EDGARD VARESE (France/USA)

"Déserts" (1954), "Poème électronique" (1958)

Varèse integrated electronic elements with traditional instrumentation, and his spatial audio work "Poème électronique" for the 1958 Brussels World's Fair was pioneering.

Varèse a intégré des éléments électroniques à l'instrumentation traditionnelle, et son œuvre audio spatialisée "Poème électronique" pour l'Exposition universelle de Bruxelles de 1958 était pionnière.

 ◬ ELECTROACOUSTIC MUSIC

Characteristics: Combines electronic sounds with acoustic instruments. This hybrid approach explores the interactions between electronically produced sounds and traditional musical instruments.

Combine des sons électroniques avec des instruments acoustiques. Cette approche hybride explore les interactions entre les sons produits électroniquement et les instruments musicaux traditionnels.

✚ HUGH LE CAINE (Canada)

“Dripsody” (1955)

Le Caine was a Canadian physicist, composer. This instrument was a precursor to modern synthesizers, incorporating many features that would later become standard in synthesizer design.

Le Caine était un physicien et compositeur canadien. Cet instrument était un précurseur des synthétiseurs modernes, incorporant de nombreuses fonctionnalités qui deviendraient plus tard des standards dans la conception des synthétiseurs.

◬ SOUND SYNTHESIS

Focuses on generating sound electronically using early synthesizers and other electronic instruments. Innovators developed new ways to create and control sound electronically.

Se concentre sur la génération de sons de manière électronique à l'aide de premiers synthétiseurs et d'autres instruments électroniques. Les innovateurs ont développé de nouvelles façons de créer et de contrôler le son électroniquement.

✚ GOTTFRIED MICHAEL KOENIG (Germany/Ntherlands)

"Klangfiguren" (1955-56), "Essay" (1957)

Koenig worked at the WDR studio in Cologne and later at the Institute of Sonology in Utrecht, contributing to the development of algorithmic composition techniques.

Koenig a travaillé au studio WDR de Cologne puis à l'Institut de Sonologie à Utrecht, contribuant au développement des techniques de composition algorithmique.

 

✚ BRUNO MADERNA (Italy)

"Notturno" (1956)

Maderna was an important figure in the early electronic music scene in Italy, working with the Studio di Fonologia Musicale in Milan.

Maderna était une figure importante de la scène musicale électronique italienne, travaillant avec le Studio di Fonologia Musicale à Milan.

 

✚ LOUIS AND BEBE BARRON (USA)

"Forbidden Planet" soundtrack (1956)

The Barrons created the first electronic score for a major motion picture, using homemade circuits to generate sounds.

Les Barron ont créé la première bande sonore électronique pour un grand film, utilisant des circuits faits maison pour générer des sons.

 

✚ IANNIS XENAKIS (Greece/France)

"Diamorphoses" (1957), "Concret PH" (1958)

Xenakis applied mathematical concepts to his music, creating complex textures and sound masses in his tape music works.

Xenakis a appliqué des concepts mathématiques à sa musique, créant des textures complexes et des masses sonores dans ses œuvres de musique sur bande.

 

✚ HENRI POUSSEUR (Belgium)

"Scambi" (1957), "Séismogrammes" (1958)

Pousseur was associated with the Cologne studio and experimented with serial techniques in electronic music.

Pousseur était associé au studio de Cologne et a expérimenté des techniques sérielles en musique électronique.

 

✚ LEJAREN HILLER (USA)

"Illiac Suite" (1957)

Hiller co-composed the "Illiac Suite," the first piece of music composed with the aid of a computer, marking a significant milestone in algorithmic composition.

Hiller a co-composé la "Illiac Suite", la première pièce de musique composée avec l'aide d'un ordinateur, marquant une étape importante dans la composition algorithmique.

◬ EARLY COMPUTER MUSIC

Utilizes computers to generate and manipulate sound. Early experiments involved programming computers to create music, laying the groundwork for digital synthesis.

Utilise des ordinateurs pour générer et manipuler des sons. Les premières expériences impliquaient la programmation d'ordinateurs pour créer de la musique, jetant les bases de la synthèse numérique.

 ✚ LUCIANO BERIO (Italy)

"Thema (Omaggio a Joyce)" (1958), "Différences" (1959)

Berio's experimental works often combined electronic and acoustic elements, such as "Thema (Omaggio a Joyce)," which integrated the voice of Cathy Berberian with electronic manipulation.

Les œuvres expérimentales de Berio combinaient souvent des éléments électroniques et acoustiques, comme "Thema (Omaggio a Joyce)", qui intégrait la voix de Cathy Berberian avec des manipulations électroniques.

✚ GYÖRGY LIGETI (Hungary/Austria)

"Artikulation" (1958) Ligeti's "Artikulation"

These compositions are characterized by its intricate textures and spatialized sound.

Ces compositions sont caractérisées par ses textures complexes et son son spatialisé.